Olvídate de los forcejeos y maniobras con las botellas de catsup, esa imposible cucharada final de mayonesa al fondo del envase y también de ensuciar tu ropa al salpicar gotas de aderezo que ya casi se acaba.

Estudiantes de nanotecnología de MIT han creado un nuevo recubrimiento super resbaloso llamado LiquiGlide, el cual modifica las propiedades adhesivas de ciertos materiales y puede ser aplicado a cualquier tipo de empaque de comida espesa — como salsas, aderezos y mermeladas. Además de hacer la relación de los seres humanos con los envases de catsup más funcional, esta innovación permitiría ahorrar alrededor de un millón de toneladas de desechos alimenticios.

La composición de este lubricante no tóxico y seguro para envases alimenticios, es secreta. El grupo de investigación afirma que la sustancia ha sido ”patentada endemoniadamente”.

Específicamente, 9 patentes han sido solicitadas para proteger la fórmula de LiquiGlide.

Vía Fast Company.

¿Cómo podría ser Londres en el futuro? Londres o cualquier otra gran urbe, porque lo que se muestra en el vídeo es el concepto del arquitecto Tsvetan Toshkov sobre un futuro arquitectónico marcado por ciudades con jardines sobre las urbes. Jardines con formas imposibles capaces de proporcionar espacios naturales a los enclaves.

City in the Sky es el concepto acabado por el arquitecto tras fracasar el proyecto Megatrópolis sobre el futuro desarrollo de Londres. Toshkov lo explica así:

El proyecto se inició en Londres, con pocas empresas y unos cuantos artistas invitados para crear una visión sobre el futuro de una gran ciudad desarrollada. El proyecto Megatropolis no llegó a su etapa final, pero el concepto se convirtió en una utopía arquitectónica de animación.

City in the Sky es un concepto acerca de un oasis de tranquilidad por encima de la gran ciudad desarrollada y contaminada, donde se puede escapar del bullicio cotidiano, el estrés y la suciedad. El concepto está inspirado en la flor de loto que es conocida por su capacidad para emerger por encima de las turbias aguas.

Es posible que un concepto así no llegue a realizarse nunca pero al menos podemos disfrutar de una idea tan futurista como fascinante. El trabajo final de la pieza se realizó a través del renderizado con 3DSMAX y V-Ray junto a la inclusión de imágenes en time lapse con una Canon 5D MKII.

La investigación titulada Mallas de punto para modelar prendas tejidas con el nivel de detalle del estambre pretende ofrecer una técnica más práctica para simular superficies tejidas:

Comenzamos con un polígono que representa una superficie tejida de gran escala. Utilizando la malla como inicio, nuestra herramienta de modelado interactivo produce una malla más fina que representa la formación de los puntos en la prenda, lo cual llamamos la emph{stitch mesh}. Al manipular esta malla y asignando a cada punto un estilo en cada de las caras (del modelo), el usuario puede replicar una variedad de estilos tejidos.

Básicamente se puede aplicar un punto en diferentes áreas de un modelo y al finalizarse el diseño, el programa calcula la “relajación” del tejido para poder reproducir la flexibilidad del material al imprimirse en 3D.

Las imágenes superiores muestran puntos creados a partir de estambre y las inferiores los modelados e impresos en 3D:

Definitivamente esta técnica será de gran utilidad para la producción en gran escala o bien, masiva, de superficies o prendas. Pero la realidad es que ya existen máquinas industriales de tejido e incluso tejedoras caseras electrónicas — lo interesante es imaginar cómo es que esta técnica beneficiará a la abuelita promedio del siglo XXI.

Como tejedora y también entusiasta de la fabricación digital, me parece que uno de los retos más interesantes de tejer es la posibilidad de crear superficies con texturas complejas a partir de estambre y un gancho. Sí, crear, requiere tiempo y concentración, pero es un poco el punto de tejer. El estambre es un material completamente inteligente en el sentido de que es 100% manipulable, de modo que los errores se pueden arreglar fácilmente y producir desde cero un tejido perfecto, no es una cuestión de que una computadora calcule algoritmos.

Creo que este tipo de herramientas son más útiles si se utilizan como soporte y se combinan. Es decir, mezclando materiales y técnicas tradicionales con técnicas más automatizadas. Imagino, por ejemplo, tresdeimprimir en un Makerbot solo las áreas que unen las diferentes partes de un sweter, o bien, imprimir únicamente detalles que podrían añadirse en ciertas áreas de una prenda.

Por otro lado, simplemente es una locura imprimir tus tejidos con filamento de plástico, que es el material que utilizan la mayoría de impresoras 3D caseras, pero también las industriales.

De cualquier forma, las posibilidades de emph{stitch mesh} están aún por ser definidas por los usuarios y el mundo de la moda, pero sin duda, es una importante adición a la increíble innovación que sucede en el ámbito textil gracias a las tecnologías 3D.

Frente a la inminente crisis de petróleo que tarde o temprano enfrentaremos, es necesario que se experimente con todas los métodos posibles para crear materia prima que no involucre un derroche innecesario de energía y a la vez, nos ofrezcan los materiales necesarios para nuestra vida diaria, como los son los textiles.

La investigadora Suzanne Lee, autora del libro “Estilizando el futuro: el guardaropa del mañana”, creó el concepto de BioCouture después de una conversación con el biólogo David Hepworth en el 2003, en donde exploraban la posibilidad de producir prendas a partir de líquidos.

En vez de explotar plantas o petroquímicos para obtener la materia prima para textiles, BioCouture investiga el uso de microbios para cultivar biomateriales textiles. Al ser fermentadas, ciertas bacterias producen microfibras de celulosa pura que forman una densa capa que puede cosecharse (para después) secarse.

Este material básicamente es creado con una solución de te azucarado — algo así como Kambucha — al cual se le agregó un cultivo de bacteria, levadura y otros microorganismos para crear una superficie de celulosa flexible — el resultado es muy parecido a una gelatina.

