Este es el logotipo de Windows 8, presentado hoy en el blog oficial del sistema operativo. Un cambio fundamental en la forma en que, visualmente, Microsoft ha mostrado sus sistemas operativos.

Y mucho más que parecerse o ser una evolución del logo de Windows 7, Vista o XP, es sobre todo similar al logo de Windows 1.0, sí, Windows 1.0:

Es increíble lo mucho que está cambiando Microsoft por dentro y cómo, poco a poco, se empieza a notar hacia afuera. ¿Qué opinan, el logo es un acierto o un error?

El artista neoyorquino Nick Georgiou es capaz de realizar una serie de fascinantes retratos y esculturas usando papeles. Para su arte se vale de materiales de origen natural que ya han sido utilizados y les da una nueva vida en forma de fascinantes esculturas y cuadros. Trozos de papel, libros y periódicos cambian de forma, se unen entre si para dar forma a algo nuevo e inesperado. Reciclaje convertido en arte.

El artista rescata el papel, algo que nuestra cultura devoradora de tecnológica está desechando, para volver a dotarlo de significado. Según Georgiou su obra rescata esa reliquia del siglo XXI, la palabra impresa, y cuenta sus historias de una manera nueva y atractiva.

Mi arte está inspirado en la muerte de la palabra impresa. Libros y periódicos se están convirtiendo en artefactos pasados, como sociedad estamos olvidando el consumo de las cosas impresas y nos dirigimos directamente hacia la vida digital plena. Mis esculturas son producto de su entorno – tanto literal como figuradamente-. Casi siempre uso los periódicos locales para añadir autenticidad y la forma de la escultura es un reflejo de la relación personal que tengo con esa ciudad en particular.

Georgiou ha expuesto su trabajo en Londres, en el Soho de New York y actualmente se encuentra exponiendo en Tucson, Arizona. No solo se dedica a la escultura sino que también es guionistas, blogger y cuentacuentos.

As Above, So Below es una vídeo proyección que se realizó el pasado septiembre sobre el puente de Manhattan durante el Festival de Artes de Dumbo. La animación se hizo con el galardón de “Best in Show”. Utilizando la tecnología de mapeo tridimensional se logró algo único.

El espectáculo fue realizado gracias a los equipos técnicos y el apoyo de Senovva, INC y Light Harvest Studio, ambos auspiciaron el ingenio creativo de un grupo de artistas de distintas procedencias entre los que se encontraban Simon Anaya, Farkas Fulop, Richard Jochum, Johnny Moreno, John Ensor Parker y Ryan Uzilevsky. El grupo parió una experiencia visual única que se proyectó sobre un lugar emblemático de la ciudad norteamericana.

Una impresionante proyección sobre un lugar espectacular. La obra fluye sobre la fría piedra, mostrando movimiento, vida. Se nota que la gente que pudo disfrutar en vivo de la experiencia quedó maravillada. El vídeo está muy bien pero no le hace justicia a la experiencia en primera persona.

Los diodos orgánicos de emisión de luz, también conocidos como OLED, son diodos formados por una película de componentes orgánicos que reaccionan ante la aplicación de un voltaje eléctrico y emiten luz; de hecho, en términos generales, los LED están siendo muy utilizados en sistemas de iluminación gracias a su vida útil y su bajo consumo. Aunque a veces pase desapercibido, una buena iluminación puede realzar la belleza de un edificio o, incluso, convertirse en una pieza de arte que pueda terminar en un museo. Pensando en hacer algo digno de una obra de arte, el equipo de rAndom International ha creado un espejo interactivo utilizando componentes OLED que es digno de estar en un museo.

You Fade to Light, que es como se llama este singular elemento es un espejo interactivo formado por paneles OLED de Philips que se ha expuesto en el evento Design Miami 2011. Este dispositivo es una especie de espejo formado por un conjunto de paneles OLED dispuestos en forma de retícula y que se iluminan siguiendo los movimientos de las personas que estén delante del panel. Por tanto, si alguien se queda quieto delante de este dispositivo, los paneles actuarán como espejos y ofrecerán una imagen especular de la persona que está delante, sin embargo, si alguien se mueve, estos píxeles OLED se irán iluminando siguiendo nuestro movimiento.

El funcionamiento, desde luego, es bastante vistoso y, sobre todo, original puesto que el sistema recoge perfectamente los movimientos de la gente que se pone delante del espejo iluminando las zonas en las que se está produciendo el movimiento. Pero, además de esta función de espejo sensible al movimiento, You Fade to Light tiene un modo de funcionamiento inverso en el que el panel siempre está iluminado y, únicamente, se apagan aquellos píxeles que son tapados por la silueta de una persona, los cuales conmutan hacia el modo espejo y, por tanto, reflejarían la imagen de quien estuviese delante del panel.

Una manera muy interesante de mostrar las posibilidades que tienen los dispositivos OLED para ser utilizados tanto en luminarias como en dispositivos mucho más complejos, si bien en este caso, You Fade to Light es una serie limitada de tan solo 8 unidades a un precio que no está al alcance de todos los bolsillos puesto que este espejo interactivo tiene un coste de 188.000 dólares, es decir, 140.000 euros.

¿Y qué utilización puede tener? Bajo mi punto de vista You Fade to Light, además de ser un buen soporte para demostrar el funcionamiento de los paneles OLED, tiene una función demostrativa más que una utilidad concreta. De hecho, rAndom International, que ha sido la encargada de ejecutar el proyecto, es una compañía que utiliza sistemas multimedia para potenciar la interacción entre la gente y objetos aparentemente inertes, en este caso, una luminaria o un espejo.

