En ocasiones son temas únicos para el filme de alguna banda o solista, otros son temas sueltos comprados (o liberados) para la ocasión, el resto, bandas sonoras totales compuestas por un único compositor que han pasado como joyas y obras maestras del cine.

Así que este retrogeek se lo dedicamos a la música en el cine, cine con referencias a lo fantástico o la ciencia ficción que la mayoría recordareis. La lista es aleatoria y seguramente nos dejamos en el tintero otras tantas igual de buenas pero sólo son 20 y se trata de una elección personal:

Blade Runner Theme

• Película: Blade Runner.
• Año: 1982.
• Compositor: Vangelis.

Total Recall Theme

• Película: Total Recall.
• Año: 1990.
• Compositor: Jerry Goldsmith.

The Power of Love

• Película: Back to the Future.
• Año: 1985.
• Artista: Huey Lewis & The News

Main Title: Also Sprach Zarathustra

• Película: 2001: A Space Odyssey
• Año: 1968.
• Compositor: Strauss.

‘R’ Good Enough

• Película: The Goonies.
• Año: 1985.
• Artista: Cyndi Lauper.

Theme from A Clockwork Orange

• Película: Clockwork Orange
• Año: 1971.
• Compositor: Wendy Carlos.

The Shining (Main Title)

• Película: The Shining.
• Año: 1980.
• Compositor: Wendy Carlos.

Magic Dance

• Película: Labyrinth.
• Año: 1986.
• Artista: David Bowie.

Who Wants to Live Forever

• Película: Highlander
• Año: 1986.
• Artsita: Queen.

In Dreams

• Película: Blue Velvet.
• Año: 1986.
• Artista: Roy Orbison.

Main Theme

• Película: 1997: Escape from New York
• Año: 1981.
• Compositor: John Carpenter.

Main Theme

• Película: Terminator 2.
• Año: 1991.
• Compositor: Brad Fiedel.

Prologue, Anvil Of Cron, Riddle Of Steel and Riders Of Doom

• Película: Conan The Barbarian.
• Año: 1982.
• Compositor: Basil Poledouris.

Ghostbusters

• Película: Ghostbusters.
• Año: 1984.
• Artista: Ray Parker Jr.

Imperial March

• Película: The Empires Strikes Back.
• Año: 1980.
• Compositor: John Williams.

Les recuerdo que para el siguiente Retrogeek pueden aportar sugerencias sobre sus películas favoritas. Lo podéis hacer a través de los comentarios o vía mi cuenta de Twitter @iblogblog.

La petición será ingresada a la Suprema Corte la próxima semana, mientras tanto, un resumen de los puntos fundamentales de su apelación (PDF) y los cuales, no son poca cosa.

En primer lugar se apela a que la Suprema Corte reconsidere el proceso judicial y el cual amenaza a su cliente a verse atrapado en una ratonera, un litigio interminable y económicamente insostenible:

Ellos usan un costo asimétrico de litigio para convertir la defensa del individuo económicamente irracional.

Esto provoca que apelar se convierta en un asunto de dinero y no de justicia, por lo cual el defensor de Tenenbaum considera que esto ha provocado que se haya instaurado “una deformada arquitectura judicial” de copyright en las cortes federales y que sí no es revisada, nunca podrá repararse.

En segundo lugar, en teoría los daños estatutarios deben “tener alguna relación con los daños reales sufridos”. La defensa alega que el Departamento de Justicia y la RIAA afirman que el Congreso de Estados Unidos aprobó tácitamente los daños y perjuicios contra individuos, a través de numerosas enmiendas a la Ley de Propiedad Intelectual pero:

Antes de las demandas de la RIAA contra usuarios que comparten archivos, nunca se había atraído un caso de esta naturaleza. […]

La defensa cree no se puede suponer que el Congreso haya aprobado tácitamente este tipo de reparación desproporcionada de daños para casos contra individuos por infracción a derechos de autor, debido a las implicaciones constitucionales que implica. Todos los antecedentes que presentó la RIAA durante el juicio fueron casos que involucraban empresas, no individuos. Aún así, los daños que Tenenbaum tiene que pagar a las disqueras por 30 canciones, son de la irracional cantidad de 675,000 dólares.

En tercer y último lugar — quizá el punto más importante que aporta esta defensa— es en relación al modelo que la RIAA utiliza en sus demandas:

El litigio como asalto que la RIAA utiliza sobre gente que comparte archivos, como Tenenbaum y Thomas Rasset, es procesalmente injusto y profundamente falto de ética. Se enfrenta a una industria contra una persona y castiga a una persona por lo que otros han hecho o harán.

Los monopolios de entretenimiento siempre buscan un mártir. Ya van varios y ¿ha cambiado algo además de destrozarle la vida estas personas? No. Lo que único que se busca en palabras de la defensa es el castigar a un individuo como un acto de educación pública.

Y sí, Tenenbaum no creó el file-sharing, por lo tanto:

No puede ser que él, individualmente, causará la destrucción del valor total de las obras protegidas con copyright de cada uno de los demandantes. No fue Tenenbaum por sí solo quien redujó los ingresos y las ganancias de la industria disquera, no fue Tenenbaum por sí solo quien corrió a los empleados de sus trabajos — fueron los millones involucrados en el file-sharing quienes lo hicieron.

Castigar a un individuo por la conducta de otros es fundamentalmente injusto.

Mismo caso con The Pirate Bay, tres personas están acusadas de un crimen por la actividad infractora de miles y millones personas más — porque simplemente no alcanzarían las cárceles para encerrarnos a todos. Pero siempre va a haber un Kim Dot Com o bien, competencia que destruír. Por otro lado, es pertinente mencionar que las ganacias de la industria se encuentran en perfecto estado y es más, mejor que nunca. Ya todos sabemos como funcionan las matemáticas del copyright cuando se trata de clamar la infinita muerte de la industria.

La conclusión de la petición es que el juicio contra Tenenbaum ha sido solo una parodia de la justicia y tiene que remediarse.

La RIAA, la MPAA y los trolls de copyright han logrado engatuzar a todo el sistema legal y administrativo de Estados Unidos, el problema es que sus efectos los sufrimos todos. Pero este año, la industria ha sufrido duros golpes en las cortes, los recintos legislativos y las calles — y todas estas derrotas son producto de sus constantes e intolerables abusos. No se puede culpar a nadie más que a ellos mismos y a su desadaptación social y digital.

Sí la Suprema Corte de Justicia de Estados Unidos decide tomar este caso, existirá la posibilidad de volver un poco de cordura a un sistema legal que degenera día a día en detrimento de las derechos y libertades civiles de la mayoría.

Esperemos que la Suprema Corte de Justicia de Estados Unidos no desperdicie la oportunidad de atraer un caso decisivo para la construcción — o destrucción — definitiva de los derechos digitales en el siglo XXI.

Hemos esperado por muchísimo tiempo pero el día ha llegado: Spotify lanza su versión nativa para iPad. La aplicación incluye, entre otras cosas:

• Probablemente la forma más sencilla de navegar y explorar el catálogo de 18 millones de canciones del servicio.
• Integración con AirPlay
• Soporte para el Retina Display del nuevo iPad.
• Ofrece todas las características que se encuentran en la versión de escritorio o para smartphones: acceso a listas de reproducción, búsquedas de usuario, de listas, de música en un solo lugar. Acceso a lo más escuchado, a lo más nuevo y a la bandeja de entrada.

Spotify para iPad está disponible para suscriptores Premium del servicio (10€ al mes) que estén en Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Noruega, Francia, Países Bajos, Dinamarca, España , Austria, Bélgica y Suiza. Se puede descargar de forma gratuita desde la App Store.

Loudlee ha lanzado una nueva plataforma de música online que algunos llaman el Pinterest de los vídeos musicales. El servicio es gratuito basado en YouTube que permite crear fácilmente listas de canciones o escuchar y ver álbumes completos. La aplicación se encuentra en beta  y está bastante limitada en funcionalidades, pero la verdad es que ofrece un gran interfaz de usuario, bonito y fácil de usar.

