Quizás muchos no conozcan al músico por su nombre, pero sin duda han estado en contacto con su trabajo en muchas ocasiones, probablemente conozcan más temas suyos que de la mayoría de artistas. El creador de la música de La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y Jurassic Park cumple 80 años.

Williams es sin duda uno de los compositores musicales más exitosos del último tiempo, aprovechado al máximo por la industria de Hollywood es uno de los que construyó el clima de algunas de las películas más importantes de la historia. Su obra comenzó hace más de 50 años y todavía tienen vigencia. El artista sigue en actividad, de hecho, ha compuesto la música de War Horse y de Las Aventuras de Tintin recientes estrenos de Steven Spielberg ambos trabajos que le han valido la nominación a los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas com mejor trabajo original para una película.

Entre su lista de trabajos como compositor se encuentra una asombrosa cantidad y variedad de películas:

• The adventures of Tintin
• La saga de Indiana Jones
• La saga de Star Wars
• War of the Worlds
• Memorias de una geisha
• La saga de Harry Potter
• Minority Report
• Inteligencia Artificial
• JFK
• Jurassic Park
• El imperio del sol
• E.T.: El extraterrestre
• Solo en casa
• Superman
• Encuentros en la tercera fase

En su palmarés tiene 5 premios Oscar, uno por trabajo adaptado y otro por música original, los premios le vinieron por El violinista en el tejado, Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y La lista de Schindler, es también la persona viva que más nominaciones ha recibido. También ha ganado 4 Globos de Oro y 20 Grammys Además compuso la música para 4 Juegos Olímpicos, para Los Angeles 84, Seúl 88 y Atlanta 96 a eso se le suma el de los juegos de invierno en Salt Lake 02.

El reconocimiento más grande en su haber probablemente sea el que le otorgó en 2005 el American Film Institute seleccionando a las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Un jurado de más de 500 artistas, compositores, historiadores y críticos eligió la banda sonora compuesta para la saga Star Wars como la más memorable de la historia. Sin duda compartimos plenamente el gusto del jurado de AFI, es una banda sonora que ha marcado a muchos de nosotros.

Este video es un tributo que repasa sus más grandes obras:

Foto (cc): Wikimedia Commons

Lo que vemos sobre estas imágenes es el último e imaginativo vídeo que han lanzado OK Go para promocionar el tema Needing/Getting. Video clip oficial con el que continúan en la misma línea de sus anteriores trabajos, ofreciendo una pieza brutal de imaginación donde un coche realiza las labores de “producción”.

Para esta ocasión han contado con Brian L. Perkins y Damian Kulash en materia de dirección. Un vídeo donde el conjunto ha colaborado con la marca Chevrolet para la creación de hasta 1.000 instrumentos en un recorrido de más de 2 kilómetros a las afueras de Los Ángeles.

Un Chevy Sonic al que se le ha “equipado” con todo tipo de gadgets con el único fin de que pudiera tocar los instrumentos a su paso. Una especie de directo (aunque es muy probable que se grabara en varias tomas) donde el grupo cantaba al paso de los equipos.

En la página oficial de OK Go cuentan que la pieza les llevó 4 meses de preparación y 4 días de rodaje y grabación. El mismo Damian, cantante del grupo, afirma que necesitó de clases de conducción para la realización.

Un ejemplo de la magnífica construcción del vídeo es el detalle de cada uno de los instrumentos. Desde la amplificación de las guitarras hasta el sonido de cada piano, los cuales tienen cada octava más baja en sintonía con la misma nota sin importar donde fueran “golpeadas”.

Cuando parecía que era imposible que nos volvieran a sorprender, OK Go vuelven a lanzar una pieza viral que seguramente será reproducida una y mil veces en los próximos días.

Van Dyke Parks, músico, compositor y letrista, trabajó codo con codo con Brian Wilson para el futuro álbum de la banda Smile. Se grabaron muchísimos fragmentos del mismo, canciones extensas sin terminar con instrumentos donde Wilson las fusionó de varias maneras y con diferentes versiones. Incluso el propio Wilson le llegó a comentar al letrista que re-escribiera Good Vibrations aunque este último desistió del proyecto.

Finalmente Smile quedó en un trabajo inacabado una vez que Wilson lo abandonó. Un proyecto que el año pasado se rescató aunque está registrado en 1966 y con el que comienza la historia de Erik den Breejen estos días.

Breejen se propuso una serie de pinturas inspiradas en el álbum, arte inspirando a arte podríamos pensar. Una serie de cuadros donde transformaba las letras en colores brillantes con bloques de texto, labios o incluso olas (en referencia al propio grupo). Tras acabar el trabajo y conseguir una exposición en una galería para mostrar las obras, Breejen se quiso poner en contacto con Park pensando que el resultado le agradaría.

Unos días más tarde de conseguir el contacto del letrista, este le respondió con otra carta “menos” entusiasta. Una misiva donde le venía a comunicar que o desistía de la galería o se metería en problemas.

Según cuenta el dueño de la galería, Nick Lawrence:

En la carta a Breejen de Parks parecía ofendido personalmente… parecía molesto porque no fue consultado de antemano sobre la exposición, lo que se puede llegar a entender. Pero en términos justos, creo que es algo exagerado.

Viéndolo con algo de perspectiva, estamos hablando de una serie de cuadros que toman fragmentos de la obra de los Beach Boys para transformarla en otra obra, muy lejos del propósito de original de las letras, que no es otro que texto para canciones.

Lawrence añadió sobre el tema que:

Si estuviéramos hablando de Andy Warhol o una celebridad la que lo hiciera, tendría un tratamiento muy distinto, pero Erik es simplemente un artista emergente, además, la exposición sólo tiene la mitad de los cuadros donde se incluyen parte de las canciones de Park.

Finalmente se ha sabido que en vez de defenderse con sus abogados, Breejen ha intentado un acercamiento con el letrista para negociar un acuerdo fuera de los juzgados. A Parks se le ha acreditado estos día como parte del trabajo en los propio folletos de la galería, por lo que es muy probable que haya pasado a ser colaborador (y por tanto con derechos a porcentajes de los ingresos que generen las obras).

Quedará entonces la duda de saber a qué tipo de acuerdo se ha llegado pero por encima de ello cabe preguntarse si es o no justo que ocurran situaciones como la vivida por el artista. En este caso, la justicia parece que se ha medido a través de un posible y costoso juicio. Quizá la letra del propio tema de Park sea la mejor forma de acabar esta entrada, Heroes and Villains… del álbum Smile:

Después del desembarco oficial de iTunes Match en Canadá y Reino Unido el pasado diciembre Apple acaba de lanzar su servicio para sincronizar canciones de la biblioteca de iTunes en la nube iCloud en otros 19 países latinoamericanos y europeos llegando a un total de 37.

En el caso de Latinoamérica, donde hasta hoy solamente estaba disponible en México y Brasil, los nuevos países que desde ahora pueden disfrutan de iTunes Match son:

• Argentina
• Bolivia
• Chile
• Colombia
• Costa Rica
• República Dominicana
• Ecuador
• El Salvador
• Guatemala
• Honduras
• Nicaragua
• Panamá
• Paraguay
• Perú
• Venezuela

En el caso de Europa los países para los que se ha añadido soporte en iTunes Match son:

• Estonia
• Letonia
• Lituania
• Países Bajos

Así que buenas noticias para todos los que residen en esos territorios ya que desde ahora podrán disfrutar del servicio, que recordemos permite acceder a nuestra biblioteca musical de iTunes desde cualquier dispositivo iOS a través de la nube de Apple (iCloud). Además la herramienta no solamente sincroniza canciones adquiridas vía iTunes Store -por cierto recientemente también abrió en varios países de América Latina-, tiene en cuenta cualquier pista sea cual sea su procedencia. En el caso de las canciones que se encuentren en la base de Cupertino, estas serán accesibles con calidad de 256-Kbps AAC sin DRM desde la nube de la compañía. Las que no se encuentren en la base se subirán a la red automáticamente.

El precio del servicio es de 24,99 dólares anuales y si quieres más información sobre él, recomiendo leer el post “iTunes Match: todo lo que tienes que saber del nuevo servicio de música” de nuestros compañeros de AppleWeblog.

The Pirate Bay es y siempre ha sido un servicio de difusión cultural, lo cual se reitera una vez más con el anuncio en su blog de su aparato de promoción cultural: The Promo Bay.

Así como muchas veces, TPB utiliza su banner para dar atención a leyes de censura en internet o promover artistas que les gustan, también lo harán para promover a todo aquel interesado en utilizar su área de banner para promocionar bandas musicales, películas, libros, etcétera.

Qué mejor forma que utilizar el tráfico de uno de los 100 sitios más visitados del mundo que compartirlo con una enorme comunidad creativa que entiende que el copyright no tiene absolutamente nada con la creatividad y la circulación cultural.

De acuerdo a las pequeñas reglas que anuncian, parece que The Promo Bay difundirá material de forma regional, utilizando banners en su página principal (los cuales prefieren se almacenen en BayImg:)

Escribe 3 países máximo en donde quieres que tu doodle sea visto. Si escoges países más pequeños puede incrementar tus chances,ya que asumimos que los países más grandes tendrán más demanda. Si creemos que tu material es espectacular, tal vez lo publicaremos mundialmente.