En la ciudad de Bath se encuentra el museo Holburne donde el artista británico Bruce Munro ha instalado el visualmente impactante Campo de Luz. Se trata de un obra en la cual podemos encontrar 5220 tallos de acrílico que culminan en una bola que contienen cables de fibra óptica. Los tallos se iluminan con un proyector externo por lo que no necesitan electricidad para adquirir su brillo. Una imagen vale más que mil palabras y lo cierto, en que esta época cercana a la Navidad, es una estampa de lo más festiva.

La obra se encuentra en la entrada de los jardines del museo y se encontrará “plantada” en ese lugar hasta el 8 de enero de 2012. La obra se encendió el pasado 26 de noviembre a las cuatro de la tarde en el recinto del museo. Durante el día el campo permanece inactivo pero es cuando cae la noche que las flores comienzan a brillar y a jugar con la luz y el color.

Bruce Munro de 53 años se inspiró en un viaje a Australia que hizo hace 20 años. El artista recuerda que la estampa del desierto estéril floreciendo tras la lluvia le impactó tanto que no pudo olvidar esa imagen:

Creo que es una obra con un atractivo universal y voy a ser feliz si  hago sonreír a la gente en esta época navideña

El resultado de las flores es mágico, la fusión del color y la luz nos transporta a un entorno irreal y fantástico. Una experiencia fascinante que permanece en la memoria del espectador incluso después de que las luces se apaguen. Algo único y hermoso.

El director del museo Holburne, Alexander Sturgis, señala que:

Estamos encantados de que la obra de arte Bruce Munro traiga una experiencia de luz mágica a nuestras instalaciones en la época más oscura del año. En lo que, para la mayoría de la gente, es una época frenética por la cercanía de las fiestas. Por eso estamos muy contentos de ofrecer una experiencia agradable y edificante en Holburne.

Tras el éxito del libro “Quién se ha llevado mi queso?”, alguien debería escribir “Quién se ha llevado mi Xerox?”. Más allá de este pésimo chiste, en el libro de la historia de los “espionajes” industriales, seguro que aquella famosa visita de Steve Jobs y sus piratas (él llamaba así, orgulloso, a su equipo de desarrollo del Mac) a la planta de desarrollo de Xerox en Palo Alto ocuparía el capítulo más copioso (copioso en tanto que abultado, no por lo copión, aunque podría serlo también).

Esa compañía había logrado un magnífico entorno con ventanas, con el uso de mouse como novedad, que luego, a espaldas de sus desarrolladores, sería el estándar en las computadoras personales. Sí, sí, ya sé: usted dirá que no fue exactamente una toma de “interfaz” ajena, que no fue un robo flagrante, ya que Xerox compró algunas acciones de Apple, lo que le daba derecho al bueno de Jobs a escudriñar los planos secretos del entonces gigante informático. También es cierto, que ese GUI, en 1982, estaba en una fase que podía considerarse experimental, y que se encontraba lejos de la pulida que le daría el team Mac antes de sacarlo a la venta con su computadora de 1984. Aunque todo lo que vino después confirmaría que cualquier trato que pudieron hacer estas empresas entre sí, fue (extremadamente) poco conveniente para los impulsores orginales de los mapas de bits. Miles de computadoras explotaron aquel tipo de entorno, y Xerox lo tuvo que mirar desde afuera.

Pero bueno, no estamos aquí para revisitar aquella historia, sino para compartir la vida y obra de una mujer, Susan Kare, la diseñadora que humanizó a los íconos. Que le puso carita feliz al monitor. Que logró transmitirle a sus creaciones (los pequeños gráficos de escritorio) la idea de simpleza que soñaba Jobs para sus productos. Y para ver el cuaderno original de sus creaciones, algo que ha dado a conocer recientemente el escritor Steve Silverman

Porque como decíamos, los íconos que había propuesto Xerox en su famoso entorno, eran más bien monótonos, ascéticos. En el video de arriba, vía Uberbin el blog de Mariano Amartino, puede verse la distancia que existía entre el entorno Xerox y el de los productos que lanzaría Apple desde 1984 (y posteriormente, Windows, claro). En esa lavada de cara, mucho tuvo que ver Susan Kare.

De las tipografías inéditas, a los íconos bonitos

El primer trabajo que tuvo la joven artista plástica cuando llegó a las instalaciones de Cupertino, fue desempeñarse en el diseño de las tipografías para el Mac OS, otra de las obsesiones de Jobs (de su gran colección). Ella estaba dándole al cincel en una escultura para el museo de Bellas Artes de San Francisco, cuando la llamo Andy Hertzfeld, el desarrollador líder del software para el sistema operativo Macintosh, y le ofreció el empleo. Se conocían de la Universidad de Nueva York, y Andy tenía claro que Susan le podía dar a la Manzana el minimalismo que ya reclamaba su célebre fundador.

Ella trabajó con firmeza en el diseño de una idea que entonces era todo un desafío: permitir que cada letra ocupara el espacio que necesitaba per se en el entorno gráfico y no -como era hasta entonces- que una “M” debía llenar la misma zona que la “I”. Desde entonces Kare se volvió una verdadera exponente del Pixel Art a la vieja usanza de los artistas plásticos: con papel y lápiz (o fibrón, en su caso). Porque para lograr tanto sus tipografías como los íconos en los que se concentraría luego, se valió de un cuaderno cuadriculado y una fibra de color rosa, con la que pintaba cada cuadrito como si fuera un pixel (no existía, por supuesto, el soft para diseñar íconos en computadoras).