Después de 2 o 3 semanas, el cultivo produce una especia de cáscara vegetal con un grosor de aproximadamente 1.5 cm, y el cual puede utilizarse para moldear directamente una forma tridimensional, o bien, secarla para crear pedazos de tela para cortar distintos patrones de una prenda.

Este biotextil puede teñirse e incluso se puede imprimir sobre él, al ser ultra absorbente se utilza mucho menos tinta que la que otras fibras requieren. Este factor, junto con su proceso de producción mismo, tiene importantes implicaciones para la producción sustentable de prendas ya que al ser una prácticamente una cáscara vegetal, las prendas que se confeccionan con este material pueden utilizarse para composta cuando sean desechadas.

Actualmente la investigadora y diseñadora esta tratando de resolver el asunto de la ultra-absorbencia de este material, ya que al entrar en contacto con el agua se derrite y deforma. El reto por el momento es controlar la biodegradación de la bacteria que produce el agua.

El próximo paso de BioCouture también es experimentar con la producción del cultivo de microbios que la celulosa requiere, a partir de desechos líquidos de la industria alimenticia.

Si la moda es una señal de las posibles direcciones que la sociedad puede tomar, BioCouture es un excelente camino.

Imágenes BioCouture

Shipo Mobana es un maestro de origami de origen suizo, un artista del papel capaz de hacer cosas asombrosas con aparente facilidad. Mobana empezó a hacer aviones de papel a los cinco años, como muchos de nosotros, pero su pasión por el origami se acentuó con el paso del tiempo hasta convertirse en el primer extranjero que apareció en la portada de la revista de la Sociedad Académica de Origami de Japón (JOAS). Este año será uno de los invitados a la convención de Origami USA, que se celebrará entre el 22 y 25 de junio en la ciudad de Nueva York.

Para que os hagáis una idea de lo que puede hacer Mobana tenéis que ver estos dos vídeos realizados con stop motion por el estudio alemán de animación Stoptrick. El primero es un rinoceronte, el segundo un coche, vemos ambos origamis terminados y acto seguido empiezan a desdoblarse ante nuestros ojos. El efecto es genial y podemos ir comprobando la complejidad del diseño al verlo desaparecer y perder su forma final lentamente.

Origami Rhino Unfolding from MABONA ORIGAMI on Vimeo.

Mobana ha expuesto su trabajo en galerías de todo el mundo, sus figuras de papel, auténticas obras de arte, van desde complicadas figuras geométricas hasta logradísimos insectos pasando por diseños abstractos o artefactos cotidianos.

Playas, arena y mar. En ese ambiente trabaja Andres Amador, un polifacético artista de California que suele trabajar en las playas del área de San Francisco. Aprovechando la arena, las bajas mareas y armado con un rastrillo crea auténticas obras de arte que, al subir la marea, desaparecen. Así que solo se puede disfrutar de su trabajo unas cuantas horas, el tiempo que tarda el mar en hacer desaparecer los inmensos cuadros de Amador, algunas de sus obras alcanzan los 90 por 100 metros.

El artista primeramente realiza los bocetos en su taller con la ayuda de un ordenador, después los complejos diseños se trasladan a la arena usando, en vez de una pincel, un rastrillo. Arte al aire libre, arte en la naturaleza, arte con fecha de caducidad; si tienes la fortuna de estar en la playa adecuada en el momento preciso podrás disfrutar de los diseños del californiano. Amador no solo diseña sino que también se preocupa de buscar las playas adecuadas estudiando las mareas y observando la luz solar. Cada obra es diferente, aunque el diseño sea el mismo, cada playa es distinta porque la arena, la luz y el mar son harto juguetones.

Amador explica que el objetivo de su obra es recordar al espectador lo hermoso que es el mundo en el que nos ha tocado vivir. Lo cierto, es que viendo las imágenes, podemos decir que consigue impresionar a cualquiera. Ahora planea viajar por todo el mundo buscando nuevas playas donde poder trabajar, playas diferentes a las californianas que servirán para componer nuevas obras efímeras. Esperemos tener la fortuna de tropezarnos un día con este hombre y su rastrillo.

Uno de los tipos de contenido que mayor impacto suelen causar son los timelapses, es decir, la captación de fotografías, normalmente desde una posición fija, que se reproducen, habitualmente en forma de vídeo, a una velocidad mucho mayor a la que se captaron creando el efecto de imágenes aceleradas con las que podemos ver el desarrollo de un fenómenos en mucho menos tiempo que el que realmente necesitó para su desarrollo. Gracias a los timelapses hemos podido ver auroras boreales o la construcción de un puente y, precisamente, relacionado con la construcción el artista francés François Vautier acaba de publicar su última video-creación, titulada “Lugares Abandonados”, un timelapse en que podemos ver los efectos de 2 años de abandono sobre una construcción.

François Vautier es un director de cine, artista audiovisual, experto en efectos especiales y profesor en la Universidad de París que ha expuesto alguna de sus obras audiovisuales, que son consideradas trabajos de investigación, en la Exposición Universal de Shanghai del año 2010. “Lugares Abandonados” es un timelapse que abarca dos años de observación de un edificio y un jardín abandonados, un trabajo que es continuación de otro vídeo espectacular denominado Hormigas en mi escáner en el que colocó una colonia de hormigas dentro de un escáner y observó, durante cinco años, el ecosistema que creó captando las imágenes para montarlas en un timelapse.

Si tenemos en cuenta que, en apenas tres días, el vídeo ha superado las 12.000 visitas a Vimeo (que es el lugar en el que Vautier mantiene un canal con sus obras y que, de verdad, vale la pena visitar), creo que el dato es lo suficientemente significativo como para que nos hagamos una idea del impacto que tiene el trabajo de este artista audiovisual que, hace poco más de un año, realizó un impresionante, y original, tributo a la magnífica Blade Runner.