Incluye un link a tu sitio, tu Bandcamp, YouTube, Myspace (¿existe alguien que sigue usando esta basura?). Esta es la forma en la cual dirigiremos a la gente que de click en el logo de nuestra página inicial.

Por favor trata de vender cd´s, playeras o algo divertido, pero no únicamente. Esto no es únicamente para hacerte rico.

Y es que la cultura no es únicamente un negocio, y quién lo crea así, a lo mejor The Promo Bay no es realmente para ellos.

La realidad es que en el internet hay lugar para todos, para la cultura puramente comercial y para la cultura independiente, el problema es que algunos necios con cero visión, crean que se necesitan leyes para imponer solamente el decadente modelo de la industria. Pero todos aquellos que estamos interesados en reclamar la cultura como un bien común, celebramos mucho esta gran noticia.

Obviamente, Metallica no podrá usar este servicio. Pero todos los y las escritores, músicos, cineastas, ilustradores y todo aquel interesado en hacer circular su material cultural para darse a conocer, definitivamente, este es un servicio de promoción simple, gratuito y libre que hay que aprovechar. Solamente tienes que utilizar esta forma.

Diseminar cultura es crear cultura.

La empresa conocida internacionalmente por hacer streaming de música gratuita por internet ha dado un paso importante hacia conseguir estar presente en todos los dispositivos. En su blog han anunciado el rediseño de su plataforma utilizando HTML5 con lo que evitarán las barreras impuestas por tiendas de aplicaciones.

Este logro es importante debido a que la compañia ha estado luchando hace tiempo por conseguir que su app sea aceptada en la Apple Store y en la Android Store pero bajo el argumento que no respeta sus términos y condiciones. Aún asi, la aplicación se encuentra lista para ambos casos, en iOS sólo usuarios que hayan hecho el Jailbreak tienen la posibilidad de descargarla a través del Cydia. Grooveshark en HTML5 significaría el fin de esta batalla, permitiendo que cualquiera pueda utilizar el sistema sin mayor esfuerzo, sólo es necesario que accedan desde su móvil y está listo para funcionar.

La web utiliza sistema peer to peer para compartir el contenido, el usuario puede crearse una lista de temas favoritos o utilizar las Grooveshark radios con la cual automáticamente se arma una lista basado en el historial y los gustos de cada uno. Además contiene algunos servicios pagos con los cuales se puede evitar la publicidad, descargar temas o usar una aplicación especial. Lo que lo distingue de otros servicios similares de la web son su amplio catálogo, su funcionamiento y un modelo de negocio en el cual se comparten los beneficios económicos con los usuarios que suben los temas.

Tengan en cuenta que están en periodo de beta, por lo que no tiene todas las funciones disponibles y aún se encuentran ajustando tuercas para que todo ande bien. Por ahora sólo podremos buscar los temas, usar estaciones de radio o seleccionar temas populares. Aunque quedan muchos más dolores de cabeza para Grooveshark esperamos que pronto tengan toda su plataforma corriendo bajo el protocolo HTML5.

Julio Iglesias es uno de esos pocos cantantes que forman parte de la actual élite de la industria musical, la mayoría de los cuales justamente por esa posición de privilegio rechazan todo lo que suena a cambio y defienden con inusitada fiereza legislaciones estúpidas como la Ley Sinde española ya que nacen precisamente para, entre otras cosas, blindar al obsoleto sector (que consigan el objetivo es otro tema). Pero no es el caso de Julio.

A diferencia de muchos de sus compañeros, por un lado al consagrado intérprete le encanta el mundo digital y por el otro y lo más inusual, hace una lectura positiva de las mal llamada en muchos casos “piratería”. Eso es lo que se desprende de sus declaraciones más recientes.

En respuesta a la pregunta de que tal se llevó con el mundo digital al volver a grabar sus clásicos contestó:

Primero me sorprendió la idea de tener en una habitación pequeña un estudio que me comunicaba con una grabación de manera tan rápida. Es increíble poder reunir en un disco diez años de tu vida artística. Me encontré con una mayor facilidad para poder interpretar una canción en tres minutos con más solidez en la voz y justeza en las palabras de aquello que escribí hace cuarenta años. Iba a casa, apretaba un botón, se abría una pantalla donde estaba la música, tomaba un micrófono y volvía a cantar el tema que antes me costaba dos días grabar

Y a la pregunta de qué significa ser el artista latino que más discos venden cuando el disco como tal parece estar en extinción respondió:

Primero no tengo más que palabras de agradecimiento. Y la verdad, no me molesta que me pirateen porque así llega el disco más barato a quienes no tienen dinero. Soy democrático desde que me parieron. ¡Nací protestando, en una cesárea!

¿Hasta qué punto son sinceras sus palabras? Nunca lo sabremos. Lo que sí está claro es que este tipo de actitud es mucho más beneficiosa para todos que la que mantienen otros cantantes de renombre (¿eh, Alejandro Sanz?); da pie al diálogo, al estudio e intento de compresión de todas las posturas, factores fundamentales para poder avanzar en soluciones eficaces a los actuales problemas relacionados con propiedad intelectual, descargas e Internet.

Llevo unos días probando la nueva Radio de Spotify, una característica que sólo está disponible en la versión preview, junto con las aplicaciones presentadas hace poco y que están llamadas a revolucionar el servicio de arriba a abajo. Podría decirse que el concepto de la nueva radio de Spotify no es novedoso en varios aspectos, en primer lugar, porque ya existía una radio en la aplicación, puede que no fuese la característica más usada ni la más brillante, pero bueno, ahí estaba. En segundo porque supone una imitación del modelo con el que otros han triunfado en Estados Unidos, como Pandora o Last.fm en su día, pero mejorándolo en mi opinión de manera sustancial como vamos a ver unas líneas más abajo.

El concepto de la radio es el siguiente, escogemos un artista o una canción que nos guste y bien desde un menú desplegable dedicado a ello o bien arrastrando al icono de la aplicación en la barra lateral creamos la nueva ‘estación’ de radio. Usando el inmenso catálogo y un motor de recomendaciones que por lo que he podido ver está bastante pulido inmediatamente el sistema nos empieza a recomendar canciones en base a la que le hemos proporcionado, es tan simple como eso, escoger una canción que se aproxime a lo que nos apetezca escuchar y dejar que Spotify solo haga el resto.

Es, de hecho, una manera mucho efectiva, o por lo menos más rápida, de descubrir música que las listas de reproducción. Como muchas otras cosas, no puede admirarse en su totalidad ni ser descrita con justicia hasta que efectivamente lo pruebas. La primera vez que lo encendí, y teniendo en mente lo que venía siendo la experiencia de Spotify hasta ahora, no tenia muchas esperanzas acerca de la misma, pero después de dejar que hiciese su trabajo durante cuatro o cinco canciones seguidas tuve que quitarme el sombrero ante la estupenda selección de canciones, la mayoría escogidas en cuanto al género pero también teniendo en cuenta mis favoritos, artistas relacionados o temática, puse por ejemplo una canción de una banda sonora y empezó a recomendarme canciones de otras películas.

Hice la misma prueba con otra banda sonora y llega al punto de diferenciar las puramente instrumentales/orquestales (hizo una con Ennio Morricone y Henry Mancini para llorar de la emoción) y las vocales de artistas famosos que colaboran como Steve Tyler en Armaggeddon (de ahí me recomendó una pequeña maravilla que hizo Bryan Adams para una película de animación de Dreamworks, Spirit: Stallion of the Cimarron).

Pero por encima de su impecable funcionamiento, de que funciona extremadamente bien y que probablemente sea lo mejor que me haya ocurrido a la hora de escuchar música probablemente desde el propio Spotify, ante todo y como mencionaba en el título, la nueva radio es una declaración de intenciones. En el evento en el que hicieron la presentación de las nuevas aplicaciones (hay algunas buenísimas como TuneWiki o Moodagent que son carne de otro post) Daniel Ek, el CEO de la compañía dejó bien claro que aspiran a convertirse en la aplicación de reproducción musical por defecto, algo parecido a un iTunes de la música por streaming, una tendencia que cada vez a seguir creciendo más y más a pesar del endurecimiento no hace mucho de las características de la cuenta gratuita, con cinco reproducciones cómo máximo por canción. Con características como esta, Pandora, MOG y otros servicios que ofrecen recomendaciones por canción empiezan a verse seriamente amenazados.

En defensa de Pandora, de la que he sido fiel admirador durante bastante tiempo y usuario regular, hay que reconocerle que el algoritmo de recomendación está bastante más pulido, probablemente debido al uso, a la experiencia y a todo el background de usuarios que tienen detrás, sin embargo, falla en la libertad y flexibilidad que ofrece Spotify en cuanto a reproducción y ampliación de la canción que escuchamos. Es decir, pongamos que nos gusta una canción, podemos volver a reproducirla las veces que queramos (en Unlimited y Premium), buscar más canciones del mismo álbum, del mismo artista, géneros relacionados… todo a partir de la caja de búsqueda y con un golpe de ratón, en los otros servicios la mayoría de las veces no podemos retroceder o explorar contenido adicional con la misma libertad.