Por el momento las sugestiones de vídeos se basan en nuestro perfil de Facebook y los vídeos compartidos allí por nuestros contactos, pero la plataforma está orientada más hacia la creación de listas (playlists) que al descubrimiento casual de nueva música. Las listas se pueden compartir fácilmente en Twitter, Facebook y Tumbler.

La principal ventaja es que está disponible allí donde YouTube esté disponible, con lo que ofrece una alternativa a Spotify en aquellos países en los que no se puede tener acceso a éste.

Entre las novedades previstas la más interesante y sencilla puede ser la reproducción a pantalla completa, con lo que se podrían utilizar las listas de una manera más interesante en fiestas y clubs.

Los artistas nuevos que quieran estar en la  plataforma tan solo tienen que crear su canal en YouTube y comunicárselo al equipo de Loudlee.

Loudlee (pronunciado laudli) está basada en Israel- cómo la radio social  Serendip.me- y compite directamente con Twusic, la startup belga de creación playlists en YouTube a través de Twitter.

Puesto que ni la capacidad de disfrutar ni la de producir notas musicales tienen la menor utilidad para el hombre en sus hábitos cotidianos, hay que clarificarlas entre las facultades más misteriosas de las que está dotado. Charles Darwin

La música como cultura

La música es un producto cultural universal. Los instrumentos musicales más antiguos tienen más de 35.000 años. Los niños la aprenden sin dificultad. Aunque las distintas músicas suenen muy diversas, en realidad contienen muchos elementos comunes. Todas las las culturas cantan, tocan tambores y bailan y hay muchos conceptos iguales como el ritmo, el baile, el tono musical, las escalas, la repetición de estructuras y los cambios de timbre para expresar emociones.

¿Es tan generalizada la música como para decir que es universal? ¿Y si es universal, está en nuestros genes?

En realidad, 35.000 años es un suspiro en la historia evolutiva humana. Aunque se trata de más de 1.000 generaciones, solo supone un 0,1% del tiempo que los mamíferos llevan sobre la tierra. Todo el mundo aprende a hablar pero no todo el mundo aprende a cantar. Algunos no son capaces de reproducir las canciones más comunes y muy pocos aprenden instrumentos. La música es muy común, pero no tan universal como el lenguaje.

Hemos nacido para escuchar el lenguaje y los sonidos musicales suenan parecidos al lenguaje. Los bebés prefieren el lenguaje y le prestan mas atención que a la música. Los músicos son grandes ingenieros que construyen cosas que la gente quiere, con cerebros que evolucionaron antes de que la tecnología existiera. Hay grandes áreas del cerebro que se activan con la música, pero no están dedicadas a ella. La música, la lectura o los videojuegos usan regiones que ya tenían otras funciones.

Los genes de la música

En otro lugar, Darwin dijo:

Existen pocas dudas de que el orador apasionado, el bardo o el músico, cuando con sus variados tonos y cadencias excita las más intensas emociones de sus oyentes, usa los mismos mecanismos por los cuales sus antecesores medio humanos levantaban en el otro ardientes pasiones durante el cortejo y la rivalidad.

Los beneficios reproductivos son claros. Los músicos atraen más a las parejas sexuales que los no músicos. También se ve en otras especies: canciones de los insectos, ranas, pájaros, ballenas y gibones. Aunque en general solo cantan los machos, en la especie humana los dos sexos cantan. Ambos son exigentes para buscar una relación duradera que es la que da más hijos. Ambos usan arte, bromas, música o virtudes morales. En algunas otras especies, pocas, los dos sexos cantan como algunos pájaros y gibones.

Dado que somos los únicos grandes simios con aptitudes para el ritmo y la melodía, es probable que sea una adquisición reciente y no haya áreas cerebrales dedicadas a la música. Las áreas musicales en los humanos se superponen con otras habilidades. Como involucran muchas regiones, se entiende que alguien dotado para la música tiene un cerebro en general bien estructurado y merece la pena para su pareja sexual. Además, el contenido de las canciones versa en general sobre amor, algo que parece indicar que es la atracción sexual y el romanticismo una de sus bases, algo que no se ve tanto en otras creaciones culturales.

Pero, ¿se han encontrado genes musicales?

No hay muchas investigaciones sobre genes y música. Como una habilidad general, no se puede encontrar un gen específico que explique la música sino miles de genes. Los que se han encontrado, están también relacionados con otras habilidades humanas no musicales.

Puede haber dos tipos de genes. Unos relacionados con el talento musical. Dado que hay más de medio millón de bases de ADN relacionas con la inteligencia general, un número grande debe estar relacionado con el talento musical.

Los genes relacionados con la la capacidad humana no presente en otras especies deben de ser muy pocos. Si descubrimos que existen en el hombre y en el Neanderthal, sabremos que los genes musicales han aparecido en los últimos 200.000 años, cuando nuestras especies se separaron.

El apasionado debate está lejos de concluir y muestra un hecho sorprendente: la música es omnipresente en nuestro mundo pero apenas ha sido estudiada biológicamente.

¿Y tú, qué opinas? Es la música un producto cultural como otros o nacemos predispuestos a la música.

Nadie puede negar que, hoy en día, la distribución de contenidos ha cambiado sustancialmente y algunos modelos de negocio, como los de la industria musical, se han vuelto obsoletos. Por mucho que las discográficas y las entidades gestoras de derechos de autor intenten poner un cerco a la red y consigan sentencias como la que se ha dictado en Alemania que fuerza a YouTube a instaurar un filtro que evite que los usuarios suban vídeos musicales, la red seguirá promoviendo otras alternativas. El colectivo Anonymous, del que hoy conocíamos que iba a construir su propia versión de Pastebin, parece que tiene intención de acometer el desarrollo de otro sitio web alternativo y relacionado con la distribución de contenidos musicales: Anontune, una plataforma social de música.

Anontune es un servicio web que ofrece contenidos musicales procedentes de terceros, como YouTube, y en el cual los usuarios pueden crear sus propias listas de reproducción, compartirlas, en definitiva, realizar las mismas acciones que en plataformas de streaming de música con características sociales (como Spotify). El servicio, que a priori me recuerda a SpoTube, surge como respuesta a las trabas que la industria musical pone a la expansión de servicios de streaming de música en la red y demostrar a organizaciones como la RIAA que existen alternativas viables.

La idea es que si todos las canciones son fácilmente accesibles desde una plataforma centralizada y amigable para el usuario sería posible evitar la necesidad de piratear contenidos musicales

Según apuntaban en Wired, el proyecto comenzó a fraguarse como idea a finales de 2011 pero no fue hasta el pasado mes de febrero cuando comenzó el desarrollo y, actualmente, ha tomado cuerpo en forma de un prototipo que puede utilizarse. Anontune toma como base los contenidos publicados en YouTube y SoundCloud, aunque está previsto que también utilice los de Yahoo! Music, Myspace Music y Bandcamp entre otros, a los que accede mediante un motor de búsqueda que, a su vez, busca en estos servicios de manera anónima para el usuario. Por tanto, el usuario realizará las búsquedas en la plataforma y recibirá como resultados contenidos de estos servicios de terceros de una manera mucho más optimizada y ordenada que los resultados que podemos encontrar en YouTube.

Por primera vez en la historia, una alternativa legal podría ser mejor que la piratería. No habría razones para que existiese la música pirata, sería algo redundante. […] Hacer que la música esté accesible de manera online sería suficiente

El proyecto está ejecutado aproximadamente al 20% y presenta un interfaz algo rudimentario pero funcional y permite operar con las búsquedas. ¿El problema? Es importante tener en cuenta que el acceso a este sitio web requiere la ejecución de un Applet de Java y, por tanto, habría que pensarse dos veces si queremos ejecutarlo en nuestro equipo. De todas formas, la idea es bastante curiosa y deja bastante claro que existen modelos de distribución de contenidos musicales alternativos que podrían explorarse si la industria quisiese.