Lindsey Bessanson inició su carrera profesional en 2003 como joyera en Arizona, entonces se dedicaba a crear insectos en oro y plata; pero con el tiempo su trabajo evolucionó y, hoy por hoy, transforma a los insectos en pequeñas obras de arte ¿Cómo? Añadiéndoles partes metálicas y dotándolos de una atractiva estética steampunk. Lo cierto es que aunque no te gusten los insectos el trabajo de esta mujer tiene mucho mérito ya que requiere de mucha paciencia y de una gran atención al detalle. Escorpiones, escarabajos y mariposas se transforman en pequeñas obras de ingeniería gracias a los minúsculos mecanismos que Bessanson añade a sus cuerpos.

La artista se hace con insectos muertos a través de proveedores especializados, como entomólogos o coleccionistas, después re-hidrata los cuerpos para poder darles forma sin que se rompan. Luego, con mucho cuidado, cambia la posición de sus alas y patas; les añade las diferentes piezas (palancas, engranajes y mecanismos varios) y vuelve a ensamblar los cuerpos. Un laborioso trabajo que le lleva casi dos semanas. Estos insectos steampunk pueden comprarse a través de la web de la artista.

Este es el logotipo de Windows 8, presentado hoy en el blog oficial del sistema operativo. Un cambio fundamental en la forma en que, visualmente, Microsoft ha mostrado sus sistemas operativos.

Y mucho más que parecerse o ser una evolución del logo de Windows 7, Vista o XP, es sobre todo similar al logo de Windows 1.0, sí, Windows 1.0:

Es increíble lo mucho que está cambiando Microsoft por dentro y cómo, poco a poco, se empieza a notar hacia afuera. ¿Qué opinan, el logo es un acierto o un error?

El artista neoyorquino Nick Georgiou es capaz de realizar una serie de fascinantes retratos y esculturas usando papeles. Para su arte se vale de materiales de origen natural que ya han sido utilizados y les da una nueva vida en forma de fascinantes esculturas y cuadros. Trozos de papel, libros y periódicos cambian de forma, se unen entre si para dar forma a algo nuevo e inesperado. Reciclaje convertido en arte.

El artista rescata el papel, algo que nuestra cultura devoradora de tecnológica está desechando, para volver a dotarlo de significado. Según Georgiou su obra rescata esa reliquia del siglo XXI, la palabra impresa, y cuenta sus historias de una manera nueva y atractiva.

Mi arte está inspirado en la muerte de la palabra impresa. Libros y periódicos se están convirtiendo en artefactos pasados, como sociedad estamos olvidando el consumo de las cosas impresas y nos dirigimos directamente hacia la vida digital plena. Mis esculturas son producto de su entorno – tanto literal como figuradamente-. Casi siempre uso los periódicos locales para añadir autenticidad y la forma de la escultura es un reflejo de la relación personal que tengo con esa ciudad en particular.

Georgiou ha expuesto su trabajo en Londres, en el Soho de New York y actualmente se encuentra exponiendo en Tucson, Arizona. No solo se dedica a la escultura sino que también es guionistas, blogger y cuentacuentos.

As Above, So Below es una vídeo proyección que se realizó el pasado septiembre sobre el puente de Manhattan durante el Festival de Artes de Dumbo. La animación se hizo con el galardón de “Best in Show”. Utilizando la tecnología de mapeo tridimensional se logró algo único.

El espectáculo fue realizado gracias a los equipos técnicos y el apoyo de Senovva, INC y Light Harvest Studio, ambos auspiciaron el ingenio creativo de un grupo de artistas de distintas procedencias entre los que se encontraban Simon Anaya, Farkas Fulop, Richard Jochum, Johnny Moreno, John Ensor Parker y Ryan Uzilevsky. El grupo parió una experiencia visual única que se proyectó sobre un lugar emblemático de la ciudad norteamericana.

Una impresionante proyección sobre un lugar espectacular. La obra fluye sobre la fría piedra, mostrando movimiento, vida. Se nota que la gente que pudo disfrutar en vivo de la experiencia quedó maravillada. El vídeo está muy bien pero no le hace justicia a la experiencia en primera persona.

Los diodos orgánicos de emisión de luz, también conocidos como OLED, son diodos formados por una película de componentes orgánicos que reaccionan ante la aplicación de un voltaje eléctrico y emiten luz; de hecho, en términos generales, los LED están siendo muy utilizados en sistemas de iluminación gracias a su vida útil y su bajo consumo. Aunque a veces pase desapercibido, una buena iluminación puede realzar la belleza de un edificio o, incluso, convertirse en una pieza de arte que pueda terminar en un museo. Pensando en hacer algo digno de una obra de arte, el equipo de rAndom International ha creado un espejo interactivo utilizando componentes OLED que es digno de estar en un museo.

You Fade to Light, que es como se llama este singular elemento es un espejo interactivo formado por paneles OLED de Philips que se ha expuesto en el evento Design Miami 2011. Este dispositivo es una especie de espejo formado por un conjunto de paneles OLED dispuestos en forma de retícula y que se iluminan siguiendo los movimientos de las personas que estén delante del panel. Por tanto, si alguien se queda quieto delante de este dispositivo, los paneles actuarán como espejos y ofrecerán una imagen especular de la persona que está delante, sin embargo, si alguien se mueve, estos píxeles OLED se irán iluminando siguiendo nuestro movimiento.

El funcionamiento, desde luego, es bastante vistoso y, sobre todo, original puesto que el sistema recoge perfectamente los movimientos de la gente que se pone delante del espejo iluminando las zonas en las que se está produciendo el movimiento. Pero, además de esta función de espejo sensible al movimiento, You Fade to Light tiene un modo de funcionamiento inverso en el que el panel siempre está iluminado y, únicamente, se apagan aquellos píxeles que son tapados por la silueta de una persona, los cuales conmutan hacia el modo espejo y, por tanto, reflejarían la imagen de quien estuviese delante del panel.