Más que como una radio tradicional o una radio basada en internet con un sistema de recomendaciones la radio de Spotify debe entenderse como una manera nueva descubrir todo el contenido que puede ofrecernos la aplicación, ya no es sólo las listas o las búsquedas específicas, es escoger una canción que nos guste y dejar que se haga el resto. Dónde pueden terminar de mejorarlo e implementarlo es en la versión móvil, donde sería un grandísimo punto a favor y facilitando más el acceso a aplicaciones de terceros (difícil eso sí por cuestiones de derechos), pudiéndolo utilizar en un Sonos, por ejemplo. Las cartas están puestas sobre la mesa y la competencia es feroz, el tiempo dirá quién se lleva la mano.

Atari Teenage Riot, una de las bandas más fascinantes del internet y sus bizarros alrededores, se unió a Anonymous para crear el video de su nuevo sencillo en apoyo a Wikileaks, titulado “Black Flags”.

Este video es simplemente el promocional para crear el video oficial de “Black Flags”, que será editado utilizando pietaje generado a través de la siguiente invitación:

Toma tu teléfono, webcam o cualquier otro dispositivo y grabate cantando esta canción. Descarga en Soundcloud.

Usa una bandera negra en el fondo o sosténla mientras cantas. La bandera negra en el leif motif que unirá todas las imágenes.

Usaremos fragmentos de todos los videos que recibamos y al final los incluíremos en el video oficial.

Si apoyas esta idea pero quieres hacerlo de forma anónima, no hay problema, cúbrete la cara.

Atari Teenage Riot llama a todo los artistas,músicos, fans y todo aquel que defiende la libertad de expresión a apoyar a Wikileaks. En tres días comienza el juicio de Bradley Manning, en donde muchos, incluyendo a Barack Obama y Hillary Clinton, tendrán que testificar..

La banda berlinesa y Anonymous no podían haber pensando en un mejor momento para volver a poner en el centro del internet, la discusión acerca del ataque a Wikileaks y sus colaboradores.

Atari Teenage Riot es una banda que siempre ha integrado sus ideas políticas en su producción musical y una vez más, demuestran el por qué son la punta de lanza del hardcore digital.

Los remixes de Black Flags ya estan disponibles en Itunes.

Más información en el sitio de ATR

Asombroso, brillante, épico… cualquier adjetivo es poco para hablar del último mashup realizado por Ithaca Audio, Walking in your Mind. La compañía consigue una pieza de audio y vídeo brillante en apenas tres minutos. Un mashup imposible donde el imaginario del estudio nos lleva de Inception a Kill Bill, de Phil Collins a Led Zeppelin o de Massive Attack a los Beastie Boys. Uno más, el tercero, donde consiguen mezclar en la misma coctelera los universos de Star Wars o Matrix con estrellas como Adele, Queen, Daft Punk o el mismísimo Michael Jackson.

Ithaca Audio es un estudio de sonido con base en Brighton. Compañía enfocada a la composición de piezas musicales para cine, televisión, publicidad o web. Han trabajado entre otros para última película de la saga Harry Potter and the Deathly Hallows part 2, aunque como muchas otras empresas similares, utilizan la web como plataforma de promoción del equipo que lo forman.

El vídeo con el que abrimos es un prodigio de técnica donde se suceden las pistas con las imágenes, ya sean directos, videoclips o scores de filmes. En este caso las nueve pistas, en orden de aparición, son:

• Hans Zimmer - Time
• Howard Blake/Aled Jones - Walking in the air
• Tomoyasu Hotei - Battle without honor or humanity
• Snoop Dogg featuring Pharrell Williams - Drop it like it’s hot
• Jimi Hendrix - Voodoo Child
• Massive Attack - Teardrop
• Beastie Boys/Jeremy Steig - Sure shot/Howlin’ for Judy
• Jay-z - 99 Problems
• Phil Collins - In the air tonight
• Max Sedgley - Happy
• Led Zepplin - Whole lotta love

Ithaca ha ido colgando en la web junto a sus trabajos profesionales varios mashups. La mayoría se trata de composiciones que les han llevado varios meses para unir el “puzzle”:

Nuestros mashups nos llevan alrededor de dos o más meses para crear. Son muchas horas buscando miles de clips en youTube que luego unimos.

Cada una de las tres composiciones que han desarrollado son realizadas a través del controlador AKAI APC40 conectado al software Ableton Live. Para esta segunda y bajo el título de Rolling in the Beasts, Ithaca utilizó hasta 24 pistas (en mi opinión, la mejor pieza de todas):

• The Prodigy - Mindfields
• Ludovico Einaudi - Nightbook
• Haddaway - What is love
• The Streets - Turn the page
• 4th Avenue Jones - Move on
• Layo & Bushwaka - Love story
• Adele - Rolling in the deep
• The Killers - All these things that I’ve done
• Death in Vegas - Aisha
• Beyonce - Crazy in love
• Felix Mendelssohn - A midsummer night’s dream
• DJ Shadow - Organ donar
• Destiny’s Child - Bug a boo
• DJ Shadow - The number song (T La Rock - Breakdown / Don Covay - Bad Luck)
• Daft Punk - Around the world
• Queen/David Bowie - Under pressure
• Aretha Franklin - Deeper love
• Peter Carpenter - The theme from Magnum P.I
• Klaxons - Gravitys rainbox (Soulwax remix)
• Michael Jackson - Scream
• The Verve - Bittersweet symphony
• Run DMC/Aerosmith - Walk this way
• Basement Jaxx - Do your thing
• Faithless - Take the long way home

Por último les dejo con Don’t hold back, just push things forward, igual de brillante (atentos a la segunda entrada).

Hace unos días nos hacíamos eco de la conferencia que se iba a celebra en Nueva York sobre Spotify, la cual anunciaban un nuevo rumbo del popular servicio de streaming de música. Pues bien, ya conocemos cuales son las novedades y no es otra cosa que la presentación de su propia plataforma de aplicaciones, llamada Spotify Apps.

¿En qué consiste esta nueva plataforma de aplicaciones? Según han anunciado en la conferencia una nueva versión de Spotify contará con acceso a aplicaciones que sean desarrollados por terceros, las cuales busquen aprovechar al máximo los servicios que ofrece actualmente el servicio ofreciendo un valor añadido para toda la comunidad.

En esta nueva aventura de Spotify se han unido una serie de socios para apoyar la llegada de las aplicaciones, entre los que se encuentran Rolling Stone, Billboard, The Guardian, Pitchfork o Last.fm entre otros.

En el vídeo de presentación, que vemos tienes disponible sobre este texto, podemos ver una idea de lo que puede llegar con esta nueva tienda de aplicaciones de Spotify, la cual me parece que con el apoyo suficiente puede suponer un empujón significativo para el servicio. Las aplicaciones no sólo podrán aprovechar toda la biblioteca de canciones que tiene disponible el servicio, sino que además podrá aprovecharse de la integración que tiene con Facebook, lo que significaría que si el desarrollador de la aplicación quiere además de interactuar con Spotify también lo podrá hacer con la red social.

Las aplicaciones tendrán que ser desarrolladas en HTML5 y en principio serán gratuitas. La elección de esta plataforma de desarrollo es muy buena, tanto el propio HTML5 como para los desarrolladores que si ven que la aplicación tiene éxito podrían portarla a otros servicios. Por no hablar de otras posibilidades que se podrían abrir en el futuro, como la posibilidad de que podamos escuchar nuestra música preferida desde la web sin necesidad de tener que utilizar la aplicación. Aunque esto último no es seguro, ya que por el momento las aplicaciones se tendrán que ejecutar en la aplicación, cuya actualización ya está siendo lanzada a los usuarios.

De a poco, nos encontramos todos despidiendo a Flash, mientras aún resuena aquel debate que caldeó Steve Jobs al calificar poco menos que de porquería a la tecnología de Adobe para ver clips y animaciones en la web; y al rechazar de plano que sus móviles la incluyeran. Al principio algunos se ofendieron, otros aplaudieron y la mayoría se preguntó: “¿y ahora cómo hago para ver los videítos en mi tablet de 600 dólares?”

Más allá de las rencillas de Apple con los creadores del Photoshop, la industria siguió la tendencia de Steve, quien quizá mira todo esto, desde iCloud, con una sonrisa. ¿A qué nos referimos? Como saben, Google dejará de soportar Flash, Adobe dejará de soportar en móviles Flash, y nosotros, en breve, ya no tendremos que soportar Flash…

Lo cierto es que este entorno cerrado tiene los días contados. ¿Qué es lo que viene? La tecnología HTML5 y también, standards abiertos como WebGL.

Al parecer, quedamos en buenas manos. Si no, miren está página, un clip de la cantante Ellie Goulding, para su tema “Lights”, el que nos permite disfrutar de luces, gráficos en 3D interactivos y música sin que tengamos que instalar ningún plug-in en nuestro navegador (siempre y cuando usemos Chrome, Firefox o Safari, ya que Explorer le cerró la puerta a WebGL). En Safari, Web GL no viene por defecto, por lo que hay que seguir unos pocos pasos para disfrutar de esta propuesta.