La leyenda dice que fue el propio Jobs el que se gastó $2,50 para comprarle aquel cuaderno a la dama que le pondría su firma al tipo de letra Chicago (el característico del entorno Classic de Mac OS y el utilizado en las tres primeras generaciones de la interfaz del iPod de Apple) y quien dibujó el Happy Mac (el monitor feliz que recibió con una sonrisa a los usuarios de Mac, con cada reinicio, durante 18 años, hasta el Mac OS X 10.2). Pero como la mayoría de las leyendas urbanas, ésta también es falsa, porque fue sola, Susan, a adquirir su cuadernito a la tienda de Arte de la Universidad de Palo Alto.

Aquel libro de bocetos finalmente se dio a conocer y allí puede notarse el humor y la facilidad de la autora para crear señales que tuvieran la eficacia de un cartel de tránsito, y a la vez, la belleza y las pretensiones artísticas que el equipo de Apple le quería dar a aquella máquina de mediados de los 80.

Están presentes allí los primeros bocetos de la “manito”, del signo “stop” e incluso de búsquedas y trazos varios que finalmente no quedarían plasmados en el entorno de Apple.

Susan, antes de partir de la compañía en 1986, dejó dibujada desde la papelera hasta el signo de la tecla command de las Mac, pensado por ella como un estilizado castillo visto desde arriba. Su camino no estaría ligado directamente al de Jobs, aunque sí lo seguiría en NexT, cuando aquel tuvo que irse de la empresa que había fundado. Pero Kare también trabajó para IBM, Intel y Motorola, entre tantas otras firmas. Y un detalle que no es muy conocido, ella también diseñó íconos para Windows, específicamente su versión 3.0.

Aunque, por supuesto, la impronta de su portfolio para la Mac es tan fuerte, que su carrera siempre será ligada a la Manzana. De hecho, una de las imágenes más reproducidas tras la muerte de Steve Jobs, fue una versión de su “Mac Feliz”, esta vez triste y con una lágrima asomando.

Actualmente la diseñadora sigue activa, e incluso pueden verse sus obras en diferentes aplicaciones de Facebook y en infinidad de páginas web. Ha editado un libro con sus íconos (aunque allí no figuran estos hechos a mano) y es convocada para exponer sus creaciones en diferentes museos de todo el mundo. Es curioso notar como algo tan común para nosotros, como el signo de la bomba a punto de explotar o el indicador de volumen, puede ser expuestos en encumbradas sala de arte, como verdaderas piezas de arte contemporáneo.

En su propia biografía, Susan dejó claro cuál fue siempre su objetivo:

“El proceso de diseño incluye la búsqueda de fuertes metáforas y la manera de plasmarlas. Mi trabajo estuvo enfocado en el desarrollo de un set de tipografías e íconos proporcionales para la pantalla de las computadoras, como una salida de los caracteres monoespaciales típicos de las primeras computadoras y las máquinas de escribir. Con el ícono y el trabajo sobre la fuente, esperaba ayudar a contrarrestar la imagen estereotipada de los ordenadores de entonces, como fríos e intimidantes”.

Vaya si lo logró.

La transparencia del vestido cambia de acuerdo a la sensibilidad del cuerpo, por medio de sensores que registran el pulso del corazón de la gran afortunada en vestir esta joya de la moda inteligente.

Es decir, las interacciones sociales y su efecto físico son las que determinan el nivel de transparencia —literal— del material, provocándo así, una expresividad demasiado sexy.

El vestido por el momento existe en dos versiones, blanco y negro, pero además están invitando a diseñadores de alta costura a desarrollar sus propias versiones utilizando esta mezcla de piel, fibra inteligente, sensores, leds, electrónicos y cobre, para crear más modelos.

Así, ¿o más sexy?

Imágenes vía Studio Roosegaarde

IModela cuesta 1000 doláres, lo cuál en comparación a las fresadoras profesionales es bastante accesible. De hecho cuesta lo mismo que un Makerbot.

IM-01 permite modelar materiales como la cera, madera, plástico o espuma, por medio de un software llamado IModela Creator y que permite hacer diseños más complejos o bien, cargar modelos que se pueden obtener de su nueva comunidad, llamada Icreate (estilo Thingverse). El software permite crear moldes, formas, mecanizados y patrones con precisión y que son procesados en 3D o 2D por IModela.

Si te gusta el Makerbot, seguramente te interesará IModela, aunque la gran desventaja es que no es open-source, pero sin duda, muy prometedora para la escena de la fabricación digital:

Steve Jobs dejó su puesto de CEO de Apple en un anuncio hecho en la tarde de ayer a sorpresa de absolutamente toda la industria y probablemente en todo el planeta. Creemos que él es una de las personas más importantes y con una gran carga de responsabilidad del estado actual del mundo de la tecnología.

A lo largo de los años, Jobs ha dicho una serie de frases en presentaciones, celebraciones, conferencias y entrevistas. Muchas de las cuales generan admiración, rechazo, inclusive enojo. Pero nunca nos deja indiferentes. Estas son 5 grandes frases pronunciadas por Steve Jobs] a lo largo de tiempo:

Acerca del diseño y la atención al detalle:

Cuando eres un carpintero haciendo una linda cajonera no vas a usar un pedazo de madera contraparchada en la parte de atrás, aún cuando sabes que estará frente a una pared por lo tanto y nadie la verá. Igual sabes que está ahí, entonces usas una pieza hermosa de madera. Para poder dormir bien por las noches, la estética, la calidad tiene que ser llevada a cabo en absolutamente todos los aspectos del producto.

La opinión de Steve Jobs acerca de los medios tradicionales, en particular las cadenas de televisión, en una entrevista en 1996 para Wired. Palabras que hoy siguen siendo reales:

Cuando eres joven miras a la televisión y piensas «hay una conspiración, las televisoras están conspirando para hacernos tontos», pero cuando te haces mayor entiendes que esa no es la verdad. Las cadenas de televisión están en el negocio de darle a las personas exactamente lo que quieren, que es un pensamiento mucho más deprimente. ¡Que haya una conspiración es optimista, porque podemos organizar una revolución! Pero la realidad es que las televisoras están en el negocio de darle a las personas lo que quieren. Esa es la verdad.