Una manera muy interesante de mostrar las posibilidades que tienen los dispositivos OLED para ser utilizados tanto en luminarias como en dispositivos mucho más complejos, si bien en este caso, You Fade to Light es una serie limitada de tan solo 8 unidades a un precio que no está al alcance de todos los bolsillos puesto que este espejo interactivo tiene un coste de 188.000 dólares, es decir, 140.000 euros.

¿Y qué utilización puede tener? Bajo mi punto de vista You Fade to Light, además de ser un buen soporte para demostrar el funcionamiento de los paneles OLED, tiene una función demostrativa más que una utilidad concreta. De hecho, rAndom International, que ha sido la encargada de ejecutar el proyecto, es una compañía que utiliza sistemas multimedia para potenciar la interacción entre la gente y objetos aparentemente inertes, en este caso, una luminaria o un espejo.

En la ciudad de Bath se encuentra el museo Holburne donde el artista británico Bruce Munro ha instalado el visualmente impactante Campo de Luz. Se trata de un obra en la cual podemos encontrar 5220 tallos de acrílico que culminan en una bola que contienen cables de fibra óptica. Los tallos se iluminan con un proyector externo por lo que no necesitan electricidad para adquirir su brillo. Una imagen vale más que mil palabras y lo cierto, en que esta época cercana a la Navidad, es una estampa de lo más festiva.

La obra se encuentra en la entrada de los jardines del museo y se encontrará “plantada” en ese lugar hasta el 8 de enero de 2012. La obra se encendió el pasado 26 de noviembre a las cuatro de la tarde en el recinto del museo. Durante el día el campo permanece inactivo pero es cuando cae la noche que las flores comienzan a brillar y a jugar con la luz y el color.

Bruce Munro de 53 años se inspiró en un viaje a Australia que hizo hace 20 años. El artista recuerda que la estampa del desierto estéril floreciendo tras la lluvia le impactó tanto que no pudo olvidar esa imagen:

Creo que es una obra con un atractivo universal y voy a ser feliz si  hago sonreír a la gente en esta época navideña

El resultado de las flores es mágico, la fusión del color y la luz nos transporta a un entorno irreal y fantástico. Una experiencia fascinante que permanece en la memoria del espectador incluso después de que las luces se apaguen. Algo único y hermoso.

El director del museo Holburne, Alexander Sturgis, señala que:

Estamos encantados de que la obra de arte Bruce Munro traiga una experiencia de luz mágica a nuestras instalaciones en la época más oscura del año. En lo que, para la mayoría de la gente, es una época frenética por la cercanía de las fiestas. Por eso estamos muy contentos de ofrecer una experiencia agradable y edificante en Holburne.

Tras el éxito del libro “Quién se ha llevado mi queso?”, alguien debería escribir “Quién se ha llevado mi Xerox?”. Más allá de este pésimo chiste, en el libro de la historia de los “espionajes” industriales, seguro que aquella famosa visita de Steve Jobs y sus piratas (él llamaba así, orgulloso, a su equipo de desarrollo del Mac) a la planta de desarrollo de Xerox en Palo Alto ocuparía el capítulo más copioso (copioso en tanto que abultado, no por lo copión, aunque podría serlo también).

Esa compañía había logrado un magnífico entorno con ventanas, con el uso de mouse como novedad, que luego, a espaldas de sus desarrolladores, sería el estándar en las computadoras personales. Sí, sí, ya sé: usted dirá que no fue exactamente una toma de “interfaz” ajena, que no fue un robo flagrante, ya que Xerox compró algunas acciones de Apple, lo que le daba derecho al bueno de Jobs a escudriñar los planos secretos del entonces gigante informático. También es cierto, que ese GUI, en 1982, estaba en una fase que podía considerarse experimental, y que se encontraba lejos de la pulida que le daría el team Mac antes de sacarlo a la venta con su computadora de 1984. Aunque todo lo que vino después confirmaría que cualquier trato que pudieron hacer estas empresas entre sí, fue (extremadamente) poco conveniente para los impulsores orginales de los mapas de bits. Miles de computadoras explotaron aquel tipo de entorno, y Xerox lo tuvo que mirar desde afuera.

Pero bueno, no estamos aquí para revisitar aquella historia, sino para compartir la vida y obra de una mujer, Susan Kare, la diseñadora que humanizó a los íconos. Que le puso carita feliz al monitor. Que logró transmitirle a sus creaciones (los pequeños gráficos de escritorio) la idea de simpleza que soñaba Jobs para sus productos. Y para ver el cuaderno original de sus creaciones, algo que ha dado a conocer recientemente el escritor Steve Silverman

Porque como decíamos, los íconos que había propuesto Xerox en su famoso entorno, eran más bien monótonos, ascéticos. En el video de arriba, vía Uberbin el blog de Mariano Amartino, puede verse la distancia que existía entre el entorno Xerox y el de los productos que lanzaría Apple desde 1984 (y posteriormente, Windows, claro). En esa lavada de cara, mucho tuvo que ver Susan Kare.

De las tipografías inéditas, a los íconos bonitos

El primer trabajo que tuvo la joven artista plástica cuando llegó a las instalaciones de Cupertino, fue desempeñarse en el diseño de las tipografías para el Mac OS, otra de las obsesiones de Jobs (de su gran colección). Ella estaba dándole al cincel en una escultura para el museo de Bellas Artes de San Francisco, cuando la llamo Andy Hertzfeld, el desarrollador líder del software para el sistema operativo Macintosh, y le ofreció el empleo. Se conocían de la Universidad de Nueva York, y Andy tenía claro que Susan le podía dar a la Manzana el minimalismo que ya reclamaba su célebre fundador.