El funcionamiento es simple: una línea amarilla que podremos mover con el mouse y, con ello, andar tirando lucecillas por ahí. Todo se puede acelerar si dejamos apretado el botón.

“Lights” es una buena prueba para notar que el consorcio de tecnología, sin fines de lucro, Khronos Grouphan ha hecho un gran trabajo con WebGL. Ahora bien, sobre la canción, me guardo la opinión…

La historia ha dejado mil y una anécdotas acerca de Pink Floyd y la influencia que tuvo para la banda muchos de los clásicos de la ciencia ficción o del género fantástico en el cine. No sólo 2001, sino The Wizard of Oz o la misma Alicia de Disney parecen avanzar al unísono si bajamos el volumen del filme y acoplamos a la banda en las imágenes.

En cualquier caso existen dos elementos comunes en estos ejemplos. Cada uno de estos tres filmes se hicieron antes de que la banda lanzara tema o LP que se sincronizaba. Junto a este detalle, Pink Floyd comentaría en más de una ocasión ser auténticos fans de las tres obras.

Echoes fue lanzado en 1971 como cara B del sexto álbum de la banda Meddle, tres años después de que se estrenara 2001 en el año 1968. Se trataba posiblemente de una de las primeras piezas que harían famosos al grupo. Una space rock como preámbulo de la obra maestra que fue Dark Side of the Moon.

Echoes son 23 minutos y 31 segundos de música que irremediablemente y con el paso del tiempo se unieron a la película de Kubrick. El mismo Waters reconocería más adelante que uno de sus grandes pesares fue no contribuir con Pink Floyd a la banda sonora. Aún así, la banda siempre negó que existiera intencionalidad. La propia tecnología de la época para reproducir la película en un estudio de grabación a comienzos de 1971 hubiera sido tremendamente costoso y difícil.

Sea como fuere este el resultado, los sonidos finales de la película parecen coincidir en efecto con las vibraciones de Echoes, incluso hay momentos en que música y escena se funden casi al unísono. Este fue el resultado, juzguen ustedes mismos (y si tienen oportunidad, apaguen las luces y suban el volumen de esta maravilla)…

Coincidencia o no, imágenes y tema podrían haber pasado como uno de los grandes relatos del espacio en cine, ya sea en formato documental o como película. No fue el único como decía al comienzo. Dos años después de lanzar Meddle, Pink Floyd publicaba uno de los discos más emblemáticos de la historia del rock, se lanzaba el brutal Dark Side of the Moon. Al poco tiempo se creaba una nueva leyenda tras su lanzamiento. Tres nombres como título: Dark Side of the Rainbow, Dark Side of Oz o The Wizard of Floyd.

Hablamos del paralelismo que se volvía a encontrar en otro clásico del cine The Wizard of Oz. El caso es que si alguna vez habéis intentado sincronizar disco y película ocurre algo similar a 2001 y Echoes. Pink Floyd volvieron a comentar con el tiempo que no existía ninguna relación más allá de la coincidencia.

Sea o no cierto, la historia del clásico con el álbum tiene diversos enfoques. Cientos de fans han recopilado y subido a la red la interacción que observaban entre ambos. De hecho, existen varios enfoques sobre cómo sería la sincronización perfecta. Muchos indican que se alcanza la perfección cuando sale el león de la MGM, otros indican que se produce al tercer rugido, otros al segundo o incluso en el momento en el que comienza a desvanecerse, justo en el momento en el que comienza la película.

No sólo eso, algunos han llegado a ver en la mítica cubierta de Dark Side of the Moon un reflejo en trancisión blanca y negra de la Kansas de Oz. Incluso algunos investigadores y psicólogos hablan del efecto que se produce en muchas ocasiones en el cerebro humano, el fenómeno que da como resultado la tendencia de la mente a pensar que reconoce patrones en medio de un desorden descartando datos que no encajan. El psicólogo Carl Jung lo explica como un fenómeno en que se involucra la causalidad.

Igualmente, se da la misma circunstancia que en 2001. Hay momentos en el que la propia película cambia el ritmo al unísono que el disco, momentos casi idénticos. Les dejo con uno de los cientos de videos que podemos encontrar para que juzguen. En este caso se muestran los tres primeros temas Speak to me, Breathe y On the run…

¿Existe o no sincronización? Al igual que 2001, eso parece, aunque es muy probable que sea una coincidencia como afirma la misma banda. Les dejo como última “prueba” la tercera película de la que siempre se habló que existía sincronización. Alice de Disney con Dark Side of the Moon, o más conocida por los fans unidos a la causa, Alice Dark Side…

0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144…

La secuencia de Fibonacci es una sucesión infinita de números naturales. Se denominan así los números que permiten contar los elementos de un conjunto. Son el primer grupo de números que fueron usados por los seres humanos para contar cosas. El uno, el dos, el cinco, por nombrar algunos, son números naturales.

En la secuencia de Fibonacci cada número viene dado por la suma de los dos anteriores. Fue Leonardo de Pisa, un matemático italiano del siglo XIII, conocido como Fibonacci quien dio nombre a esta sucesión en Liber Abaci, un libro publicado en el año 1202 . Fibonacci la usó para solucionar un problema sobre la cría de conejos:

Cierto hombre tenía una pareja de conejos juntos en un lugar cerrado y desea saber cuántos son creados a partir de este par en un año cuando es su naturaleza parir otro par en un simple mes, y en el segundo mes los nacidos parir también

Esta secuencia numérica se ha hecho muy conocida en la cultura popular, podemos encontrar referencias a la misma en libros, canciones, películas y series de televisión. Veamos algunos ejemplos:

Series de televisión

En Fringe la secuencia ha aparecido varias veces. Por ejemplo en el capítulo Safe de la primera temporada se usan fragmentos de la secuencia para tres cajas de seguridad, los números son 233, 377 y 610. Walter Bishop recita cada noche la secuencia para poder dormir y en el último capítulo emitido de la serie usan la secuencia para averiguar el punto de origen de unas anomalías temporales.

En el drama procedimental Criminal Minds un asesino usa la secuencia de Fibonacci para encontrar a sus víctimas. En Taken, una mineserie de ciencia ficción emitida en el 2002, se sabe que los extraterrestres usaban la secuencia para sus planes. En So Weird, un programa del canal Disney Channel, se usa la secuencia para construir una casa. El lugar se convierta así en un nexo de unión de nuestro mundo y el de los espíritus.

Películas

En π película de culto de Darren Aronofsky se hace referencia a la secuencia mientras los protagonistas buscan el nombre de Dios. En The Oxford Murders de Alex de la Iglesia se menciona a Fibonacci. Un profesor y un estudiante trabajan codo con codo para detener una serie de asesinatos que parecen estar relacionados con unos símbolos matemáticos.

Dan Brown usó en The Da Vinci Code los números para abrir una caja fuerte y también para dejar y clarificar un mensaje. El personaje de Jason Bateman en Mr. Magorium’s Wonder Emporium es contratado al demostrar en la entrevista de trabajo que conoce la secuencia de Fibonacci. En 21 los primeros ocho numeros de la secuencia aparecen en hielo hasta una tarta de cumpleaños en la que hay 21 velas.

Libros

En el libro de Dan Brown The Da Vinci Code aparecen los números desordenados como parte de una pista dejada por el conservador del museo del Louvre. En The Wright 3 de Blue Balliet la secuencia juega un papel determinante en la historia.

En Decipher novela de Stel Pavlou publicada en 2001 la secuencia se usa para descubrir el código de la Atlántida. Todo comienza cuando los antiguos monumentos del mundo empiezan a emitir señales, creando conexiones a través de ondas de baja frecuencia recreando una antigua red global. El planeta cae presa del terror pero un grupo de científicos realizarán un viaje decisivo que sellará el destino de la humanidad.

En la novela Ice Station del australiano Matthew Reilly parte de la secuencia se usa como código de la estación. Una remota estación en la Antártida en la que un grupo de científicos descubre un objeto en el hielo de más de cuatrocientos años. Pronto llegarán los marines para proteger el hallazgo pero no serán los únicos ya que varios países quieren hacerse con él. En la novela Valis de Philip K.Dick una organización llamada los Amigos de Dios usan la secuencia para identificarse. También podemos encontrar ejemplos en la novela de Scartlett Thomas PopCo, en la trilogía Magic or Madness de Justine Larbalestier o The Perfect Spiral de Jason S. Hornsby.

Música

Doctor Steel en su álbum People of Earth tiene una canción titulada Fibonacci Sequence y el grupo de rap Black Star en su canción Astronomy (8th Light) menciona la secuencia en el coro. Es el momento en el que dicen:

Now everybody hop on the one, the sounds of the two
It’s the third eye vision, five side dimension
The 8th Light, is gonna shine bright tonight

El grupo Tool tiene una canción titulada Lateralus. que a petición popular y por descuido mío, añado a la lista porque es muy relevante.