Una de las cosas que más me sorprende de Steve Jobs es cómo el ha tenido sumamente claro lo que sucede hoy con los iPads, los iPhones y toda esta época post-PC desde hace más de diez años. En 1996 hizo una predicción que se cumplió en su totalidad, y el razonamiento es bastante claro:

La industria de las computadoras de escritorio está muerta. Practicamente no hay innovación. Microsoft domina el mercado con muy poca innovación. Se acabó. Apple perdió. El mercado de las computadoras de escritorio ha entrado una época oscura y se mantendrá ahí por los próximos diez años o al menos por el resto de la década.

Acerca de la innovación en la tecnología:

La innovación no tiene nada que ver con cuánto dinero tienes para investigación y desarrollo. Cuando Apple inventó las Macs, IBM estaba gastando al menos 100 veces más en I+D. No es acerca del dinero, es acerca de las personas, cómo eres dirigido y qué tanto lo entiendes.

Mi favorita y que personalmente me impulsó a crear Hipertextual, escuchada en el momento correcto de mi vida, durante su discurso en una ceremonia de graduación de la Universidad de Stanford:

Su tiempo es limitado, no lo gastes viviendo la vida de otras persona. No se dejen atrapar por el dogma que implica vivir entre los resultados de los pensamientos y creencias de otros. No permitan que el ruido del pensamiento de otras personas ahogue su voz interior. Y lo más importante: tengan el coraje de seguir su corazón y su intuición. De algún modo estos ya saben lo que ustedes quieren llegar a ser. Todo lo demás es secundario.

Cada año el Royal College of Art de Londres realiza una exhibición para presentar el trabajo de sus estudiantes. Y año con año logran impactar a todos, esta vez tal vez Jungeun Lee, estudiante del programa de textiles, es quien ha llamado más la atención, gracias a su técnica para producir prendas sin necesidad de coser o cortar.

El resultado es una línea de prendas esculturales, parecidas a impresiones en 3D, a las cuales llama Wrapped Garments o Prendas Envueltas.

La técnica de Lee es simple pero novedosa: un patrón, un maniquí y fibras sintéticas (polyester, nylon o spandex por ejemplo) envueltas alrededor, mismas que al aplicar calor producen estas fantásticas siluetas que se moldean de forma orgánica e inesperada, según el sitio de Lee: Studiokoya. El concepto de “corte y confección” se ha redefinido.

El proceso también puede ser utilizado para crear otro tipo de productos, solo basta mirar los increíbles zapatos de la colección.

La tendencia del mundo de la moda es revolucionar el proceso de producción mismo, junto con dDress, las prendas envueltas de Lee son sin duda buenos trazos de la dirección en la cual se perfila el mundo de la moda de alta tecnología.

Imágenes: StudioKoya.

Ha sido un camino largo en mi vida el uso de software libre, recuerdo que empecé usando software libre en Windows antes de decidir cambiarme de sistema operativo a Linux —“GNU/Linux”, para los puristas—, y durante todo este proceso pude notar los cambios que ha habido en el diseño de interfaces, de logos y de imágenes de distintos proyectos de software libre.

Más allá de lenguajes de programación y las metodologías de programación alrededor de estos, una de las habilidades más importantes que un desarrollador puede tener es la empatía. Para que el software sea útil debe ser hecho tomando en cuenta mis necesidades como usuario, que pueden ser distintas de las necesidades de otros usuarios.

Sabemos que muchas veces el diseño es dejado a un lado a la hora del desarrollo de aplicaciones libres. ¿Por qué? Pues muchas veces más que ser creado pensando en el usuario final, los dasarrolladores piensan en si mismos mientras trabajan en él. Aunque a veces las comunidades ayudan a mejorar los diseños en general —muchas veces porque los desarrolladores tienen necesidades distintas y todas estas son tomadas en cuenta—, muchas veces el diseño no es algo que en realidad preocupe a los desarrolladores.

Yo sé que el software libre es una metodología muy válida e importante, con muchas aplicaciones muy variadas. Pero a la vez me doy cuenta de que —-la mayoría de las veces— comparado con el software privativo, que es hecho pensando en el usuario final, su diseño es bastante pobre. Yo apoyo completamente el software libre, pero no me gustaría que para apoyarlo tenga que usar herramientas con un diseño inferior. ¿Qué podemos hacer para mejorar la ética del diseño en el software libre?

Parte del problema es el mercado. El software comercial debe venderse, así que las interfaces sencillas y con gran usabilidad es algo integral en él; el software libre no, y muchas veces parte de la estrategia para obtener fondos es ofrecer planes de soporte, así que hacer el software libre más sencillo no es siempre parte de la dinámica (van a notar que el software libre mejor diseñado siempre tiene una versión comercial).

Además, muchos desarrolladores ven el diseño como algo que pasa a segundo plano, un trabajo “inferior” en comparación a lo que ellos hacen. Y cualquiera que piense que su función es más importante en un equipo de desarrollo hace que esto sea destructivo.

Otro problema es la actitud de los diseñadores. ¿Quién quiere regalar su trabajo cuando de por si se dice que el trabajo del diseñador ha sido devaluado mucho últimamente? Por un lado, los desarrolladores pueden mostrar su trabajo en proyectos libres como algo que les ayuda a formarse en su carrera o como parte de su portafolio. Pero los diseñadores no tienen los mismos incentivos. Podemos ver ejemplos aislados —como el Proyecto Tango, o los diseñadores involucados en Firefox, como Chris Messina—, pero por lo general no se piensa que el ayudar en proyectos libres sea algo bueno. Todavía.