Si estás preocupado porque no tienes espacio en tu hogar y tu colección de discos compactos junta polvo sin que la utilices, no debes preocuparte más Amazon te la compra. La empresa extiende su servicio de trade in que incluía compra de libros, películas, series, videojuegos y electrónica, desde ahora comprarán también tus CDs musicales usados dándote a cambio algunos dólares en tarjetas de regalo.

Para poder realizar uno de los envíos de tus discos es necesario entrar a la sección especial para compra de usados dentro de su web. Allí se selecciona la opción de música entre las categorías mencionadas anteriormente, luego realizamos una búsqueda que dará como resultados todos los discos de un artista, cada uno con distinta cotización para la compra. Una vez seleccionado lo que queremos enviar debemos seleccionar el método de envío y ya completamos toda las formalidades.

Los precios pueden ser bastante variados pero oscilan entre los 0,50 centavos de dolar y los 10 dólares aproximadamente. Por ejemplo, un disco de Paul McCartney como Flowers in the Dirt está a 0,45 centavos, mientras que Kisses on the bottom está a 2,40$, discos más éxoticos rondan los 6$ una colección de más CDs del mismo autor lo tomarán a 11$. Otro ejemplo pueden ser los discos de Julio Iglesias que no superan los 4 dólares.

Hay que tener en cuenta que no toman todos los productos, estimo que la posibilidad de aceptar o no un producto y el precio debe funcionar con una rigurosa fórmula matemática relacionada con las búsquedas del mismo en la tienda, lo cual convierte la transacción en algo bastante lógico. Lo bueno es que uno puede ver fácilmente el precio de venta que tiene el producto que quiere cambiar lo cual ayuda para ver si el precio ofrecido es bueno.

Como detalle, en las condiciones de esta transacción dejan la posibilidad abierta a que la cotización brindada inicialmente no sea la que finalmente pagarán, esto puede darse principalmente porque los productos no estén en las condiciones especificadas. En ese caso Amazon se comunicará con el vendedor para realizarle una contraoferta, si decide aceptarla se concreta la venta, en cambio si la rechaza el paquete será enviado de nuevo sin costo alguno para el usuario. Si la empresa considera que tus discos están en mejor estado del que dijiste automáticamente te darán un valor mayor. El monto máximo que se puede hacer por envio es de 750 dólares y por ahora el servicio está disponible sólo en los Estados Unidos pero si funciona probablemente veamos algo similar funcionando pronto en Europa.

En su plan para convertirse en el servicio de facto de consumo y reproducción de música, para el que poco le queda ya, Spotify acaba de lanzar una nueva característica que permitirá embeber todas las canciones de su inmenso catálogo musical en diversos servicios como Tumblr así como en páginas webs y blogs.

Aunque requiere tener la aplicación abierta corriendo en segundo plano para ejecutarla esto permite poder reproducir prácticamente desde cualquier lugar todo el contenido del servicio. Es una característica que probablemente haya jugado un papel fundamental en el éxito de otros como SoundCloud, GoEar o incluso YouTube, donde el contenido se descontextualiza de la aplicación o servicio en sí para poder se accedido desde cualquier parte.

Hasta ahora lo más parecido que habíamos visto es en Facebook desde la integración que anunciaron el pasado junio donde también aparece una miniatura con un botón de reproducción que al ser pulsado lanza la aplicación y la canción correspondiente. Para habilitar el botón simplemente hay que ir a la página habilitada para tal efecto, copiar el código URI de la canción (haciendo clic derecho sobre cualquiera de ellas en la aplicación), ajustar algunas opciones como el color de la interfaz, la imagen del álbum y el ancho del botón, copiar el código y embeberlo.

Kinect es un dispositivo que fue concebido para cambiar nuestra forma de jugar a videojuegos pero que, al final, ha cambiado la forma que tenemos de interactuar con muchos otros sistemas ya que se ha convertido en el eje principal de múltiples proyectos relacionados con la captura de movimientos y la visión artificial. Asistentes de aparcamiento, sistemas holográficos o aplicaciones de telepresencia son algunos ejemplos de hacks de Kinect que hemos ido conociendo desde que se lanzase este dispositivo de Microsoft. En Australia, el compositor Chris Vik también ha estado trabajando con Kinect y ha desarrollado un hack con el que poder tocar instrumentos mediante la captura de movimientos y para comprobar su funcionamiento dio un recital, aplicando su sistema, a un órgano que fue construido hace 83 años.

El órgano del Ayuntamiento de Melbourne fue construido en 1929 tras haberse destruido en un incendio en 1925, mide 9,75 metros de alto (aproximadamente la altura de un edificio de 4 pisos) y consta de 6.024 tubos por los que circula aire generado por dos motores eléctricos y son controlados por 3.000 imanes y 32.000 contactos eléctricos que se unen por 483 kilómetros de cable. Este instrumento tan grandioso estuvo a punto de perderse, a mediados de los años 90, por una mala conservación pero gracias al empeño de un comité ciudadano el órgano fue restaurado y, por increíble que parezca, se le añadió soporte MIDI durante los trabajos.

He desarrollado mi propio software Kinectar que permite el uso de Kinect para controlar dispositivos MIDI e interpretar notas mediante gestos y movimientos. El órgano del Ayuntamiento de Melbourne fue restaurado a finales de los 90 y le añadieron soporte MIDI… Esto fue lo que ocurrió…

Gracias al soporte MIDI del órgano, Vik organizó en noviembre un recital-demostración para mostrar el sistema Kinectar en funcionamiento y poder enseñar, en vivo, cómo funcionaba este sistema para el control dispositivos MIDI mediante gestos usando Kinect como sistema para la captación del movimiento del músico. En su demostración, Vik interpretó una composición original y se acompañó de la voz de la cantante Elise Richards, algo que podemos ver en el vídeo que el músico ha colgado en su blog presentando este sistema con el que lleva trabajando un año y que se distribuye de manera gratuita.

Esta no es la primera demostración de Kinectar que hace Chris Vik puesto que, hace apenas un mes, publicó en su blog un curioso vídeo en el que el bailarín Paul Walker usaba este sistema para improvisar el acompañamiento musical de sus movimientos y así probar la aplicación práctica de Kinectar en el contexto de la danza.

Un proyecto bastante curioso.

Desde que Spotify cambió las condiciones de su servicio gratuito y aplicó limitaciones al número de reproducciones a las canciones, muchos usuarios pusieron los ojos en Grooveshark para poder tener acceso a música en streaming de manera gratuita y sin demasiadas limitaciones. Este servicio siempre ha estado en el punto de mira de las discográficas y, por ejemplo, EMI y Universal Music han emprendido acciones legales y la Organización Alemana para los Derechos de Autor (GEMA) ha conseguido que se cierre el servicio en Alemania. Parece que, tras estar contra las cuerdas, los responsables del servicio se han replanteado su modelo de negocio y han anunciado que Grooveshark se convertirá en un servicio de pago al cual los usuarios se suscribirán y abonarán una cuota.

Así lo han comunicado en la web del servicio a los usuarios registrados, a los cuales les ha salido una ventana con lo siguiente:

Nuestra visión de Grooveshark nunca incluyó la posibilidad de cargar con una cuota al usuario pero el aumento de los costes nos puede obligar a cerrar el servicio en tu país tal y como ha ocurrido en Alemania.

Necesitamos tu apoyo. Con la idea de permanecer abiertos, solicitamos a los usuarios que abonen 4 dólares al mes para acceder al servicio de Grooveshark.

Con vuestra ayuda podremos continuar operando en tu país con millones de canciones, listas de reproducción, favoritos, artistas destacados y todas las demás cosas que te gustan de nuestro servicio.

Gracias por apoyarnos y entenderlo.