Lo que vemos es el asombroso primer videoclip del single que ha lanzado la banda M83 esta semana, Midnight City, como parte de su próximo álbum doble Hurry up, We´re Dreaming. Bajo los acordes de un sintetizador espacial, la pieza visual nos sumerge en una escuela de niños con telequinesia, todos con poderes extraños, con ojos brillantes, que se escapan de la escuela irrumpiendo en un almacén abandonado donde dan rienda suelta a todo su poder… Todo muy familiar si gustas de muchas de las grandes aventuras tanto en cine como en la literatura fantástica con los que M83 quiere homenajear.

Y es que la banda lanza un videoclip épico y lleno de referencias al universo más geek que conocemos. Un tributo que, como ellos mismos indican, bebe de los X-Men, el clásico de Spielberg Close Encounters of the Third Kind, la gran Village of the Damned de Wolf Rilla, la escuela de Howarts o Akira.

Dirigido por la aclamada pareja francesa Fleur & Manu (Division/Les Télécréateurs), los mismos que han elaborado otros trabajos increíbles para Sébastien Tellier en Roche o Sexual Sportswear y que acaban de recibir tres nominaciones a los UK Music Video Awards por sus trabajos con Tricky, Etienne de Crécy y Bag Raiders, el duo acaba configurando un vídeo brutal que nos habla del universo fantástico en este grupo de niños.

El mismo Anthony Gonzáles, el francés que se encuentra detrás de M83, hablaba hace poco de su pasión por el cine y el poder de influencia de este en la cultura americana. Enorme vídeo para un asombroso single.

Meses atrás Google presentó Music Beta, servicio web cuya finalidad no es otra que permitir a los usuarios almacenar en la nube su biblioteca musical y… nada más. Sin duda fue un fiasco, principalmente por la ausencia de oferta en contenidos y escasez de funcionalidades, debido a lo que rápidamente se dejó de hablar del invento. Pero ahora Google estaría a punto de revitalizar el servicio. ¿Cómo? Pues añadiendo tienda de música.

Desde hace mucho se rumorea que Google prepara su propia tienda de música y a la última información que teníamos a este respecto, esa que apuntaba que los del buscador inaugurarían la tienda estas mismas navidades, en las últimas horas se ha sumado otra del New York Times en la misma línea. Concretamente según “numerosos ejecutivos de la música” consultados por el rotativo, Google está dispuesto a lanzar tienda de música digital en las próximas semanas.

Ahora bien, aunque esté dispuesto, el quid de la cuestión sigue siendo el mismo de siempre; las discográficas, quienes no se llevan muy bien con la compañía. Todas argumentan que Google no hace lo suficiente para atajar la piratería y varias les han denunciado por mostrar resultados en el buscador que enlazan a descargas ilegales, lo que ha impedido la firma de acuerdos entre las partes. ¿Por qué iba a cambiar la tónica? La respuesta es obvia: porque no les queda otra.

Les guste o no las discográficas están condenadas a entenderse con los del buscador. Es evidente que el futuro de la industria musical -o mejor dicho el presente- pasa por las ventas digitales y el stream a través de Internet y Google es un actor de muchísimo peso dentro del medio, tanto que dejarlo fuera del juego no solamente es inviable sino estúpido. Además a esto tenemos que sumar que también se ha posicionado muy bien gracias a Android en el sector de los smartphones, el otro gran ecosistema para vender que la industria quiere y necesita explotar ya.

Así que tenemos que a Google le apura lanzar tienda de música porque cada vez aparecen más competidores en el sector (el último Amazon nada más y nada menos), a las discográficas aliarse con este mastodonte y unas cuantas informaciones recientes de fuentes bastante serias que apuntan que la inauguración es inminente. Creo que esta vez con un poco de suerte la rumorología se confirmará, y ojalá que así sea porque la entrada de Google al sector de la venta de música sería estupendo para nosotros los consumidores (normalmente el aumento de competencia se traduce en guerra de precios, innovación y demás).

De acuerdo a información de Music Ally las ganancias de Spotify LTD, — la entidad británica de Spotify y desde donde operan la mayoría de sus negocios en Europa — incrementaron en relación al año pasado en 458%, resultando en casi 99 millones de doláres.

Los ingresos por publicidad crecieron de 6 millones de doláres en 2009 a 29 millones de doláres (£18.06 millones) en 2010. En cuanto a suscripciones pagadas, su ganancia incrementó de 10 millones y medio de dólares a 70 millones de dólares. (£45.07 millones)

Parecería un éxito, sin embargo, no contaban con las licencias. El “costo de venta” de Spotify LTD incrementó del 2009 al 2010, de 25 millones de dólares a un poco más de 40 millones de dólares.

El costo de venta, después del pago de impuestos, corresponde principalmente al pago de regalías de acuerdo a Forbes. Si rápidamente restamos a los 99 millones aproximados de ganacias, estos 40 millones de doláres, no resulta tan maravillos perder casi el 40% en estos gastos de operación.

Los ganadores, claro, serán lo de siempre. Spotify ha aceptado que ha pagado más de 100 millones de dólares a propietarios de derechos y que su servicio representa la segunda fuente de ingresos para disqueras europeas. El problema sigue siendo el mismo, no hay una distribución justa de las regalías, por eso, muchas disqueras independientes han abandonado Spotify.

Spotify sin duda es una alternativa para la industria del comercio masivo de música, sin embargo no lo es para el ecosistema total de la música— lo cual incluye a productores, autores, disqueras y negocios independientes dedicados a la comercialización y distribución a menor escala de música.

Lo irónico es que un servicio que — en la visión de los monopolios del negocio musical— es su gran salvación y del cual las mismas disqueras de siempre son inversionistas, vaya a seguir perdiendo dinero proporcionalmente al inevitable incremento de su base de usuarios que producirán sus operaciones en el mercado estadounidense y su integración a Facebook.

Esperemos que al menos el dinero de regalías que las sociedades de gestión reciben por parte de Spotify, no se lo gasten al estilo SGAE , entidad que le dió — con toda razón — el visto bueno a este servicio.

En 1919 el físico y músico ruso Lev Sergueievich Termen creó el primer instrumento musical electrónico el theremín. En sus primeros momentos se conocía al instrumento como eterófono pero le cambiaron el nombre, algo que también hizo su creador, quien se transformó en León Theremin. El joven físico se encontraba experimentando con una radio cuando descubrió, casi por casualidad, el principio en el que se basa el theremín.

El diseño del instrumento consiste en una caja con dos antenas. Para tocar el theremin el músico debe aproximiar o alejar el brazo, mano y dedos de de la antena vertical para las alturas de las notas. Cuanto más cerca de la antena más agudas serán las notas y cuanto más lejos más graves. Con la mano izquierda controlamos el volumen, cuando la mano está cerca de la antena horizontal el sonido se apaga, sin embargo, a medida que levantamos la mano el volumen va aumentando.

La característica fundamental del instrumento es que para tocarlo no hace falta tocarlo. En el diseño original el aparato tan solo tenía una antena, la antena para controlar el volumen se añadió posteriormente. El sonido que produce recuerda al del violonchelo y el de la voz humana. Curiosamente el inventor era un consumado chelista.

El instrumento, debido a ese sonido tan particular, fue usado con profusión en las películas de serie B de Hollywood durante los años cuarenta y cincuenta. El theremín se usó habitualmente en películas de terror y de ciencia ficción. Su sonido era sobrenatural y perfecto para mostrar el tormento de personajes con problemas mentales, grandes cargas morales, alucinaciones o malos sueños. Uno de los primeros compositores en usarlo fue Dimitri Shostakovich, un joven ruso que lo introdujo en la escena de la tormenta de la película Odna (1930).

En 1951, Bernard Herrmann utilizó dos theremines para la banda sonora de The Day the Earth Stood Still de Ray Wise. El uso del theremin daba un toque futurista y amenazante que cuadraba perfectamente con el tono de la película. Howard Stein lo usó para It Came From Outer Space. Miklos Rozsa lo usó para recalcar la inestabilidad emocional de varios personajes en películas como Spellbound de Alfred Hitchcock o The Long Weekend de Billy Wilder. Y en multitud de películas más como The Mad Magician, Please Murder Me, The Red House, House of Wax. Más recientemente en Ed Wood, Existenz o Mars Attacks.

En The Song Remains the Same, podemos ver a Jimmy Page, tocando un theremín durante la canción Whole Lotta Love. Grandes de la música com Pink Floyd, Jean Michel Jarre, Radiohead, Marilyn Manson o Nine Inch Nails han hecho uso de este particular instrumento. Durante años el instrumento cayó en el olvido hasta que a mediados de los noventa el documental Theremin, an Elecronic Oddysey (1994) lo volvió a traer a la primera plana de la actualidad musical.

La mayor virtuosa del theremín fue Clara Rockmore, quien tras ver truncada su carrera como violinista por culpa de una lesión se convirtió en una consumada thereminista. Rockmore fue colaboradora de Theremin y poseía un oído absoluto. Su talento a la hora de ejecutar las piezas musicales era sobrecogedora. Otros grandes concertistas son Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen.