Las compañías o comunidades que trabajen desarrollando proyectos open source deben tomar esto en cuenta. Tienen que entender la importancia de tener a diseñadores en su equipo. Y los desarrolladores deben entender que el trabajo del diseñador es tan importante como el de ellos y trabajan con el mismo fin, sólo que sus herramientas son un poco distintas.

Imagen vía Kino Eye

Como parte de la serie de Proyectos Rápidos del F.A.T. Lab, Golan Levy ha creado un esténcil DIY para llevar la visualización de datos a las calles. El esténcil es modular y fue fabricado utilizándo una lasercuter, un pedazo de madera, una tuerca y cinta adhesiva.

Nada más innovador que la simpleza. La herramienta permite crear gráficas estilo pie, ajustar los porcentajes y el texto fácilmente para ser colocado contra la pared y aplicar spray.

No es la primera vez que Golan experimenta con el graffiti, el impresionante Robotagger que utiliza los datos del Graffiti Markup Language de Evan Roth, no es sólo una exploración de las posibilidades de la caligrafía robotizada, de hecho, es un experimento que considera las posibilidades de ser utilizado como prótesis para artistas, de la misma forma que Eyewritter lo es para el artista callejero Tempt One.

Golan es un artista e investigador graduado del Media Laboratory de MIT, dedicado al performance, la producción de artefactos digitales y la exploración de las fronteras del lenguaje interactivo. Para conocer más acerca de su trabajo, visita su Flong.com

La herramienta para graffitear visualizaciones de Golan claro que es open-source y licenciado bajo Creative Commons. Puedes descargar el archivo para reproducir la herramienta del sitio de F.A.T. Junto con las instrucciones.

Un gran porcentaje de los rumores acerca de lo que se anunciará hoy indican que el sistema de notificaciones será rediseñado y profundamente mejorado. Totalmente de acuerdo, es necesario y urgente. Dicen que la necesidad es la madre de la invención y algunas personas es han tomado el trabajo de mostrar sus conceptos para mejorar el sistema de notificaciones de iOS, y debo aceptar que algunas de las ideas son muy buenas.

Estos son cuatro bastante populares:

1. Andreas Hellqvist

2. Jan-Michael Cart

3. Two Guys From Poland

4. roessnakhan

Aunque siempre hay personas que consideran que hacer rediseños no solicitados es de mal gusto (y la verdad, en general, estoy de acuerdo) creo que resulta interesante ser testigos de lo que es posible hacer cuando se junta la creatividad y la necesidad de poder usar mejor los dispositivos con los que se interactuan a dario.

Identidades corporativas. Tanto o más importante que sus productos, la imagen de cualquier compañía torna vital no sólo en términos de reconocimiento o distinción, sino también en la impronta de ideas. Subconscientemente acabamos asociando entidades a conceptos con los que estaremos más o menos de acuerdo, lo que acaba determinando nuestra relación para con las mismas.

El MIT Media Lab es un departamento dentro de la Escuela de Arquitectura y Planificación en el Instituto de Tecnología de Massachusetts, de enorme popularidad en los 90 gracias a importantes invenciones en el campo de las redes inalámbricas y la navegación Web. Si lo citamos en el marco del párrafo introductorio no es sino por su recién rediseñado logo, que pasará a la historia como el primero dinámico en base a un algoritmo.

La fórmula de marras se encarga de combinar tres formas simples y 12 colores, dando lugar a más de 40.000 variaciones. A cada miembro del equipo se le asigna un logo concreto, si bien todos permanecen unidos bajo el mismo sello dada la similitud esquemática de las variantes.

El diseñador, Richard The, explica su creación:

Cada una de las tres formas representa una contribución individual. La forma resultante es consecuencia de ese proceso: la constante redefinición de lo que los medios y la tecnología significan hoy en día.

MIT Media Lab Identity, 2011 from readyletsgo on Vimeo.

Habrá quien piense, pese a todo, que semejante amalgama pueda resultar confusa, poco práctica. Renombrados diseñadores opinan lo contrario. The Next Web ha preguntado a Duane Kinsey, de Logobird:

Creo que las mismas reglas pueden aplicarse a toda identidad corporativa, con independencia de su dinamismo. Detrás de cada exitoso diseño necesitas un concepto bien elaborado. Sin él, estará condenado al fracaso. Así que sí, una identidad dinámica puede obstaculizar el asentamiento de marca, pero lo mismo podemos decir de las de tipo estático.

En el caso de MIT Media Labs, el hecho de que un algoritmo genere 40.000 variaciones de un logo en hasta 12 colores es muy innovador. Más aún que cada empleado pueda reclamar uno propio a través de una interfaz web.

¿Triunfará esta vanguardista idea? De una forma u otra, seguramente acabe siendo ejemplarizante en futuros mamotretos sobre identidad corporativa.

Cada día me encuentro más proyectos interesantes en Kickstarter. Hay que estudiar muy bien este sitio y las herramientas (y poder) que otorga a los emprendedores. Creo que hay una revolución silenciosa, y poco documentada, de lo que está permitiendo lograr la filosofía detrás de Kickstarter. Pero eso es tema de otro post.

PadPivot, es un soporte para tablets realmente ingenioso, actualmente se encuentra en un estado inicial de su producción. Es apenas un concepto con uno que otro prototipo usado para darle promoción al proyecto. El soporte puede ser colocado en las piernas y, por lo menos en el video, se ve sumamente comodo y práctico. Puede ser usado con un iPad, Galaxy Tab, Kindle, Blackberry Playbook e incluso con teléfonos celulares. Cuenta con una posición de manos libres en su regazo, ángulos ajustables y la posibilidad de ser colocado también en el escritorio. El diseño con bisagras permite poder transportarlo en nuestros bolsillos.