Grooveshark

Es decir, que por 4 dólares (poco más de 3 euros), los usuarios podrán acceder al servicio de Grooveshark como hasta ahora dejándose de prestar de manera gratuita. ¿Y a qué se debe este cambio en las condiciones del servicio? La respuesta es bastante sencilla: las compensaciones económicas que solicitan discográficas y demás entidades satélites del negocio de la música. En el caso de Alemania, Grooveshark tuvo que sopesar si continuar el servicio o cortarlo en base a los costes de operación que resultaban de las tasas que debía abonar a la industria musical y, al final, las cuentas no salían por lo que lo más ventajoso, desde el punto de vista económico, era cerrar.

De todas formas, con esta medida surgen algunas incógnitas y, por ejemplo, aún no está claro en qué países se va a aplicar esta media o, por el contrario, es algo de corte generalizado (por ahora sabemos que Finlandia, Irlanda y Rusia son algunos de los países afectados) y, por otro lado, tampoco sabemos si los usuarios que ya pagaban por el acceso al servicio verán aumentada su cuota (que era de 6 dólares al mes) o si se igualará con la del resto de usuarios.

Lo que sí que parece claro es que este cambio es un duro varapalo para un Grooveshark que no esperaba tener que dar este golpe de timón y que, seguramente, pueda afectar en primera instancia a sus planes de negocio porque decisiones como ésta pueden encontrarse con el rechazo de los usuarios y la marcha de éstos a otros servicios (un gran problema si Grooveshark necesita una masa crítica de usuarios para ser rentable con estas nuevas condiciones de operación).

Imagen: Simplyzesty

La noticia se ha filtrado una vez que se ha puesto en marcha el juicio contra dos jóvenes, James Marks (de 26 años) y James McCormick (de 25 años), acusados de violar la seguridad de la compañía y hacerse con el “botín”, unos 50.000 temas digitales. Ambos han sido absueltos este fin de semana al negar los cargos y ser puestos en libertad bajo fianza.

En el 2010 Sony se hizo con el patrimonio musical de Michael Jackson (nueve meses después de su muerte), el considerado hasta ahora como el acuerdo comercial más grande la historia, por un valor de 250 millones de dólares. Un negocio que le daría a la compañía a partir de entonces el derecho a vender el catálogo completo del artista así como el conjunto de temas inéditos. El acuerdo incluía también la explotación de todos los derechos de la música de Jackson en películas, videojuegos o anuncios de televisión.

Hoy se sabe que entre esos temas inéditos existe al menos una nueva colaboración a dúo con Freddie Mercury y otra con el rapero de Black Eyes Peas. Will.I.AM. Otro conjunto de temas inéditos formarían parte de las sesiones de estudio cuando se grababan Off The Wall, Thriller y Bad. También se sabe que el incidente tuvo lugar hace menos de un año, en abril, cuando se produjeron la serie de ataques a la PSN donde se robaron alrededor de 77 millones de datos de los usuarios.

Aunque Sony no ha querido aclarar la cantidad, según varios medios que se han puesto en contacto con fuentes internas a la compañía se trataría de todo el material que compró la compañía. Material del que podemos hacernos una idea de su valor en el mercado y del que muy probablemente esperaban sacar poco a poco. Ese material no ha salido aún de forma ilegal, pero aún peor y como muchos apuntan, la compañía vuelve a quedar en muy mal lugar, en este caso frente a los propios artistas, quienes se preguntaran si es seguro confiar en Sony.

Muchas veces me pregunto cuándo exactamente es que perdieron la razón. Hoy encontré algunas pistas en el blog de Smithsonian Institution que publicó un archivo de publicidad de la American Federation of Musicians, una unión de profesionales de la música dedicada a defender el rancio modelo de pago de regalías, desde 1896.

En 1930 esta asociación creó un grupo paralelo (tal y como las sociedades de gestión lo siguen haciendo hoy en día) para detener el avance de la música grabada y el auge de los fonogramas, argumentando que no había interés en los artistas, sino solo en el negocio, algo que por cierto, no ha cambiado. En fin, la inversión de 500,000 doláres se enfocó a demandar que el público exigiera que humanos ejecutarán en vivo en las salas de cine.

No, claro que no, estas personas no tenían concebían en su mente el concepto de sincronización de audio que requería la proyección de películas que dejaban de ser mudas, gracias al fonógrafo de Edison — quien por cierto, operaba el monopolio de la producción cinematográfica— pero eso es otra parte de la misma historia de tensión social por el control de la circulación cultural.

Es importante reconocer que la tendencia a distorsionar la realidad por parte de los lobbys de las industrias culturales no es algo nuevo, estas imágenes demuestran que al parecer desde sus inicios se han empeñado en retratar a cualquier tecnología que amenaza sus intereses como un “peligro”. En una edición de 1931 de Modern Mechanix, el presidente de esta asociación, Joseph N. Weber, declaró que el alma del arte estaba en peligro en esta guerra contra las máquinas:

El momento se acerca rápidamente cuando la única cosa viva alrededor de las salas de cince será la persona que vende los boletos. Todo lo demás será mecánico. Drama enlatado, música enlatada, variedad enlatada.

Esto es exactamente el negocio de los monopolios culturales el día de hoy: cultura enlatada. Y es que desde siempre su objetivo a sido enlatar la cultura, tenía toda la razón el Sr. Weber en este punto. Lástima que en este siglo las asociaciones de defensa de la música (que no necesita que nadie la defienda) están completamente estancadas en la persecusión de sus público para defender latas en un mundo de bits.

Creemos que el público se cansará de la música mecánica y van a querer the real thing. No estamos en contra del progreso científico de ninguna forma, pero no debe de venir a costa del arte. No nos oponemos al progreso industrial. No nos oponemos a la música mecánica, excepto a que sea utilizado como instrumento de negocio en detrimento de su valor artístico.

Sí claro, la RIAA hoy en día dice lo mismo. La onda es que siempre han querido todo, son insaciables. No existe ni ha existido una innovación tecnológica que no haya cambiado a la sociedad, sus medios de producción y sus formas de creación. Además el valor del arte no equivale a un precio de venta o pago de regalía. El “valor del arte” es algo personal. En cuánto a la “música mecánica”, y que hoy es no más que un chiste, lo interesante es ver que los lobbystas nunca han entendido que la cultura no se crea por combustión espontánea ni solo por medio del dinero,es un proceso. Incluso un algoritmo que genera música es escrito y ejecutado por un humano. Entiendo que hace 100 años este señor no lo entendiera, pero hoy seguimos escuchando el remix RIAA de las mismas tonterías…

Sí este señor hubiera presenciado el florecimiento de la música electrónica en los noventas yo creo que le hubiera dado una embolia. A mi KaosPad seguramente le hubiera llamado satanismo. Ni que decir de maravillas como la música de Blondes, un álbum (no un disco, esos ya no existen en el siglo XXI) que me compre en Beatport hace unos días, —claro que solo después de haberlo descargado y decidir que vale mucho la pena.

El problema no es que la industria haya nacido bajo shock tecnológico, el problema es que aún no lo hayan superado.Curiosamente, hoy en día, se defienden las copias de grabaciones como si fueran en realidad la esencia de la música. Y esto es porque la tecnología también cambió su discurso mercantilista. Sin embargo, su fin no ha cambiado como tampoco su histórico miedo a la tecnología y su distorsionada lectura de la compleja relación que existe entre la creación, la reproducción y la distribución cultural.

El negocio de la explotación de obras y regalías del siglo XX fue más un asunto de canibalismo y explotación, que de creatividad. Ya sea Edison, los músicos que luchaban contra los robots, la RIAA o la MPAA — al parecer desde siempre esta industria ha estado estancada en un modelo basado en crear todas las condiciones de escasez posibles para poder comerciar. Ahora esto es imposible y cada vez lo será más, lo cual es una ventaja directa para los creadores.

Aunque últimamente declaren que ellos también quieren al internet pero que los trucos sucios funcionan, la realidad es que las leyes que promueven los neoluditas de la industria demuestran que sí bien no odian a las máquinas, parece que sí al internet. El problema es que son los únicos y son completamente irrelevantes para el flujo de distribución cultural en el siglo XXI, de hecho solo sirven para obstruírlo.