Ella trabajó con firmeza en el diseño de una idea que entonces era todo un desafío: permitir que cada letra ocupara el espacio que necesitaba per se en el entorno gráfico y no -como era hasta entonces- que una “M” debía llenar la misma zona que la “I”. Desde entonces Kare se volvió una verdadera exponente del Pixel Art a la vieja usanza de los artistas plásticos: con papel y lápiz (o fibrón, en su caso). Porque para lograr tanto sus tipografías como los íconos en los que se concentraría luego, se valió de un cuaderno cuadriculado y una fibra de color rosa, con la que pintaba cada cuadrito como si fuera un pixel (no existía, por supuesto, el soft para diseñar íconos en computadoras).

La leyenda dice que fue el propio Jobs el que se gastó $2,50 para comprarle aquel cuaderno a la dama que le pondría su firma al tipo de letra Chicago (el característico del entorno Classic de Mac OS y el utilizado en las tres primeras generaciones de la interfaz del iPod de Apple) y quien dibujó el Happy Mac (el monitor feliz que recibió con una sonrisa a los usuarios de Mac, con cada reinicio, durante 18 años, hasta el Mac OS X 10.2). Pero como la mayoría de las leyendas urbanas, ésta también es falsa, porque fue sola, Susan, a adquirir su cuadernito a la tienda de Arte de la Universidad de Palo Alto.

Aquel libro de bocetos finalmente se dio a conocer y allí puede notarse el humor y la facilidad de la autora para crear señales que tuvieran la eficacia de un cartel de tránsito, y a la vez, la belleza y las pretensiones artísticas que el equipo de Apple le quería dar a aquella máquina de mediados de los 80.

Están presentes allí los primeros bocetos de la “manito”, del signo “stop” e incluso de búsquedas y trazos varios que finalmente no quedarían plasmados en el entorno de Apple.

Susan, antes de partir de la compañía en 1986, dejó dibujada desde la papelera hasta el signo de la tecla command de las Mac, pensado por ella como un estilizado castillo visto desde arriba. Su camino no estaría ligado directamente al de Jobs, aunque sí lo seguiría en NexT, cuando aquel tuvo que irse de la empresa que había fundado. Pero Kare también trabajó para IBM, Intel y Motorola, entre tantas otras firmas. Y un detalle que no es muy conocido, ella también diseñó íconos para Windows, específicamente su versión 3.0.

Aunque, por supuesto, la impronta de su portfolio para la Mac es tan fuerte, que su carrera siempre será ligada a la Manzana. De hecho, una de las imágenes más reproducidas tras la muerte de Steve Jobs, fue una versión de su “Mac Feliz”, esta vez triste y con una lágrima asomando.

Actualmente la diseñadora sigue activa, e incluso pueden verse sus obras en diferentes aplicaciones de Facebook y en infinidad de páginas web. Ha editado un libro con sus íconos (aunque allí no figuran estos hechos a mano) y es convocada para exponer sus creaciones en diferentes museos de todo el mundo. Es curioso notar como algo tan común para nosotros, como el signo de la bomba a punto de explotar o el indicador de volumen, puede ser expuestos en encumbradas sala de arte, como verdaderas piezas de arte contemporáneo.

En su propia biografía, Susan dejó claro cuál fue siempre su objetivo:

“El proceso de diseño incluye la búsqueda de fuertes metáforas y la manera de plasmarlas. Mi trabajo estuvo enfocado en el desarrollo de un set de tipografías e íconos proporcionales para la pantalla de las computadoras, como una salida de los caracteres monoespaciales típicos de las primeras computadoras y las máquinas de escribir. Con el ícono y el trabajo sobre la fuente, esperaba ayudar a contrarrestar la imagen estereotipada de los ordenadores de entonces, como fríos e intimidantes”.

Vaya si lo logró.

La transparencia del vestido cambia de acuerdo a la sensibilidad del cuerpo, por medio de sensores que registran el pulso del corazón de la gran afortunada en vestir esta joya de la moda inteligente.

Es decir, las interacciones sociales y su efecto físico son las que determinan el nivel de transparencia —literal— del material, provocándo así, una expresividad demasiado sexy.

El vestido por el momento existe en dos versiones, blanco y negro, pero además están invitando a diseñadores de alta costura a desarrollar sus propias versiones utilizando esta mezcla de piel, fibra inteligente, sensores, leds, electrónicos y cobre, para crear más modelos.

Así, ¿o más sexy?

Imágenes vía Studio Roosegaarde

IModela cuesta 1000 doláres, lo cuál en comparación a las fresadoras profesionales es bastante accesible. De hecho cuesta lo mismo que un Makerbot.

IM-01 permite modelar materiales como la cera, madera, plástico o espuma, por medio de un software llamado IModela Creator y que permite hacer diseños más complejos o bien, cargar modelos que se pueden obtener de su nueva comunidad, llamada Icreate (estilo Thingverse). El software permite crear moldes, formas, mecanizados y patrones con precisión y que son procesados en 3D o 2D por IModela.

Si te gusta el Makerbot, seguramente te interesará IModela, aunque la gran desventaja es que no es open-source, pero sin duda, muy prometedora para la escena de la fabricación digital:

Steve Jobs dejó su puesto de CEO de Apple en un anuncio hecho en la tarde de ayer a sorpresa de absolutamente toda la industria y probablemente en todo el planeta. Creemos que él es una de las personas más importantes y con una gran carga de responsabilidad del estado actual del mundo de la tecnología.