En la actualidad existen varios thereministas muy conocidos como Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Masami Takeuchi, Carolina Eyck, Celia Sheen, Ernesto Mendoza, Jonny Greenwood, Robby Virus o Pamelia Kurstin. Y por supuesto Sheldon Cooper, personaje de la serie de televisión The Big Bang Theory.

Los sábados son días en los que uno aprovecha para romper con la monotonía de la semana laboral y disfruta de sus aficiones, por ejemplo, leer un buen libro acompañado de las Suites para Violonchelo de J.S. Bach interpretadas por el genial Mstislav Rostropóvich y su Stradivarius “Duport” de 1711. El violonchelo es un instrumento en el que, mediante un arco, se frotan las cuerdas cuya vibración se transforma en sonido mediante la caja de resonancia que forma el cuerpo del instrumento y, básicamente, este esquema no se varía desde hace siglos hasta que la electrónica llegó y, por ejemplo, hemos visto violines eléctricos que eliminan la caja de resonancia pero mantienen las cuerdas. Un estudiante de universidad, David Levi, ha ido más allá y ha construido una nueva evolución del violonchelo que elimina las cuerdas y la caja de resonancia: el violonchelo magnético.

David Levi, también conocido como Magnetovore, es un joven estudiante de Ingeniería Eléctrica que ha desarrollado una particular visión de uno de los instrumentos de música más clásicos, el violonchelo, al que le ha eliminado las cuerdas, las cuerdas del arco y la caja de resonancia, construyendo un instrumento que persigue “sonar” prácticamente igual que un violonchelo acústico (los clásicos) además de tener el mismo tamaño y envergadura. En vez de utilizar un arco con fibras (normalmente la crin de un caballo) se sustituye por una por una varilla magnética que al pasarla por el instrumento induce una tensión eléctrica en una bobina que es la que hace las veces de puente del instrumento. Dicha tensión es utilizada para controlar el volumen (o la fuerza) con la que se toca el instrumento y vibrarían las cuerdas (en un instrumento normal). La afinación del instrumento, es decir, la tensión aplicada en las cuerdas al pulsarla con los dedos, se realiza mediante unas tiras resistivas cuya resistividad varía con la pulsación y que, también, controlarían una segunda tensión.

Por tanto, este violonchelo está realizado exclusivamente con dispositivos electrónicos analógicos básicos, es decir, circuitos IC (inductores y condensadores), los componentes básicos de una radio analógica, es decir, que no se utilizan ni microcontroladores ni ningún tipo de dispositivo semiconductor. Levi, o Magnetovore, se encuentra tramitando la patente de su proyecto que ya va por su cuarto prototipo y que habría mostrado ya en un concurso de talentos.

Al verlo, la verdad, me recordó un poco a un uno de los instrumentos electrónicos más clásicos, el Theremin, un instrumento que constaba de dos antenas y que acercando o alejando la mano a éstas iba cambiando el sonido, algo así como un arpa pero basada en un campo electromagnético y que fue desarrollado por el físico y músico ruso Lev Serguéievich Termen en 1919 (que posteriormente se cambiaría el nombre a León Thérémin). Ver una actuación músical de un Theremin en funcionamiento es todo un espectáculo, ya sólo por la música sino por ver el dispositivo en funcionamiento.

Vía: Engadget

En unas cuantas horas, Facebook presentará su servicio de música ante el mundo. El anuncio de Facebook Music es ampliamente esperado, ya que el nuevo producto de la red social ha levantado muchísimas expectativas. Ahora, a muy poco de que se dé la conferencia F8, uno de los empleados de Palo Alto ha revelado sin querer una de las características innovadoras del servicio: escuchar la misma canción que tus amigos de manera simultánea.

El responsable de la filtración fue el director creativo Ji Lee, quien publicó en su cuenta de Twitter que la característica “escuchar con tu amigo” lo tenía fascinado. “Escucha lo que tus amigos están oyendo, ¡en directo!”, escribió. En cuestión de minutos, el tweet fue borrado; pero siempre hay alguien prestando atención, por lo que una captura de pantalla del mensaje circula por la red.

La llegada de Facebook Music ha provocado dudas en torno a la reacción de la industria musical. Se presume que el servicio tendrá integración con terceros como Pandora, SoundCloud, Spotify, iTunes, entre otros; permitiendo que el usuario comparta qué está escuchando, qué canciones han sido tocadas últimamente, así como las más reproducidas. Del mismo modo, esta información de nuestros contactos estaría disponible para consulta, junto con un apartado que nos diga en tiempo real cuál es la actividad musical de nuestros amigos.

Este anuncio viene a aumentar las incógnitas sobre el funcionamiento de Facebook Music. Al parecer, los servicios de música integrados ofrecerían su contenido de manera gratuita durante un periodo de prueba. Serán días de felicidad para todo mundo, eso tengo por seguro. Pero, ¿qué pasa después? Los proveedores estarían apostando por enganchar así a los usuarios y persuadirlos de pagar entre cinco y quince dólares para hacerse de una cuenta. Ya sabemos que ofrecer algo gratis y después estirar la mano para pedir dinero no siempre funciona bien, pero parece que correrán ese riesgo.

La posibilidad de escuchar las canciones de tus amigos suena como una killer feature, pero ¿qué vendrá cuando se termine el periodo de gracia? ¿Permitirá Facebook Music que escuches la música de terceros aún si no cuentas con una suscripción de servicio? Es un escenario muy difícil de pronosticar si consideramos la renuencia de las discográficas para ceder hasta el mínimo ápice. Como sea, vale estar muy atentos a la F8, cuyo keynote iniciará alrededor de las 17:00 horas de España (10:00 horas de México). Aquí en ALT1040 estaremos muy pendientes de los anuncios para traérselos al momento.

Para muchos, el nombre Kazaa nos remite a unos cuantos atrás, cuando el intercambio musical era dominado por las redes P2P. La revolución gestada por Napster nos había obsequiado varios bastiones para compartir archivos. El negocio de la música pasaba por una transformación profunda, en la que el status quo de las disqueras comenzaba a tambalear, y los gigantes de la industria preparaban palos y piedras para aferrarse al pasado. Los defensores del copyright buscaban maneras —a menudo, inverosímiles— para combatir la tendencia, mientras que los más inteligentes vieron en el cambio una oportunidad para modificar su negocio.

Por desgracia, la industria triunfó (parcialmente), provocando la criminalización de las redes P2P; y de este modo, contribuyó a la caída y desaparición de muchos servicios. Así, Kazaa entró en un largo letargo. Destrozada por la cantidad apabullante de litigios, terminó por pagar una multa de 100 millones de dólares a las disqueras para dirimir sus líos legales. Al final, Brilliant Digital Entertainment compró la marca para relanzarla con un nuevo modelo: un servicio de suscripción de música por streaming.

La transición no ha sido sencilla. La red descentralizada de Kazaa continuó siendo usado aún después del cierre del servicio, en 2006. Sin embargo, los juicios constantes, los riesgos de pescar malware y la persecución contra las redes P2P ahuyentó a los usuarios. De contar con una comunidad de millones de usuarios, el número se redujo considerablemente a unos cuantos miles. Además, en Estados Unidos, Kazaa ha estado bajo la mira de los abogados de la industria musical, quienes se han aprovechado para darse un festín de demandas.

En 2009, Kazaa quiso volver a montarse al caballo, pero fracasó de manera estrepitosa. En un esfuerzo por ponerse del lado de la industria, ofreció un servicio de suscripción por $20 dólares. Este abono permitía al usuario descargar cuantas canciones quisiera, algo bastante positivo si consideramos que el catálogo rozaba el millón de títulos. Sin embargo, al intentar conciliarse con los reyes del copyright, incluyó protección DRM en las canciones, con lo que sólo se podían máximo en tres ordenadores diferentes y no era posible cargarlas en un reproductor móvil.

Tras ese tropiezo, Kazaa ha evolucionado hacia una propuesta más sensata. Ahora cuenta con una aplicación gratuita para iOS, mediante la cual se puede tener acceso a todas las funciones del programa. A través de un pago mensual (9.99 dólares, disponible sólo en Estados Unidos), es posible acceder al catálogo para escuchar la música en línea; y en algunos casos, descargar las canciones por la vía legal. Sin duda, se trata de un paso muy importante para retomar la prominencia que gozó a inicios de la década de los 2000.

Así, Kazaa apuesta por modelos como el de Spotify, constituyéndose como un competidor incipiente en dicho mercado. Kazaa hace bien en no quedarse en el pasado, sino en mirar hacia una estrategia de negocios que está demostrando ser muy eficaz. Seguramente, muchos recordaremos con nostalgia los tiempos en que descargábamos canciones con este programa; pero también hay que considerar que las circunstancias han cambiado y tanto los usuarios como las empresas debemos adaptarnos. ¿Será el segundo aire para Kazaa? No sé si llegue al mismo éxito que ostentó hace algunos ayeres, pero estoy seguro que es una opción que enriquece el ecosistema de la música por streaming, algo que buena falta hace.