Lo que sigue siendo motivo de preocupación al final del día son los cerebros que llevan enlatados casi ya cien años y pretenden que toda la sociedad se adapte a su caduca visión. De la misma forma que los luditas anti-fonogramas y robots, entendieron que se puede ejecutar música en vivo, grabarla y recibir regalías por ello. Esperemos que, eventualmente, nuestros neoluditas entiendan — como muchos ya — que el copyright no es una condición para crear algo, reconocer su autoría, compartirlo e incluso vender copias de dicha obra y recibir dinero a cambio. Es muy simple.

Los dejó con mi imagen favorita de la campaña contra los robots:

Imágenes vía Smithsonian Magazine

Quizás muchos no conozcan al músico por su nombre, pero sin duda han estado en contacto con su trabajo en muchas ocasiones, probablemente conozcan más temas suyos que de la mayoría de artistas. El creador de la música de La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y Jurassic Park cumple 80 años.

Williams es sin duda uno de los compositores musicales más exitosos del último tiempo, aprovechado al máximo por la industria de Hollywood es uno de los que construyó el clima de algunas de las películas más importantes de la historia. Su obra comenzó hace más de 50 años y todavía tienen vigencia. El artista sigue en actividad, de hecho, ha compuesto la música de War Horse y de Las Aventuras de Tintin recientes estrenos de Steven Spielberg ambos trabajos que le han valido la nominación a los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas com mejor trabajo original para una película.

Entre su lista de trabajos como compositor se encuentra una asombrosa cantidad y variedad de películas:

• The adventures of Tintin
• La saga de Indiana Jones
• La saga de Star Wars
• War of the Worlds
• Memorias de una geisha
• La saga de Harry Potter
• Minority Report
• Inteligencia Artificial
• JFK
• Jurassic Park
• El imperio del sol
• E.T.: El extraterrestre
• Solo en casa
• Superman
• Encuentros en la tercera fase

En su palmarés tiene 5 premios Oscar, uno por trabajo adaptado y otro por música original, los premios le vinieron por El violinista en el tejado, Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y La lista de Schindler, es también la persona viva que más nominaciones ha recibido. También ha ganado 4 Globos de Oro y 20 Grammys Además compuso la música para 4 Juegos Olímpicos, para Los Angeles 84, Seúl 88 y Atlanta 96 a eso se le suma el de los juegos de invierno en Salt Lake 02.

El reconocimiento más grande en su haber probablemente sea el que le otorgó en 2005 el American Film Institute seleccionando a las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Un jurado de más de 500 artistas, compositores, historiadores y críticos eligió la banda sonora compuesta para la saga Star Wars como la más memorable de la historia. Sin duda compartimos plenamente el gusto del jurado de AFI, es una banda sonora que ha marcado a muchos de nosotros.

Este video es un tributo que repasa sus más grandes obras:

Foto (cc): Wikimedia Commons

Lo que vemos sobre estas imágenes es el último e imaginativo vídeo que han lanzado OK Go para promocionar el tema Needing/Getting. Video clip oficial con el que continúan en la misma línea de sus anteriores trabajos, ofreciendo una pieza brutal de imaginación donde un coche realiza las labores de “producción”.

Para esta ocasión han contado con Brian L. Perkins y Damian Kulash en materia de dirección. Un vídeo donde el conjunto ha colaborado con la marca Chevrolet para la creación de hasta 1.000 instrumentos en un recorrido de más de 2 kilómetros a las afueras de Los Ángeles.

Un Chevy Sonic al que se le ha “equipado” con todo tipo de gadgets con el único fin de que pudiera tocar los instrumentos a su paso. Una especie de directo (aunque es muy probable que se grabara en varias tomas) donde el grupo cantaba al paso de los equipos.

En la página oficial de OK Go cuentan que la pieza les llevó 4 meses de preparación y 4 días de rodaje y grabación. El mismo Damian, cantante del grupo, afirma que necesitó de clases de conducción para la realización.

Un ejemplo de la magnífica construcción del vídeo es el detalle de cada uno de los instrumentos. Desde la amplificación de las guitarras hasta el sonido de cada piano, los cuales tienen cada octava más baja en sintonía con la misma nota sin importar donde fueran “golpeadas”.

Cuando parecía que era imposible que nos volvieran a sorprender, OK Go vuelven a lanzar una pieza viral que seguramente será reproducida una y mil veces en los próximos días.

Van Dyke Parks, músico, compositor y letrista, trabajó codo con codo con Brian Wilson para el futuro álbum de la banda Smile. Se grabaron muchísimos fragmentos del mismo, canciones extensas sin terminar con instrumentos donde Wilson las fusionó de varias maneras y con diferentes versiones. Incluso el propio Wilson le llegó a comentar al letrista que re-escribiera Good Vibrations aunque este último desistió del proyecto.

Finalmente Smile quedó en un trabajo inacabado una vez que Wilson lo abandonó. Un proyecto que el año pasado se rescató aunque está registrado en 1966 y con el que comienza la historia de Erik den Breejen estos días.

Breejen se propuso una serie de pinturas inspiradas en el álbum, arte inspirando a arte podríamos pensar. Una serie de cuadros donde transformaba las letras en colores brillantes con bloques de texto, labios o incluso olas (en referencia al propio grupo). Tras acabar el trabajo y conseguir una exposición en una galería para mostrar las obras, Breejen se quiso poner en contacto con Park pensando que el resultado le agradaría.

Unos días más tarde de conseguir el contacto del letrista, este le respondió con otra carta “menos” entusiasta. Una misiva donde le venía a comunicar que o desistía de la galería o se metería en problemas.

Según cuenta el dueño de la galería, Nick Lawrence:

En la carta a Breejen de Parks parecía ofendido personalmente… parecía molesto porque no fue consultado de antemano sobre la exposición, lo que se puede llegar a entender. Pero en términos justos, creo que es algo exagerado.

Viéndolo con algo de perspectiva, estamos hablando de una serie de cuadros que toman fragmentos de la obra de los Beach Boys para transformarla en otra obra, muy lejos del propósito de original de las letras, que no es otro que texto para canciones.

Lawrence añadió sobre el tema que:

Si estuviéramos hablando de Andy Warhol o una celebridad la que lo hiciera, tendría un tratamiento muy distinto, pero Erik es simplemente un artista emergente, además, la exposición sólo tiene la mitad de los cuadros donde se incluyen parte de las canciones de Park.

Finalmente se ha sabido que en vez de defenderse con sus abogados, Breejen ha intentado un acercamiento con el letrista para negociar un acuerdo fuera de los juzgados. A Parks se le ha acreditado estos día como parte del trabajo en los propio folletos de la galería, por lo que es muy probable que haya pasado a ser colaborador (y por tanto con derechos a porcentajes de los ingresos que generen las obras).

Quedará entonces la duda de saber a qué tipo de acuerdo se ha llegado pero por encima de ello cabe preguntarse si es o no justo que ocurran situaciones como la vivida por el artista. En este caso, la justicia parece que se ha medido a través de un posible y costoso juicio. Quizá la letra del propio tema de Park sea la mejor forma de acabar esta entrada, Heroes and Villains… del álbum Smile:

Después del desembarco oficial de iTunes Match en Canadá y Reino Unido el pasado diciembre Apple acaba de lanzar su servicio para sincronizar canciones de la biblioteca de iTunes en la nube iCloud en otros 19 países latinoamericanos y europeos llegando a un total de 37.