A lo largo de los años, Jobs ha dicho una serie de frases en presentaciones, celebraciones, conferencias y entrevistas. Muchas de las cuales generan admiración, rechazo, inclusive enojo. Pero nunca nos deja indiferentes. Estas son 5 grandes frases pronunciadas por Steve Jobs] a lo largo de tiempo:

Acerca del diseño y la atención al detalle:

Cuando eres un carpintero haciendo una linda cajonera no vas a usar un pedazo de madera contraparchada en la parte de atrás, aún cuando sabes que estará frente a una pared por lo tanto y nadie la verá. Igual sabes que está ahí, entonces usas una pieza hermosa de madera. Para poder dormir bien por las noches, la estética, la calidad tiene que ser llevada a cabo en absolutamente todos los aspectos del producto.

La opinión de Steve Jobs acerca de los medios tradicionales, en particular las cadenas de televisión, en una entrevista en 1996 para Wired. Palabras que hoy siguen siendo reales:

Cuando eres joven miras a la televisión y piensas «hay una conspiración, las televisoras están conspirando para hacernos tontos», pero cuando te haces mayor entiendes que esa no es la verdad. Las cadenas de televisión están en el negocio de darle a las personas exactamente lo que quieren, que es un pensamiento mucho más deprimente. ¡Que haya una conspiración es optimista, porque podemos organizar una revolución! Pero la realidad es que las televisoras están en el negocio de darle a las personas lo que quieren. Esa es la verdad.

Una de las cosas que más me sorprende de Steve Jobs es cómo el ha tenido sumamente claro lo que sucede hoy con los iPads, los iPhones y toda esta época post-PC desde hace más de diez años. En 1996 hizo una predicción que se cumplió en su totalidad, y el razonamiento es bastante claro:

La industria de las computadoras de escritorio está muerta. Practicamente no hay innovación. Microsoft domina el mercado con muy poca innovación. Se acabó. Apple perdió. El mercado de las computadoras de escritorio ha entrado una época oscura y se mantendrá ahí por los próximos diez años o al menos por el resto de la década.

Acerca de la innovación en la tecnología:

La innovación no tiene nada que ver con cuánto dinero tienes para investigación y desarrollo. Cuando Apple inventó las Macs, IBM estaba gastando al menos 100 veces más en I+D. No es acerca del dinero, es acerca de las personas, cómo eres dirigido y qué tanto lo entiendes.

Mi favorita y que personalmente me impulsó a crear Hipertextual, escuchada en el momento correcto de mi vida, durante su discurso en una ceremonia de graduación de la Universidad de Stanford:

Su tiempo es limitado, no lo gastes viviendo la vida de otras persona. No se dejen atrapar por el dogma que implica vivir entre los resultados de los pensamientos y creencias de otros. No permitan que el ruido del pensamiento de otras personas ahogue su voz interior. Y lo más importante: tengan el coraje de seguir su corazón y su intuición. De algún modo estos ya saben lo que ustedes quieren llegar a ser. Todo lo demás es secundario.

Cada año el Royal College of Art de Londres realiza una exhibición para presentar el trabajo de sus estudiantes. Y año con año logran impactar a todos, esta vez tal vez Jungeun Lee, estudiante del programa de textiles, es quien ha llamado más la atención, gracias a su técnica para producir prendas sin necesidad de coser o cortar.

El resultado es una línea de prendas esculturales, parecidas a impresiones en 3D, a las cuales llama Wrapped Garments o Prendas Envueltas.

La técnica de Lee es simple pero novedosa: un patrón, un maniquí y fibras sintéticas (polyester, nylon o spandex por ejemplo) envueltas alrededor, mismas que al aplicar calor producen estas fantásticas siluetas que se moldean de forma orgánica e inesperada, según el sitio de Lee: Studiokoya. El concepto de “corte y confección” se ha redefinido.

El proceso también puede ser utilizado para crear otro tipo de productos, solo basta mirar los increíbles zapatos de la colección.

La tendencia del mundo de la moda es revolucionar el proceso de producción mismo, junto con dDress, las prendas envueltas de Lee son sin duda buenos trazos de la dirección en la cual se perfila el mundo de la moda de alta tecnología.

Imágenes: StudioKoya.

Ha sido un camino largo en mi vida el uso de software libre, recuerdo que empecé usando software libre en Windows antes de decidir cambiarme de sistema operativo a Linux —“GNU/Linux”, para los puristas—, y durante todo este proceso pude notar los cambios que ha habido en el diseño de interfaces, de logos y de imágenes de distintos proyectos de software libre.

Más allá de lenguajes de programación y las metodologías de programación alrededor de estos, una de las habilidades más importantes que un desarrollador puede tener es la empatía. Para que el software sea útil debe ser hecho tomando en cuenta mis necesidades como usuario, que pueden ser distintas de las necesidades de otros usuarios.

Sabemos que muchas veces el diseño es dejado a un lado a la hora del desarrollo de aplicaciones libres. ¿Por qué? Pues muchas veces más que ser creado pensando en el usuario final, los dasarrolladores piensan en si mismos mientras trabajan en él. Aunque a veces las comunidades ayudan a mejorar los diseños en general —muchas veces porque los desarrolladores tienen necesidades distintas y todas estas son tomadas en cuenta—, muchas veces el diseño no es algo que en realidad preocupe a los desarrolladores.

Yo sé que el software libre es una metodología muy válida e importante, con muchas aplicaciones muy variadas. Pero a la vez me doy cuenta de que —-la mayoría de las veces— comparado con el software privativo, que es hecho pensando en el usuario final, su diseño es bastante pobre. Yo apoyo completamente el software libre, pero no me gustaría que para apoyarlo tenga que usar herramientas con un diseño inferior. ¿Qué podemos hacer para mejorar la ética del diseño en el software libre?

Parte del problema es el mercado. El software comercial debe venderse, así que las interfaces sencillas y con gran usabilidad es algo integral en él; el software libre no, y muchas veces parte de la estrategia para obtener fondos es ofrecer planes de soporte, así que hacer el software libre más sencillo no es siempre parte de la dinámica (van a notar que el software libre mejor diseñado siempre tiene una versión comercial).