Así lo han contado hace escasas horas:

Estábamos revisando los cuadros de archivos DAT, fotos y dios sabe que más para encontrar los artefactos que teníamos entre manos en los primeros días de Soma. Imagine nuestra sorpresa cuando descubrimos una cinta titulada simplemente Daft Drive. Conectamos la máquina DAT e insertamos la cinta con el mayor cuidado posible, presionamos a reproducir y rezamos para que la cinta contuviera lo que esperábamos… esperamos.

Lo que salía era un monstruoso bombo que empezaba a latir, habíamos re-descubierto una pista inédita de Daft Punk donde se mezclaban voces extrañas, tambores y sintetizadores Roland con distintas compresiones. Cuando acabó nos quedamos en silencio todos los testigos. La cinta pertenecía a una parte de la colección de Rollin´and Scratching que nos habían mandado el dúo francés en 1994. Una muestra que terminarían y nos enviarían junto a Da Funk en el futuro y de la que no sabíamos nada hasta ahora. La habíamos archivado para una fecha posterior y se había perdido.

Es un placer y un honor dar la bienvenida a Daft Punk de vuelta a los expedientes de Soma con esta pista de sus primeros pasos. La incluiremos con toda seguridad en el recopilatorio de nuestro 20ª aniversario.

Ni que decir tiene que la pista ha corrido como la pólvora en la red. Los miembros de Soma han filtrado el trabajo recortando las alas para la BBC Radio 1, por lo que la misma ha llegado a plataformas como SounClound y tras unas horas en activo ahora la podemos escuchar.

Daft Punk - Drive Unreleased 1994 (Preview) by soma

Supongo que los chicos de Soma aún se lo deben estar creyendo, pero el caso es que entre su “reliquias” del pasado tenían todo un tema de los comienzos de la banda francesa.

Daft Punk además han sido noticia estos días por otros motivos. Uno de los dos miembros, Thomas Bangalter, ha dirigido recientemente un corto para una línea de moda protagonizado por su esposa y actriz Elodie Bouchez. No busquen parecidos en la banda sonora del mismo porque no son ellos…

Además, ayer nos enterábamos como un usuario era capaz de conseguir el sueño de todo geek. Había conseguido construir una pieza del famoso casco del dúo en cuatro meses. Harrison Krix mostraba con el siguiente vídeo una réplica exacta del utilizado por Bangalter. Para ello usó 350 LEDs que funcionan más de 4 horas con una sola carga y una matriz capaz de de actualizarse con una aplicación IOS customizada. Impresionante y muy digno para aquellos que los quieran emular:

Un desastre cultural es como acertadamente califica Open Right Groups a la aprobación en Europa de la extensión de 50 a 70 años del copyright en obras sonoras.

Y es que cada vez que algún material cultural con gran éxito comercial esta a punto de entrar al dominio público, la aplanadora legal que solo los monopolios intelectuales — como la industria de la música y el cine comercial — son capaces de financiar, se lanzan con todo para presionar a los débiles legisladores que mal representan a la sociedad.

Las justificaciones para aprobar esta locura, fundamentada en retórica y no en evidencia, y mucho menos en cumplir mínimamente con el propósito original del copyright que alguna vez fue el de incentivar la creación por medio de un monopolio temporal para eventualmente enriquecer el dominio público; responden únicamente a una concepción del copyright como una especie de “renta” vitalicia para los autores, independientemente de que de hecho se dediquen a crear o a sentarse en sus laureles. No hablemos siquiera de sí tienen talento o no.

La Sra.Maria Martin-Pratt ex-lobbysta del IFPI y ahora a cargo de la Unidad de Propiedad Intelectual de la Comisión hizo un gran trabajo al hacer que los estados miembros votaran la extensión del copyright basados en falacias como esta:

Los intérpretes generalmente inician sus carreras de jóvenes y el sistema actual de protección durante 50 años, aplicable a la fijación de ejecuciones en muchas ocasiones no protege sus performances durante toda su vida. Por esto, algunos intérpretes se enfrentan una disparidad en sus ingresos al final de su vida.

¿Por qué los intérpretes y autores de obras musicales merecen privilegios de este tipo? Un futbolista tiene una vida laboral muy corta por ejemplo, y nadie, nunca ha dicho (y menos legislado) para que se le tenga que pagar una renta de por vida por sus goles, de modo que no muera sin antes amasar dinero, aún después de que ya no desempeñe ninguna actividad productiva.

La respuesta a estas tonterías esta quizá en el hecho de que algunas reliquias de The Beatles estaban a punto de entrar al dominio público en Europa. No es broma. Pero mientras el millonario y ya decadente Paul McCartney o las disqueras que explotan los derechos de esta música serán los únicos beneficiados, artistas más honestos y verdaderamente talentosos como Ed O’Brien de Radiohead — y además uno de los líderes de Featured Artists Coalition — consideran que:

Esto significa que ellos (las disqueras) tendrán 20 años más de servidumbre a contratos que ya no son apropiados para la era digital.

Solamente Suecia, Holanda, Rumania, Bélgica, Eslovenia, Luxemburgo y la República Checa votaron en contra de este robo, no hay otra palabra.

La delegación sueca lamentó la aprobación de esta extensión:

La ampliación al plazo de protección de las grabaciones de sonido como se propone no es ni justo ni equilibrado. Por lo tanto, se corre el riesgo de socavar el respeto por los derechos de autor en general, aún más. Este acotencimiento es muy lamentable para todos aquellos que dependen de la protección de los derechos de autor para ganarse la vida.

Suecia cree que haya buenas razones para destinar medidas que mejoren la situación de los músicos profesionales y otros artistas que a menudo operan en condiciones económicas difíciles. La ampliación del plazo de protección no obstante, no será de beneficio para este grupo.

En este contexto, Suecia lamenta la decisión de adoptar la propuesta de modificación de la Directiva 2006/116/CE del Parlamento Europeo y del Consejo relativa al plazo de protección de los derechos de autor

Y es que el Parlamento Europeo simplemente dió luz verde al saqueo del interés público. Coincido, como siempre, con Glynn Moody. Esto es un robo:

El hecho es que el Consejo actuó de forma unilateral a instancias de la industria de la música que quería algo a cambio de nada - no porque nosotros, el público, hubiéramos pedido a los políticos cambiar la ley de esta forma, para hacernos más pobres de lo que ya éramos.

Así es como se ve el verdadero robo de propiedad intelectual: robar al público por medio de otra extensión injustificada y antidemocrática de los derechos de autor.

Esta música que algunos consideran como joyas y obras maestras posiblemente serán siendo intocables en su mente, mientras tanto, la ley de propiedad intelectual seguirá perdiendo legitimidad debido a los abusos (como esta extensión) para los que se utiliza y eventualmente, estas obras serán muy útiles para ambientar elevadores y demandar abuelitas por error.

Shane Richmond en The Telegraph alerta acerca de la viciosa tendencia de extender el copyright que puede terminar en que simplemente sea infinito, sin que exista evidencia alguna para que así sea:

La ampliación de plazos más de derechos de autor no protegen la creatividad, sino que lo dañan. Y sin embargo, los plazos del copyright siguen extendiéndose sin evidencia.

Esto es parte de un patrón en curso - una persona más cínica, incluso lo llamaría una campaña - en la que los derechos de autor se extenderán hasta el nunca se expiren. En 15 años más o menos, usted puede esperar una nueva campaña para extender los derechos de autor sobre las grabaciones de sonido a 95 años, coincidiendo con el plazo en los EE.UU.. Después de eso, vamos a ver presión para extender los plazos aún más, para que artistas reciban la misma protección - su vida más 70 años - como a los compositores y letristas.

Es decir que el copyright será infinito, incluso después de la muerte de los divinos autores:

El copyright solo sirve para mantener a intermediarios y abogados que cobran regalías por algo que ellos ni siquiera crearon o bien, tajadas por cuestionables demandas. El copyright mantiene a parásitos no a artistas.

The New York Times reporta que de acuerdo a un estudio del Centro de Políticas de Propiedad Intelectual de la Universidad de Bournemouth en Inglaterra, del 75 % de las ganacias que esta nueva política generarán, el 72% irán a parar en manos de las disqueras y solo el 28% a los artistas que según esto, el Parlamento Europeo pretende proteger.

Los únicos beneficiados serán literalmente 4 compañías disqueras, estrellas millonarias y negocios cuestionables, es decir: EMI, Sony, Universal y Warner; artistas como Cliff Richards, The Rolling Stones y sociedades de gestión estilo SGAE.

Los únicos felices, claro, son los beneficiados. El jefe de la cúpula del IFPI, Plácido Domingo, esta fascinado. Y su director ejecutivo lo considera una justa victoria. #Truestory

Esto es una victoria justa. Con esta decisión la Unión Europea esta dando a artistas y productores el trato justo que se merecen. La extensión del término de protección a 70 años, reduce la breha entre Europa y sus socios internacionales, y mejora las condiciones de inversión en nuevo talento.

Vaya definición de justicia. Es una lástima que el Parlamento Europeo no haya decidido darle un trato justo a la sociedad y en cambio, haya aprobado más saqueo y abuso en detrimento de esta para que la industria nos deleite con más artistas chatarra, incapaces de crear sin depender de un sistema medieval.