En el caso de Latinoamérica, donde hasta hoy solamente estaba disponible en México y Brasil, los nuevos países que desde ahora pueden disfrutan de iTunes Match son:

• Argentina
• Bolivia
• Chile
• Colombia
• Costa Rica
• República Dominicana
• Ecuador
• El Salvador
• Guatemala
• Honduras
• Nicaragua
• Panamá
• Paraguay
• Perú
• Venezuela

En el caso de Europa los países para los que se ha añadido soporte en iTunes Match son:

• Estonia
• Letonia
• Lituania
• Países Bajos

Así que buenas noticias para todos los que residen en esos territorios ya que desde ahora podrán disfrutar del servicio, que recordemos permite acceder a nuestra biblioteca musical de iTunes desde cualquier dispositivo iOS a través de la nube de Apple (iCloud). Además la herramienta no solamente sincroniza canciones adquiridas vía iTunes Store -por cierto recientemente también abrió en varios países de América Latina-, tiene en cuenta cualquier pista sea cual sea su procedencia. En el caso de las canciones que se encuentren en la base de Cupertino, estas serán accesibles con calidad de 256-Kbps AAC sin DRM desde la nube de la compañía. Las que no se encuentren en la base se subirán a la red automáticamente.

El precio del servicio es de 24,99 dólares anuales y si quieres más información sobre él, recomiendo leer el post “iTunes Match: todo lo que tienes que saber del nuevo servicio de música” de nuestros compañeros de AppleWeblog.

The Pirate Bay es y siempre ha sido un servicio de difusión cultural, lo cual se reitera una vez más con el anuncio en su blog de su aparato de promoción cultural: The Promo Bay.

Así como muchas veces, TPB utiliza su banner para dar atención a leyes de censura en internet o promover artistas que les gustan, también lo harán para promover a todo aquel interesado en utilizar su área de banner para promocionar bandas musicales, películas, libros, etcétera.

Qué mejor forma que utilizar el tráfico de uno de los 100 sitios más visitados del mundo que compartirlo con una enorme comunidad creativa que entiende que el copyright no tiene absolutamente nada con la creatividad y la circulación cultural.

De acuerdo a las pequeñas reglas que anuncian, parece que The Promo Bay difundirá material de forma regional, utilizando banners en su página principal (los cuales prefieren se almacenen en BayImg:)

Escribe 3 países máximo en donde quieres que tu doodle sea visto. Si escoges países más pequeños puede incrementar tus chances,ya que asumimos que los países más grandes tendrán más demanda. Si creemos que tu material es espectacular, tal vez lo publicaremos mundialmente.

Incluye un link a tu sitio, tu Bandcamp, YouTube, Myspace (¿existe alguien que sigue usando esta basura?). Esta es la forma en la cual dirigiremos a la gente que de click en el logo de nuestra página inicial.

Por favor trata de vender cd´s, playeras o algo divertido, pero no únicamente. Esto no es únicamente para hacerte rico.

Y es que la cultura no es únicamente un negocio, y quién lo crea así, a lo mejor The Promo Bay no es realmente para ellos.

La realidad es que en el internet hay lugar para todos, para la cultura puramente comercial y para la cultura independiente, el problema es que algunos necios con cero visión, crean que se necesitan leyes para imponer solamente el decadente modelo de la industria. Pero todos aquellos que estamos interesados en reclamar la cultura como un bien común, celebramos mucho esta gran noticia.

Obviamente, Metallica no podrá usar este servicio. Pero todos los y las escritores, músicos, cineastas, ilustradores y todo aquel interesado en hacer circular su material cultural para darse a conocer, definitivamente, este es un servicio de promoción simple, gratuito y libre que hay que aprovechar. Solamente tienes que utilizar esta forma.

Diseminar cultura es crear cultura.

La empresa conocida internacionalmente por hacer streaming de música gratuita por internet ha dado un paso importante hacia conseguir estar presente en todos los dispositivos. En su blog han anunciado el rediseño de su plataforma utilizando HTML5 con lo que evitarán las barreras impuestas por tiendas de aplicaciones.

Este logro es importante debido a que la compañia ha estado luchando hace tiempo por conseguir que su app sea aceptada en la Apple Store y en la Android Store pero bajo el argumento que no respeta sus términos y condiciones. Aún asi, la aplicación se encuentra lista para ambos casos, en iOS sólo usuarios que hayan hecho el Jailbreak tienen la posibilidad de descargarla a través del Cydia. Grooveshark en HTML5 significaría el fin de esta batalla, permitiendo que cualquiera pueda utilizar el sistema sin mayor esfuerzo, sólo es necesario que accedan desde su móvil y está listo para funcionar.

La web utiliza sistema peer to peer para compartir el contenido, el usuario puede crearse una lista de temas favoritos o utilizar las Grooveshark radios con la cual automáticamente se arma una lista basado en el historial y los gustos de cada uno. Además contiene algunos servicios pagos con los cuales se puede evitar la publicidad, descargar temas o usar una aplicación especial. Lo que lo distingue de otros servicios similares de la web son su amplio catálogo, su funcionamiento y un modelo de negocio en el cual se comparten los beneficios económicos con los usuarios que suben los temas.

Tengan en cuenta que están en periodo de beta, por lo que no tiene todas las funciones disponibles y aún se encuentran ajustando tuercas para que todo ande bien. Por ahora sólo podremos buscar los temas, usar estaciones de radio o seleccionar temas populares. Aunque quedan muchos más dolores de cabeza para Grooveshark esperamos que pronto tengan toda su plataforma corriendo bajo el protocolo HTML5.

Julio Iglesias es uno de esos pocos cantantes que forman parte de la actual élite de la industria musical, la mayoría de los cuales justamente por esa posición de privilegio rechazan todo lo que suena a cambio y defienden con inusitada fiereza legislaciones estúpidas como la Ley Sinde española ya que nacen precisamente para, entre otras cosas, blindar al obsoleto sector (que consigan el objetivo es otro tema). Pero no es el caso de Julio.

A diferencia de muchos de sus compañeros, por un lado al consagrado intérprete le encanta el mundo digital y por el otro y lo más inusual, hace una lectura positiva de las mal llamada en muchos casos “piratería”. Eso es lo que se desprende de sus declaraciones más recientes.

En respuesta a la pregunta de que tal se llevó con el mundo digital al volver a grabar sus clásicos contestó:

Primero me sorprendió la idea de tener en una habitación pequeña un estudio que me comunicaba con una grabación de manera tan rápida. Es increíble poder reunir en un disco diez años de tu vida artística. Me encontré con una mayor facilidad para poder interpretar una canción en tres minutos con más solidez en la voz y justeza en las palabras de aquello que escribí hace cuarenta años. Iba a casa, apretaba un botón, se abría una pantalla donde estaba la música, tomaba un micrófono y volvía a cantar el tema que antes me costaba dos días grabar

Y a la pregunta de qué significa ser el artista latino que más discos venden cuando el disco como tal parece estar en extinción respondió:

Primero no tengo más que palabras de agradecimiento. Y la verdad, no me molesta que me pirateen porque así llega el disco más barato a quienes no tienen dinero. Soy democrático desde que me parieron. ¡Nací protestando, en una cesárea!

¿Hasta qué punto son sinceras sus palabras? Nunca lo sabremos. Lo que sí está claro es que este tipo de actitud es mucho más beneficiosa para todos que la que mantienen otros cantantes de renombre (¿eh, Alejandro Sanz?); da pie al diálogo, al estudio e intento de compresión de todas las posturas, factores fundamentales para poder avanzar en soluciones eficaces a los actuales problemas relacionados con propiedad intelectual, descargas e Internet.

Llevo unos días probando la nueva Radio de Spotify, una característica que sólo está disponible en la versión preview, junto con las aplicaciones presentadas hace poco y que están llamadas a revolucionar el servicio de arriba a abajo. Podría decirse que el concepto de la nueva radio de Spotify no es novedoso en varios aspectos, en primer lugar, porque ya existía una radio en la aplicación, puede que no fuese la característica más usada ni la más brillante, pero bueno, ahí estaba. En segundo porque supone una imitación del modelo con el que otros han triunfado en Estados Unidos, como Pandora o Last.fm en su día, pero mejorándolo en mi opinión de manera sustancial como vamos a ver unas líneas más abajo.