Además, muchos desarrolladores ven el diseño como algo que pasa a segundo plano, un trabajo “inferior” en comparación a lo que ellos hacen. Y cualquiera que piense que su función es más importante en un equipo de desarrollo hace que esto sea destructivo.

Otro problema es la actitud de los diseñadores. ¿Quién quiere regalar su trabajo cuando de por si se dice que el trabajo del diseñador ha sido devaluado mucho últimamente? Por un lado, los desarrolladores pueden mostrar su trabajo en proyectos libres como algo que les ayuda a formarse en su carrera o como parte de su portafolio. Pero los diseñadores no tienen los mismos incentivos. Podemos ver ejemplos aislados —como el Proyecto Tango, o los diseñadores involucados en Firefox, como Chris Messina—, pero por lo general no se piensa que el ayudar en proyectos libres sea algo bueno. Todavía.

Las compañías o comunidades que trabajen desarrollando proyectos open source deben tomar esto en cuenta. Tienen que entender la importancia de tener a diseñadores en su equipo. Y los desarrolladores deben entender que el trabajo del diseñador es tan importante como el de ellos y trabajan con el mismo fin, sólo que sus herramientas son un poco distintas.

Imagen vía Kino Eye

Como parte de la serie de Proyectos Rápidos del F.A.T. Lab, Golan Levy ha creado un esténcil DIY para llevar la visualización de datos a las calles. El esténcil es modular y fue fabricado utilizándo una lasercuter, un pedazo de madera, una tuerca y cinta adhesiva.

Nada más innovador que la simpleza. La herramienta permite crear gráficas estilo pie, ajustar los porcentajes y el texto fácilmente para ser colocado contra la pared y aplicar spray.

No es la primera vez que Golan experimenta con el graffiti, el impresionante Robotagger que utiliza los datos del Graffiti Markup Language de Evan Roth, no es sólo una exploración de las posibilidades de la caligrafía robotizada, de hecho, es un experimento que considera las posibilidades de ser utilizado como prótesis para artistas, de la misma forma que Eyewritter lo es para el artista callejero Tempt One.

Golan es un artista e investigador graduado del Media Laboratory de MIT, dedicado al performance, la producción de artefactos digitales y la exploración de las fronteras del lenguaje interactivo. Para conocer más acerca de su trabajo, visita su Flong.com

La herramienta para graffitear visualizaciones de Golan claro que es open-source y licenciado bajo Creative Commons. Puedes descargar el archivo para reproducir la herramienta del sitio de F.A.T. Junto con las instrucciones.

Un gran porcentaje de los rumores acerca de lo que se anunciará hoy indican que el sistema de notificaciones será rediseñado y profundamente mejorado. Totalmente de acuerdo, es necesario y urgente. Dicen que la necesidad es la madre de la invención y algunas personas es han tomado el trabajo de mostrar sus conceptos para mejorar el sistema de notificaciones de iOS, y debo aceptar que algunas de las ideas son muy buenas.

Estos son cuatro bastante populares:

1. Andreas Hellqvist

2. Jan-Michael Cart

3. Two Guys From Poland

4. roessnakhan

Aunque siempre hay personas que consideran que hacer rediseños no solicitados es de mal gusto (y la verdad, en general, estoy de acuerdo) creo que resulta interesante ser testigos de lo que es posible hacer cuando se junta la creatividad y la necesidad de poder usar mejor los dispositivos con los que se interactuan a dario.

Identidades corporativas. Tanto o más importante que sus productos, la imagen de cualquier compañía torna vital no sólo en términos de reconocimiento o distinción, sino también en la impronta de ideas. Subconscientemente acabamos asociando entidades a conceptos con los que estaremos más o menos de acuerdo, lo que acaba determinando nuestra relación para con las mismas.

El MIT Media Lab es un departamento dentro de la Escuela de Arquitectura y Planificación en el Instituto de Tecnología de Massachusetts, de enorme popularidad en los 90 gracias a importantes invenciones en el campo de las redes inalámbricas y la navegación Web. Si lo citamos en el marco del párrafo introductorio no es sino por su recién rediseñado logo, que pasará a la historia como el primero dinámico en base a un algoritmo.

La fórmula de marras se encarga de combinar tres formas simples y 12 colores, dando lugar a más de 40.000 variaciones. A cada miembro del equipo se le asigna un logo concreto, si bien todos permanecen unidos bajo el mismo sello dada la similitud esquemática de las variantes.

El diseñador, Richard The, explica su creación:

Cada una de las tres formas representa una contribución individual. La forma resultante es consecuencia de ese proceso: la constante redefinición de lo que los medios y la tecnología significan hoy en día.

MIT Media Lab Identity, 2011 from readyletsgo on Vimeo.

Habrá quien piense, pese a todo, que semejante amalgama pueda resultar confusa, poco práctica. Renombrados diseñadores opinan lo contrario. The Next Web ha preguntado a Duane Kinsey, de Logobird:

Creo que las mismas reglas pueden aplicarse a toda identidad corporativa, con independencia de su dinamismo. Detrás de cada exitoso diseño necesitas un concepto bien elaborado. Sin él, estará condenado al fracaso. Así que sí, una identidad dinámica puede obstaculizar el asentamiento de marca, pero lo mismo podemos decir de las de tipo estático.

En el caso de MIT Media Labs, el hecho de que un algoritmo genere 40.000 variaciones de un logo en hasta 12 colores es muy innovador. Más aún que cada empleado pueda reclamar uno propio a través de una interfaz web.

¿Triunfará esta vanguardista idea? De una forma u otra, seguramente acabe siendo ejemplarizante en futuros mamotretos sobre identidad corporativa.

Cada día me encuentro más proyectos interesantes en Kickstarter. Hay que estudiar muy bien este sitio y las herramientas (y poder) que otorga a los emprendedores. Creo que hay una revolución silenciosa, y poco documentada, de lo que está permitiendo lograr la filosofía detrás de Kickstarter. Pero eso es tema de otro post.