El video, aunque en inglés, nos demuestra muy bien el soporte:

Lo más interesante es que Jim Young, su creador es un diseñador independiente que ha decidio usar Kickstarter para levantar los fondos necesarios para poder construir en serie el PadPivot. Se pusieron una meta de US$10.000 y hasta los momentos llevan recogidos más de US$135.000. Es realmente increíble. Hay que estar muy pendiente de los proyectos que aparecen en Kickstarter, el nivel de creatividad es muy alto.

La agencia de producción de visualizaciones JEES3 ha creado una infografía animada dedicada al status actual de Wikipedia, repasando sus orígenes y enlistando algunos de los retos en el futuro de este tesoro del internet.

La narración esta a cargo de Jimmy Wales, quién explica como Nupedia dió lugar a Wikipedia en tan solo nueve meses, la diferencia entre los dos proyectos es que la primera era una enciclopedia creada y editada solo por especialistas. La necesidad de colaborar dió paso a lo que hoy conocemos como la enciclopedia libre, la cuál celebró su cumpleaños número 10 hace una semana.

El reciente criticismo a la calidad de los artículos de Wikipedia y sus reglas de edición da una buena oportunidad a Wales, quien informa que más de 200 reglas rigen el sistema de contribuciones y edición de la comunidad, además de dejar claro que la Fundación Wikimedia no tiene rol editorial, su misión es mantener los servidores y recaudar recursos para mantener a flote Wikipedia.

Al parecer más de 1.2 millones de editores han contribuído con contenido a Wikipedia -lo cual por cierto, no me parece nada en comparación a los 500 millones de contribuyentes de contenido de Facebook- pero aún no hay forma de garantizar la calidad de los artículos, por lo cual el nuevo objetivo de Wikipedia es hacer más exacta, confíable y verificable la información que ofrece.

A mi gusto el diseño gráfico de esta animación no tiene mucho que ver con el estilo de Wikipedia, pero después de una década tal vez es hora de atraer a nuevas audiencias para que usen y colaboren en el sitio. Tal vez algún día veamos en las escuelas talleres y clases en donde los niños puedan aprender a contribuír y editar Wikipedia desde pequeños. Veremos que sucede de aquí al 2020 con la enciclopedia consentida del internet. <3

Creo que no necesito explicarles quien es H.R. Giger, pero aquí va: se trata del hombre responsable de diseñar una de las criaturas más icónicas y horrendas del cine de ciencia ficción/horror: los aliens de, bueno…Alien, saga de la cual hay una precuela en marcha a manos de Ridley Scott, y de la cual recientemente se ha confirmado que Giger también participará.

Esta criatura extraterrestre que en su primera aparición salía de los pechos de los huéspedes infectados (que antes habían tenido otra criaturita no muy adorable enredada en sus cabezas), nos aterrorizó a unos cuantos con sus babas de ácido, escurridizos movimientos, sed de violencia y esa terrorífica boquita. En la segunda parte los aliens eran más y más grandes: doble miedo, aunque la impresionante Reina Alien fue obra de James Cameron y no directamente diseñada por Giger. Las criaturas de Resurrection, la versión de David Fincher, tuvieron manos de Giger pero su trabajo no fue exactamente reconocido, y en la entrega más reciente si bien es visualmente impresionante, llegando al final decepciona bastante.

Es que la franquicia de Alien, como suele pasar cuando se estira una franquicia, se fue desvirtuando bastante. Pero la noticia de la vuelta de Giger le suma expectativa al proyecto de una nueva entrega. Después de todo, personalmente una de las cosas que más me chocó de la última entrega fue ese alien-humano que coronó la visión del francés Jean-Pierre Jeunet, diseño que no sólo se aleja mucho de los originales, sino que en un principio ni siquiera reconoció a Giger en los créditos, aunque luego de varias quejas, lo agregaron como “diseñador original” en las subsecuentes ediciones del filme en video y DVD, porque vamos, literalmente es el padre de la criatura y merece el reconocimiento por su arte original, en el cual todos los siguientes se basan.

La noticia de que Scott nuevamente convocó a H.R. Giger para trabajar en la precuela se conoció por una entrevista que le hizo un canal de televisión suizo a la esposa del artista. Sobre más detalles de la película no hay mucho más de lo que ya se fue revelando: que la historia se centrará en ese misterioso Space Jockey que se ve en la primera película, y que, si bien la teniente Ellen Ripley no va a estar (porque claro, esta historia es anterior a que la tripulación de la Nostromo siquiera existiera), tendremos una nueva heroína mujer como protagonista. También sabemos que podría llamarse “Alien Paradise” y que será en 3D y y no una sino dos películas, además, entre los encargados del guión está un tal Damon Lindeof.

A esperar a ver qué más nos van contando, de momento la idea me entusiasma, y esta noticia suma muchos puntos al menos al potencial visual del proyecto, me imagino que podría ser impactante meternos dentro de los intrincados diseños de Giger a través del 3D ¿ustedes le tienen ganas a una nueva Alien?

Vía: Slashdot | Foto: HR Giger, Mia Bonzanigo

Cuando se trata de tecnología hay dos cosas que habitualmente me ponen de malas, el mal diseño de interfaz (gran parte de la razón por la cual practicamente no uso Windows) y el uso de tipografías feas (eso dará para otro artículo).

Por lo tanto la imagen que acompaña esta anotación me molesta y bastante. Se trata de diferentes modelos de smartphones con Android, los botones que hay en la parte inferior del dispostivo y cómo las marcas básicamente hacen lo que les da la gana perdiendo cualquier sentido de consistencia en uno de los elementos más importantes y usados de la interfaz del sistema operativo.