El concepto de la radio es el siguiente, escogemos un artista o una canción que nos guste y bien desde un menú desplegable dedicado a ello o bien arrastrando al icono de la aplicación en la barra lateral creamos la nueva ‘estación’ de radio. Usando el inmenso catálogo y un motor de recomendaciones que por lo que he podido ver está bastante pulido inmediatamente el sistema nos empieza a recomendar canciones en base a la que le hemos proporcionado, es tan simple como eso, escoger una canción que se aproxime a lo que nos apetezca escuchar y dejar que Spotify solo haga el resto.

Es, de hecho, una manera mucho efectiva, o por lo menos más rápida, de descubrir música que las listas de reproducción. Como muchas otras cosas, no puede admirarse en su totalidad ni ser descrita con justicia hasta que efectivamente lo pruebas. La primera vez que lo encendí, y teniendo en mente lo que venía siendo la experiencia de Spotify hasta ahora, no tenia muchas esperanzas acerca de la misma, pero después de dejar que hiciese su trabajo durante cuatro o cinco canciones seguidas tuve que quitarme el sombrero ante la estupenda selección de canciones, la mayoría escogidas en cuanto al género pero también teniendo en cuenta mis favoritos, artistas relacionados o temática, puse por ejemplo una canción de una banda sonora y empezó a recomendarme canciones de otras películas.

Hice la misma prueba con otra banda sonora y llega al punto de diferenciar las puramente instrumentales/orquestales (hizo una con Ennio Morricone y Henry Mancini para llorar de la emoción) y las vocales de artistas famosos que colaboran como Steve Tyler en Armaggeddon (de ahí me recomendó una pequeña maravilla que hizo Bryan Adams para una película de animación de Dreamworks, Spirit: Stallion of the Cimarron).

Pero por encima de su impecable funcionamiento, de que funciona extremadamente bien y que probablemente sea lo mejor que me haya ocurrido a la hora de escuchar música probablemente desde el propio Spotify, ante todo y como mencionaba en el título, la nueva radio es una declaración de intenciones. En el evento en el que hicieron la presentación de las nuevas aplicaciones (hay algunas buenísimas como TuneWiki o Moodagent que son carne de otro post) Daniel Ek, el CEO de la compañía dejó bien claro que aspiran a convertirse en la aplicación de reproducción musical por defecto, algo parecido a un iTunes de la música por streaming, una tendencia que cada vez a seguir creciendo más y más a pesar del endurecimiento no hace mucho de las características de la cuenta gratuita, con cinco reproducciones cómo máximo por canción. Con características como esta, Pandora, MOG y otros servicios que ofrecen recomendaciones por canción empiezan a verse seriamente amenazados.

En defensa de Pandora, de la que he sido fiel admirador durante bastante tiempo y usuario regular, hay que reconocerle que el algoritmo de recomendación está bastante más pulido, probablemente debido al uso, a la experiencia y a todo el background de usuarios que tienen detrás, sin embargo, falla en la libertad y flexibilidad que ofrece Spotify en cuanto a reproducción y ampliación de la canción que escuchamos. Es decir, pongamos que nos gusta una canción, podemos volver a reproducirla las veces que queramos (en Unlimited y Premium), buscar más canciones del mismo álbum, del mismo artista, géneros relacionados… todo a partir de la caja de búsqueda y con un golpe de ratón, en los otros servicios la mayoría de las veces no podemos retroceder o explorar contenido adicional con la misma libertad.

Más que como una radio tradicional o una radio basada en internet con un sistema de recomendaciones la radio de Spotify debe entenderse como una manera nueva descubrir todo el contenido que puede ofrecernos la aplicación, ya no es sólo las listas o las búsquedas específicas, es escoger una canción que nos guste y dejar que se haga el resto. Dónde pueden terminar de mejorarlo e implementarlo es en la versión móvil, donde sería un grandísimo punto a favor y facilitando más el acceso a aplicaciones de terceros (difícil eso sí por cuestiones de derechos), pudiéndolo utilizar en un Sonos, por ejemplo. Las cartas están puestas sobre la mesa y la competencia es feroz, el tiempo dirá quién se lleva la mano.

Atari Teenage Riot, una de las bandas más fascinantes del internet y sus bizarros alrededores, se unió a Anonymous para crear el video de su nuevo sencillo en apoyo a Wikileaks, titulado “Black Flags”.

Este video es simplemente el promocional para crear el video oficial de “Black Flags”, que será editado utilizando pietaje generado a través de la siguiente invitación:

Toma tu teléfono, webcam o cualquier otro dispositivo y grabate cantando esta canción. Descarga en Soundcloud.

Usa una bandera negra en el fondo o sosténla mientras cantas. La bandera negra en el leif motif que unirá todas las imágenes.

Usaremos fragmentos de todos los videos que recibamos y al final los incluíremos en el video oficial.

Si apoyas esta idea pero quieres hacerlo de forma anónima, no hay problema, cúbrete la cara.

Atari Teenage Riot llama a todo los artistas,músicos, fans y todo aquel que defiende la libertad de expresión a apoyar a Wikileaks. En tres días comienza el juicio de Bradley Manning, en donde muchos, incluyendo a Barack Obama y Hillary Clinton, tendrán que testificar..

La banda berlinesa y Anonymous no podían haber pensando en un mejor momento para volver a poner en el centro del internet, la discusión acerca del ataque a Wikileaks y sus colaboradores.

Atari Teenage Riot es una banda que siempre ha integrado sus ideas políticas en su producción musical y una vez más, demuestran el por qué son la punta de lanza del hardcore digital.

Los remixes de Black Flags ya estan disponibles en Itunes.

Más información en el sitio de ATR

Asombroso, brillante, épico… cualquier adjetivo es poco para hablar del último mashup realizado por Ithaca Audio, Walking in your Mind. La compañía consigue una pieza de audio y vídeo brillante en apenas tres minutos. Un mashup imposible donde el imaginario del estudio nos lleva de Inception a Kill Bill, de Phil Collins a Led Zeppelin o de Massive Attack a los Beastie Boys. Uno más, el tercero, donde consiguen mezclar en la misma coctelera los universos de Star Wars o Matrix con estrellas como Adele, Queen, Daft Punk o el mismísimo Michael Jackson.

Ithaca Audio es un estudio de sonido con base en Brighton. Compañía enfocada a la composición de piezas musicales para cine, televisión, publicidad o web. Han trabajado entre otros para última película de la saga Harry Potter and the Deathly Hallows part 2, aunque como muchas otras empresas similares, utilizan la web como plataforma de promoción del equipo que lo forman.

El vídeo con el que abrimos es un prodigio de técnica donde se suceden las pistas con las imágenes, ya sean directos, videoclips o scores de filmes. En este caso las nueve pistas, en orden de aparición, son:

• Hans Zimmer - Time
• Howard Blake/Aled Jones - Walking in the air
• Tomoyasu Hotei - Battle without honor or humanity
• Snoop Dogg featuring Pharrell Williams - Drop it like it’s hot
• Jimi Hendrix - Voodoo Child
• Massive Attack - Teardrop
• Beastie Boys/Jeremy Steig - Sure shot/Howlin’ for Judy
• Jay-z - 99 Problems
• Phil Collins - In the air tonight
• Max Sedgley - Happy
• Led Zepplin - Whole lotta love

Ithaca ha ido colgando en la web junto a sus trabajos profesionales varios mashups. La mayoría se trata de composiciones que les han llevado varios meses para unir el “puzzle”:

Nuestros mashups nos llevan alrededor de dos o más meses para crear. Son muchas horas buscando miles de clips en youTube que luego unimos.