PadPivot, es un soporte para tablets realmente ingenioso, actualmente se encuentra en un estado inicial de su producción. Es apenas un concepto con uno que otro prototipo usado para darle promoción al proyecto. El soporte puede ser colocado en las piernas y, por lo menos en el video, se ve sumamente comodo y práctico. Puede ser usado con un iPad, Galaxy Tab, Kindle, Blackberry Playbook e incluso con teléfonos celulares. Cuenta con una posición de manos libres en su regazo, ángulos ajustables y la posibilidad de ser colocado también en el escritorio. El diseño con bisagras permite poder transportarlo en nuestros bolsillos.

El video, aunque en inglés, nos demuestra muy bien el soporte:

Lo más interesante es que Jim Young, su creador es un diseñador independiente que ha decidio usar Kickstarter para levantar los fondos necesarios para poder construir en serie el PadPivot. Se pusieron una meta de US$10.000 y hasta los momentos llevan recogidos más de US$135.000. Es realmente increíble. Hay que estar muy pendiente de los proyectos que aparecen en Kickstarter, el nivel de creatividad es muy alto.

La agencia de producción de visualizaciones JEES3 ha creado una infografía animada dedicada al status actual de Wikipedia, repasando sus orígenes y enlistando algunos de los retos en el futuro de este tesoro del internet.

La narración esta a cargo de Jimmy Wales, quién explica como Nupedia dió lugar a Wikipedia en tan solo nueve meses, la diferencia entre los dos proyectos es que la primera era una enciclopedia creada y editada solo por especialistas. La necesidad de colaborar dió paso a lo que hoy conocemos como la enciclopedia libre, la cuál celebró su cumpleaños número 10 hace una semana.

El reciente criticismo a la calidad de los artículos de Wikipedia y sus reglas de edición da una buena oportunidad a Wales, quien informa que más de 200 reglas rigen el sistema de contribuciones y edición de la comunidad, además de dejar claro que la Fundación Wikimedia no tiene rol editorial, su misión es mantener los servidores y recaudar recursos para mantener a flote Wikipedia.

Al parecer más de 1.2 millones de editores han contribuído con contenido a Wikipedia -lo cual por cierto, no me parece nada en comparación a los 500 millones de contribuyentes de contenido de Facebook- pero aún no hay forma de garantizar la calidad de los artículos, por lo cual el nuevo objetivo de Wikipedia es hacer más exacta, confíable y verificable la información que ofrece.

A mi gusto el diseño gráfico de esta animación no tiene mucho que ver con el estilo de Wikipedia, pero después de una década tal vez es hora de atraer a nuevas audiencias para que usen y colaboren en el sitio. Tal vez algún día veamos en las escuelas talleres y clases en donde los niños puedan aprender a contribuír y editar Wikipedia desde pequeños. Veremos que sucede de aquí al 2020 con la enciclopedia consentida del internet. <3

Creo que no necesito explicarles quien es H.R. Giger, pero aquí va: se trata del hombre responsable de diseñar una de las criaturas más icónicas y horrendas del cine de ciencia ficción/horror: los aliens de, bueno…Alien, saga de la cual hay una precuela en marcha a manos de Ridley Scott, y de la cual recientemente se ha confirmado que Giger también participará.

Esta criatura extraterrestre que en su primera aparición salía de los pechos de los huéspedes infectados (que antes habían tenido otra criaturita no muy adorable enredada en sus cabezas), nos aterrorizó a unos cuantos con sus babas de ácido, escurridizos movimientos, sed de violencia y esa terrorífica boquita. En la segunda parte los aliens eran más y más grandes: doble miedo, aunque la impresionante Reina Alien fue obra de James Cameron y no directamente diseñada por Giger. Las criaturas de Resurrection, la versión de David Fincher, tuvieron manos de Giger pero su trabajo no fue exactamente reconocido, y en la entrega más reciente si bien es visualmente impresionante, llegando al final decepciona bastante.

Es que la franquicia de Alien, como suele pasar cuando se estira una franquicia, se fue desvirtuando bastante. Pero la noticia de la vuelta de Giger le suma expectativa al proyecto de una nueva entrega. Después de todo, personalmente una de las cosas que más me chocó de la última entrega fue ese alien-humano que coronó la visión del francés Jean-Pierre Jeunet, diseño que no sólo se aleja mucho de los originales, sino que en un principio ni siquiera reconoció a Giger en los créditos, aunque luego de varias quejas, lo agregaron como “diseñador original” en las subsecuentes ediciones del filme en video y DVD, porque vamos, literalmente es el padre de la criatura y merece el reconocimiento por su arte original, en el cual todos los siguientes se basan.

La noticia de que Scott nuevamente convocó a H.R. Giger para trabajar en la precuela se conoció por una entrevista que le hizo un canal de televisión suizo a la esposa del artista. Sobre más detalles de la película no hay mucho más de lo que ya se fue revelando: que la historia se centrará en ese misterioso Space Jockey que se ve en la primera película, y que, si bien la teniente Ellen Ripley no va a estar (porque claro, esta historia es anterior a que la tripulación de la Nostromo siquiera existiera), tendremos una nueva heroína mujer como protagonista. También sabemos que podría llamarse “Alien Paradise” y que será en 3D y y no una sino dos películas, además, entre los encargados del guión está un tal Damon Lindeof.

A esperar a ver qué más nos van contando, de momento la idea me entusiasma, y esta noticia suma muchos puntos al menos al potencial visual del proyecto, me imagino que podría ser impactante meternos dentro de los intrincados diseños de Giger a través del 3D ¿ustedes le tienen ganas a una nueva Alien?

Vía: Slashdot | Foto: HR Giger, Mia Bonzanigo