Esto va en la misma línea de algo que nos quejábamos hace unos meses: los fabricantes al poner capas de modificación de la interfaz de usuario, intentando darle un look diferente y único para diferenciarse de otras marcas, pero en el proceso destrozando (en ciertos casos) la experiencia de usuario.

Algunos dicen que la solución es ofrecer menos equipos, y centrar esfuerzos en unos pocos, menos variantes, más control. Yo no estoy necesariamente de acuerdo; creo que es justamente una de las grandes ventajas de la apertura de Android. Pero por favor fabricantes, no terminen jodiendo la iniciativa haciendo lo que les da la gana con el diseño de interfaz. ¡Ponganse de acuerdo!

La imagen, por cierto, la encontré por medio de @eduo

Thanva Tivawong es una de esas personas, que siente absoluta frustración por el diseño actual de los semáforos y se ha dedicado a rediseñarlos. El resultado es bastante interesante y sumamente informativo manteniendo absoluta sencillez.

¿Cómo funciona? usando los tres colores habituales, rojo, amarillo y verde para indicar el detenerse, precaución y continuar circulando. La diferencia es que por medio de la forma de un reloj de arena se puede identificar visualmente el tiempo que que queda para el estado actual del semáforo, además de hacer una cuenta regresiva de los tres últimos segundos.

Como sucede habitualmente con estas ideas, es simplemente una prueba de concepto, de pequeños detalles para mejorar nuestra vida por medio de mejor señalización en nuestras calles. De aquí hasta que suceda, pasarán años, probablemente décadas pues la inmensa inversión para cambiar todos los semáforos simplemente no se podría justificar y creo que estamos en épocas en donde el dinero necesario se debería usar para asuntos más urgentes.

Aún así, es una linda idea.

Simple, tan simple e ingenioso que no sé como no se le ocurrió antes a nadie. Se trata de recrear los íconicos personajes de Star Wars, completamente con tipografía. Y para ayudarnos a ver cómo se armaron, y comprobar que de hecho cada trazo de la ilustración es realmente un caracter, cada póster tiene un pequeño asterisco que nos indica el listado de los componentes que integran cada imagen.

Estos pósters son obra de la agencia de publicidad italiana H-57 Creative Station (¡Y están a la venta!). Están tan buenos que me dejaron con ganas de más, aunque creo que recrear a Chewbacca usando sólo letras, paréntesis y demás, puede ser un gran desafío. Aunque la tipografía, después de todo, se compone de trazos simples, y combinarlos entre ellos puede resultar en cualquier dibujo que queramos, donde el punto y la línea son herramientas básicas para construir, y lograr por ejemplo, con un par de Ls, una D y una W, el casco de Darth Vader?. El resultado en este caso es muy atrayente, minimalista y geek, como por aquí nos gustan las cosas.

Vía: Punto Geek

Detrás de este canal de YouTube está la marca de gafas Ray Ban, y el video titulado Photocopy Romance es en realidad un aviso con mucho potencial viral. Para hacerlo usaron solamente las imágenes capturadas por la fotocopiadora: 325 frames por minuto. Y ya que una de las mejores parte de este tipo de creación casi artesanal es el detrás de escenas, pusieron disponible una cuenta de Flickr con fotos del proceso, se ve bastante laborioso, pero a la vez muy divertido, y el resultado me pareció genial. Sobre todo el final sorpresivo, que le suma simpatía y le quita un poco lo cursi.

Vía: Gizmodo

El Prince Philip Designers Prize es un prestigioso premio de diseño británico, que honra a los diseñadores que más han influenciado y formado nuestras vidas diarias. El ganador este año fue Bill Moggridge el hombre responsable de diseñar la primera laptop, la computadora GRiD Compass creada a principios de los 80 (la de la foto es el primer modelo producido en 1982)

En base a la idea de tener una computadora que fuera portátil pero a la vez lo suficientemente potente como para poder trabajar en ella, Moggridge ideó esta maquinita plegable, ancestro de los portátiles que usamos hoy en día, con su pantalla electroluminiscente y su teclado compacto. Esta computadora fabricada por la GRiD Systems Corporation resultó ser bastante práctica y ligera, tanto que hasta la NASA se llevó algunas al espacio en su momento.

Lo que motivó a este diseñador británico, no fue tanto la posibilidad de poner componentes en un dispositivo más pequeño, sino lograr algo con lo que el usuario pudiera interactuar satisfactoriamente. Esto es la clave del buen diseño, no sólo tiene que ser lindo, tiene que cumplir su función excepcionalmente, la prueba en este caso está en que aún hoy este formato sigue siendo la base en nuestras herramientas de trabajo informáticas portátiles. Si bien puede ser discutible cuál fue la primera laptop, ya que empezaron a surgir cosas similares alrededor de esos años, Moggridge acuñó desde el diseño el concepto de las actuales, y aun hoy se la ve bastante usable, y eso que ahora tenemos toda una nueva generación de dispositivos portátiles, que gracias al diseño se adaptan de diferentes formas a las necesidades actuales de los usuarios.

Pero no es sólo por ser el primero en diseñar este tipo de portátiles que Moggridge ha sido reconocido, según el Design Council, impulsor del premio al diseño más antiguo de Inglaterra, este diseñador pionero ha sido una figura central para la forma en que el diseño hace que la tecnología tenga sentido para que las personas la usen. Además de la GRiD, a finales de los 80 trabajó mucho en crear la disciplina del diseño de interacción.

Vía: Gizmodo

Con esas ideas en mente, los holandeses detrás de Next Nature presentaron una asombrosa instalación durante la Dutch Design Week: el Nano Supermercado. En este lugar sus creadores nos brindan una oportunidad para reflexionar y experimentar con las promesas de la nanotecnología para mejorar nuestra calidad de vida, al menos dentro de unos 10 años.