¿Dónde esta Nelly Kroes, la comisionada del Parlamento Europeo para la Agenda Digital y su discurso acerca de la necesidad de adaptar las leyes para proteger la creatividad? ¿Los ministros no leyeron el Reporte Hargreaves? ¿El Parlamento Europeo no se entera de los escándalos de corrupción institucional en los que las sociedades de gestión estan involucrados? ¿A quién pretenden engañar?

La contribución a la legalidad y la inovación del Parlamento Europeo es simplemente ayudarnos a todos a entender porque la propiedad intelectual es algo vergonzoso y cada vez más peligroso para poder garantizar la gobernabilidad y la legítimidad de las instituciones. Vandalismo parlamentario total.

Es patético que el Parlamento Europeo este financiando a un monopolio intelectual innecesario y dañino para la sociedad. Bueno estoy equívocada, quienes lo financian son los ciudadanos. Sí, este robo le costará 1000 millones de euros a la ciudadanía europea.

Imagen vía Liferfe

Google nos ofrece hoy con este vídeo un sentido homenaje a una de las figuras más grandes de la música. Lo hace a través de lo que ya se ha convertido en el vehículo marca de la casa con el que recordar a aquellas personalidades únicas, con un don especial y que dejaron huella. Empezando por Nueva Zelanda como el primer lugar en el planeta en llegar al día de hoy, el Doodle es posiblemente la mejor recreación hasta la fecha de la compañía. Un vídeo que según cuenta la NBC es obra de Jennifer Hom, dibujante y fanática de la figura legendaria de uno de los grandes mitos de nuestro tiempo, Freddie Mercury.

Al parecer, Hom estuvo elaborando el doodle junto a un equipo de dibujantes durante tres meses en los que recopilaron y seleccionaron aquellos clips más especiales para el diseño del vídeo (se encuentran fragmentos de Bicycle, A Crazy Little Thing Called Love, I Want to Break Free o Flash). La decisión de Don´t stop me now como tema para el corto tiene que ver con que la pieza fuera seleccionada como uno de los 10 hits más grandes de la historia por muchos medios.

Teniendo en cuenta el colorido que ha tenido la carrera de Freddie, hemos querido crear dibujos similares. Estamos realmente emocionados porque finalmente es un gran trabajo. Definitivamente no es un doodle normal.

Tal día como hoy, hace 65 años, nacía esa estrella. Con toda seguridad una de las voces más grandes que ha dado la historia del rock. Era un 5 de septiembre de 1946 y nacía en la isla de Zanzíbar (Tanzania). Mercury moriría 45 años después, un 24 de noviembre de 1991 en su casa de Londres por una bronconeumonía complicada por el sida. El líder de Queen nos dejó por el camino decenas de temas inolvidables a través de una voz irrepetible. Resultaría tremendamente complicado y casi imposible ponernos de acuerdo sobre cual fue su mejor composición entre tanta excelencia, los discos de la banda se cuentan prácticamente en su totalidad como joyas y obras maestras.

Google ha acabado eligiendo Don´t stop me now para conmemorar la figura de Mercury posiblemente porque se trata de una canción cuya autoría y escenificación tienen a la estrella como único protagonista. Lanzado dentro del LP Jazz en 1978, don´t stop me now sería publicado como single el 26 de enero de 1979. Mercury contaría con el tiempo que la escribió durante unas vacaciones en Montreux (Suiza). La composición, sencilla en la forma, nos muestra toda la fuerza del cantante al piano y al resto de la banda en un segundo plano. El single no llegaría al número uno, en las listas británicas ascendió hasta la novena posición y en Estados Unidos ni siquiera pasaría del 86. Sería el tiempo y la utilización del tema en anuncios, programas de televisión y las versiones que se hicieron las que colocaron la canción como uno de los grandes clásicos de la banda.

Highlander y Flash Gordon

A Freddie Mercury y Queen le debemos dos de las bandas sonoras más grandes de todos los tiempos. Tanto Highlander como Flash Gordon no serían ni la mitad de lo que fueron sin la voz de Mercury y la banda detrás de cada de una de las escenas.

En 1980, mientras la banda estaba en el estudio para grabar el álbum The Game reciben la llamada del productor Dino Delaurentis. El productor les pide que sean la banda sonora de su próximo filme Flash Gordon. El resto es parte de la historia de la música y el cine. En noviembre de 1980 se lanza la BSO de la película. A diferencia de Highlander, el álbum estaría compuesto por temas instrumentales a excepción de las inmensas Flash y The Hero.

Quizá en el caso de Highlander se llegó a la excelencia, ya que se trataba de la primera vez que se lograba una conjunción única entre las escenas de la película con los temas de una banda de rock (en conjunto con el compositor Michael Kamen). En 1986 lanzarían el LP A Kind of Magic, en cuyo interior estarían las canciones de la película alcanzando el número durante varias semanas. Princes of The Universe, Gimme the Price, One Year of Love y la mítica Who Wants to Live Forever son parte indivisible de la historia de la música y del cine, y eso es un logro que muy pocas bandas han conseguido en la historia.

En mi opinión, que Google haya elegido el tema don´t stop me now es todo un acierto (se trata del segundo doodle más largo tras el de Chaplin), aunque estarán conmigo en que cualquier elección con Mercury podría haber quedado bien. Hoy Mercury tendría 65 años y cada año se podría celebrar su nacimiento. Una estrella que nunca ha dejado de brillar.

Para acabar este pequeño homenaje les dejo con dos vídeos. El primero es una de las actuaciones más memorables que dio Mercury interpretando Bohemian Rhapsody. El segundo es precisamente un homenaje geek del tema a través de la banda más peculiar de la historia: un Atari 800XL, una Texas Instruments TI-99/4a, un scanner, un disco rígido de 3.5 y una unidad de disco de 8 pulgadas.

Cuando Bowie escribió en 1969 uno de los temas emblemáticos de la historia del rock seguro que jamás pensaría que muchos años más tarde llegaría como pequeño libro ilustrado para los más jóvenes. Space Oddity trataba de la parte más oscura de los viajes espaciales, de la pesadilla del astronauta Major Tom flotando en el espacio mientras se alejaba de la Tierra tras entrar en una depresión durante la misión.

Andrew Kolb, ilustrador y dibujante, ha sido el hombre que se ha arriesgado a transformar la mítica composición al papel como homenaje al espacio y al tema de Bowie. Con ligeras diferencias a la obra original del artista, Kolb se inspira en Bowie dibujando para los más jóvenes sobre la historia de Major Tom, de su viaje al espacio ganándose la admiración de los periodistas en la Tierra hasta su inquietante final, donde tras sufrir una serie de daños en la nave a causa de una lluvia de meteoritos queda atrapado en la inmensidad del espacio.

Kolb describía ayer para Wired la “odisea” de intentar trasladar la oscura letra de Bowie en dibujos:

Fue difícil hacer que las imágenes se correspondieran con la letra, de tratar de hacer que funcionara como una historia visual. Lo bueno ha sido escuchar todas las interpretaciones diferentes que podía tener la letra para enfocarlas a una historia que se traduce en imágenes

Posiblemente Space Oddity sea el tema más representativo de la música cuando hablamos del espacio. A excepción de la composición de Strauss con Así habló Zarathustra en 2001, el single de Bowie se convirtió por una serie de circunstancias en la banda sonora de uno de los grandes hitos del hombre, la llegada a la Luna.

Bowie lanzaría el single bajo el mismo nombre del LP a finales de la década de los 60, convirtiéndose automáticamente en un tema bandera utilizado como himno de una época convulsa. Dicen que inspirada en dos obras maestras como fueron la película de Kubrick 2001 (se estrenó un año antes) y el tema de Pink Floyd Astronomy Domine (1967). Fuera o no así, el tema acabó siendo popularizado por la misma BBC, utilizándolo días después de su lanzamiento como hilo musical para la transmisión en directo de la llegada del hombre a la Luna en el Apolo 11.

Space Oddity narra el comienzo del viaje espacial de Tom, desde el despegue y el diálogo del astronauta con la estación hasta su lanzamiento. La propia temática de la letra de la canción es motivo de controversia para muchos. Inspirada o no en la obra de Kubrick, sí parece más claro que el lanzamiento del single coincidiendo con la llegada del hombre a la Luna no fue una coincidencia. Aún así, la letra muestra la lucha interna de un astronauta con lo que parece ser una depresión o un estado de desánimo. Parte de la crítica defendía que Bowie se disfraza de astronauta para hablarnos de la destrucción del ser humano o de la lucha que mantenía en ese momento con el consumo de drogas.

En cualquier caso, el artista consiguió una composición irrepetible que ahora sirve como inspiración para otro viaje desde el dibujo. El libro de Kolb lo podréis encontrar para su descarga completamente gratuito desde su página web. Un maravilloso libro para los más jóvenes desde el que espera que el apoyo y difusión del mismo en la red consiga una distribución en formato físico. El dibujante cuenta que para ojear su obra debemos encender el reproductor y escuchar el tema de Bowie. Bonito homenaje para un clásico como este.