¿Qué venden en ese Nano Supermercado? (¡Vaya oxímoron!) Estos son algunos nanoproductos:

• WallSmart. Pintura que cambia de color con solo presionar un botón. Con el software apropiado, será posible programar colores y hasta diseños. Será casi como tener un lienzo de MS Paint en tu pared.

• NanoSock. Calcetines que se colocan solos gracias a nanopartículas en movimiento ascendente alimentadas por electricidad estática. Ideales para personas con dificultades físicas.

• SelectaDNA. Pintura invisible con cadenas de ADN sintético para marcar de forma indeleble y única todas tus posesiones. Los ladrones se la pensarán dos veces antes de intentar apropiarse de lo que no es suyo. La ciencia forense tendrá días más felices.

• Nanolift. Lo creadores le llaman el Photoshop físico. Yo diría que se trata de un morphing real, y la cirugía estética definitiva: 1) ve a la clínica, 2) permite que te inyecten una malla de nanopartículas magnéticas, 3) ajusta tu rostro todos los días con un cilindro magnético. (Fans de Naruto, ¿no les recuerda a Tsunade?)

Como les decía, Next Nature intenta provocar la reflexión y el debate con esos potenciales productos de la nanotecnología. Para ello convocó a diseñadores, tecnólogos y artistas de seis diferentes países. En general, Next Nature busca

explorar nuestra cambiante relación con la naturaleza […] y cómo la naturaleza se ha convertido en uno de los productos más exitosos de nuestro tiempo, aunque mucho de lo que percibimos como tal es una mera simulación: la romántica idea de una entidad balanceada, armónica, inherentemente buena y amenazada […] visualizar, investigar y entender las implicaciones de la naturaleza-que-viene en nuestra vida diaria

Ventanas que se limpian solas, lentes de contacto con pantalla, medicinas inteligentes, telefonía en los dientes, joyería orgánica, microprocesadores implantables… En un mundo con nanoproductos programables, ¿qué versiones alternativas crearía un hacker?

Vía: Manzana Mecánica

Esto de la participación y la interactividad está haciendo que muchas cosas cambien. Entre ellas: los videos musicales. Ya vimos el ejemplo de Arcade Fire con Google y la magia del HTML5 hace poco, y este que les traigo hoy viene de la idea del mismo director Chris Milk.

Se trata de un tributo al grandísimo Johnny Cash que es un experimento de arte digital colaborativo. Milk tomó la canción Ain’t No Grave, la última que el hombre de negro (no, no esos MIB…Cash fue “el hombre de negro” mucho antes) grabó en estudio antes de morir. Luego armó una galería bastante amplia de imágenes del músico, y desarrolló una herramienta de dibujo online. Luego invitó a los seguidores de Cash a participar, a “compartir su visión de Johnny Cash como lo ven en sus mentes”, para esto, el sitio deja elegir uno de los tantos frames para crear nuestro propio retrato de Cash, con la herramienta de dibujo. Esta creación va luego a un repositorio que ya suma más de 250.000 contribuciones, que son las que componen el video terminado. O mejor dicho: los videos terminados, ya que a partir de todas las imágenes, según diferentes criterios, se arma un video diferente.

Podemos elegir ver el que junta los frames más votados por la comunidad, el que tiene las imágenes con mayor cantidad de “pinceladas”, y algunos curados por artistas. Mientras se reproduce el video, debajo vemos un timeline que representa todos los cuadros que estamos viendo, y podemos detenernos en cada uno de ellos para conocer más detalles, calificarlo, compartirlo, ver un time-lapse de cómo fue dibujado, y hasta hacer nuestra propia versión del mismo.

Así, una buena idea bien desarrollada, la memoria de un artista muy querido por sus seguidores y la colaboración de los herederos de Cash (en esta época de demandas por copyright por doquier, ese factor ayuda bastante), impulsan un proyecto artístico de crowdsourcing bastante impactante y bien logrado.

Si quieren mostrar su apreciación por el gran Johnny, entren a The Johnny Cash Project, elijan su frame y ¡a dibujar! Tendrán su merecido crédito cada vez que su creación aparezca en uno de los videos, y tendrán la satisfacción de formar parte de este tributo tanto a la obra de un grande, como a la colaboración online. Les dejo uno de los videos. Yo me voy a dibujar mi frame.

Vía: The Guardian | Cuadro de Claude Trollope-Curson

El proyecto está a cargo de Axis Maps, y les tomó dos años hacer los mapas de Chicago y Boston detallando fielmente sus calles, autopistas, parques, barrios y costas usando solamente tipografía. ¿Por qué se tardaron tanto? porque para hacer que las calles se vean como las reales, con todas sus curvas y particularidades, cada palabra fue ubicada a mano. Realmente una labor de amor como la describen sus creadores.

La idea salió de un pequeño mapa que hizo Andy Woodruff como invitación a una fiesta/direcciones para llegar todo en uno, usando sólo tipografía. Claro, luego le pareció que sería genial hacerlo con toda una ciudad, y así se puso a recrear Boston junto con sus colegas en Axis Maps. Como casi todos los proyectos locos involucrando mapas, se valieron de OpenStreetMap, el creciente mapa editable bajo Creative Commons, para obtener los mapas base de las ciudades.

Les dejo una galería, y si les gustan, los pueden comprar para tener ese maravilloso efecto de ver de lejos un mapa completo, y acercarnos y perdernos en las calles de palabras. Seguramente sean un éxito y según cuentan les queda todavía amor para dar, y se vienen nuevas ciudades para completar la colección: San Francisco, Nueva York y Washington DC.

Vía: Microsiervos