Cada una de las tres composiciones que han desarrollado son realizadas a través del controlador AKAI APC40 conectado al software Ableton Live. Para esta segunda y bajo el título de Rolling in the Beasts, Ithaca utilizó hasta 24 pistas (en mi opinión, la mejor pieza de todas):

• The Prodigy - Mindfields
• Ludovico Einaudi - Nightbook
• Haddaway - What is love
• The Streets - Turn the page
• 4th Avenue Jones - Move on
• Layo & Bushwaka - Love story
• Adele - Rolling in the deep
• The Killers - All these things that I’ve done
• Death in Vegas - Aisha
• Beyonce - Crazy in love
• Felix Mendelssohn - A midsummer night’s dream
• DJ Shadow - Organ donar
• Destiny’s Child - Bug a boo
• DJ Shadow - The number song (T La Rock - Breakdown / Don Covay - Bad Luck)
• Daft Punk - Around the world
• Queen/David Bowie - Under pressure
• Aretha Franklin - Deeper love
• Peter Carpenter - The theme from Magnum P.I
• Klaxons - Gravitys rainbox (Soulwax remix)
• Michael Jackson - Scream
• The Verve - Bittersweet symphony
• Run DMC/Aerosmith - Walk this way
• Basement Jaxx - Do your thing
• Faithless - Take the long way home

Por último les dejo con Don’t hold back, just push things forward, igual de brillante (atentos a la segunda entrada).

Hace unos días nos hacíamos eco de la conferencia que se iba a celebra en Nueva York sobre Spotify, la cual anunciaban un nuevo rumbo del popular servicio de streaming de música. Pues bien, ya conocemos cuales son las novedades y no es otra cosa que la presentación de su propia plataforma de aplicaciones, llamada Spotify Apps.

¿En qué consiste esta nueva plataforma de aplicaciones? Según han anunciado en la conferencia una nueva versión de Spotify contará con acceso a aplicaciones que sean desarrollados por terceros, las cuales busquen aprovechar al máximo los servicios que ofrece actualmente el servicio ofreciendo un valor añadido para toda la comunidad.

En esta nueva aventura de Spotify se han unido una serie de socios para apoyar la llegada de las aplicaciones, entre los que se encuentran Rolling Stone, Billboard, The Guardian, Pitchfork o Last.fm entre otros.

En el vídeo de presentación, que vemos tienes disponible sobre este texto, podemos ver una idea de lo que puede llegar con esta nueva tienda de aplicaciones de Spotify, la cual me parece que con el apoyo suficiente puede suponer un empujón significativo para el servicio. Las aplicaciones no sólo podrán aprovechar toda la biblioteca de canciones que tiene disponible el servicio, sino que además podrá aprovecharse de la integración que tiene con Facebook, lo que significaría que si el desarrollador de la aplicación quiere además de interactuar con Spotify también lo podrá hacer con la red social.

Las aplicaciones tendrán que ser desarrolladas en HTML5 y en principio serán gratuitas. La elección de esta plataforma de desarrollo es muy buena, tanto el propio HTML5 como para los desarrolladores que si ven que la aplicación tiene éxito podrían portarla a otros servicios. Por no hablar de otras posibilidades que se podrían abrir en el futuro, como la posibilidad de que podamos escuchar nuestra música preferida desde la web sin necesidad de tener que utilizar la aplicación. Aunque esto último no es seguro, ya que por el momento las aplicaciones se tendrán que ejecutar en la aplicación, cuya actualización ya está siendo lanzada a los usuarios.

De a poco, nos encontramos todos despidiendo a Flash, mientras aún resuena aquel debate que caldeó Steve Jobs al calificar poco menos que de porquería a la tecnología de Adobe para ver clips y animaciones en la web; y al rechazar de plano que sus móviles la incluyeran. Al principio algunos se ofendieron, otros aplaudieron y la mayoría se preguntó: “¿y ahora cómo hago para ver los videítos en mi tablet de 600 dólares?”

Más allá de las rencillas de Apple con los creadores del Photoshop, la industria siguió la tendencia de Steve, quien quizá mira todo esto, desde iCloud, con una sonrisa. ¿A qué nos referimos? Como saben, Google dejará de soportar Flash, Adobe dejará de soportar en móviles Flash, y nosotros, en breve, ya no tendremos que soportar Flash…

Lo cierto es que este entorno cerrado tiene los días contados. ¿Qué es lo que viene? La tecnología HTML5 y también, standards abiertos como WebGL.

Al parecer, quedamos en buenas manos. Si no, miren está página, un clip de la cantante Ellie Goulding, para su tema “Lights”, el que nos permite disfrutar de luces, gráficos en 3D interactivos y música sin que tengamos que instalar ningún plug-in en nuestro navegador (siempre y cuando usemos Chrome, Firefox o Safari, ya que Explorer le cerró la puerta a WebGL). En Safari, Web GL no viene por defecto, por lo que hay que seguir unos pocos pasos para disfrutar de esta propuesta.

El funcionamiento es simple: una línea amarilla que podremos mover con el mouse y, con ello, andar tirando lucecillas por ahí. Todo se puede acelerar si dejamos apretado el botón.

“Lights” es una buena prueba para notar que el consorcio de tecnología, sin fines de lucro, Khronos Grouphan ha hecho un gran trabajo con WebGL. Ahora bien, sobre la canción, me guardo la opinión…

La historia ha dejado mil y una anécdotas acerca de Pink Floyd y la influencia que tuvo para la banda muchos de los clásicos de la ciencia ficción o del género fantástico en el cine. No sólo 2001, sino The Wizard of Oz o la misma Alicia de Disney parecen avanzar al unísono si bajamos el volumen del filme y acoplamos a la banda en las imágenes.

En cualquier caso existen dos elementos comunes en estos ejemplos. Cada uno de estos tres filmes se hicieron antes de que la banda lanzara tema o LP que se sincronizaba. Junto a este detalle, Pink Floyd comentaría en más de una ocasión ser auténticos fans de las tres obras.

Echoes fue lanzado en 1971 como cara B del sexto álbum de la banda Meddle, tres años después de que se estrenara 2001 en el año 1968. Se trataba posiblemente de una de las primeras piezas que harían famosos al grupo. Una space rock como preámbulo de la obra maestra que fue Dark Side of the Moon.

Echoes son 23 minutos y 31 segundos de música que irremediablemente y con el paso del tiempo se unieron a la película de Kubrick. El mismo Waters reconocería más adelante que uno de sus grandes pesares fue no contribuir con Pink Floyd a la banda sonora. Aún así, la banda siempre negó que existiera intencionalidad. La propia tecnología de la época para reproducir la película en un estudio de grabación a comienzos de 1971 hubiera sido tremendamente costoso y difícil.

Sea como fuere este el resultado, los sonidos finales de la película parecen coincidir en efecto con las vibraciones de Echoes, incluso hay momentos en que música y escena se funden casi al unísono. Este fue el resultado, juzguen ustedes mismos (y si tienen oportunidad, apaguen las luces y suban el volumen de esta maravilla)…

Coincidencia o no, imágenes y tema podrían haber pasado como uno de los grandes relatos del espacio en cine, ya sea en formato documental o como película. No fue el único como decía al comienzo. Dos años después de lanzar Meddle, Pink Floyd publicaba uno de los discos más emblemáticos de la historia del rock, se lanzaba el brutal Dark Side of the Moon. Al poco tiempo se creaba una nueva leyenda tras su lanzamiento. Tres nombres como título: Dark Side of the Rainbow, Dark Side of Oz o The Wizard of Floyd.

Hablamos del paralelismo que se volvía a encontrar en otro clásico del cine The Wizard of Oz. El caso es que si alguna vez habéis intentado sincronizar disco y película ocurre algo similar a 2001 y Echoes. Pink Floyd volvieron a comentar con el tiempo que no existía ninguna relación más allá de la coincidencia.

Sea o no cierto, la historia del clásico con el álbum tiene diversos enfoques. Cientos de fans han recopilado y subido a la red la interacción que observaban entre ambos. De hecho, existen varios enfoques sobre cómo sería la sincronización perfecta. Muchos indican que se alcanza la perfección cuando sale el león de la MGM, otros indican que se produce al tercer rugido, otros al segundo o incluso en el momento en el que comienza a desvanecerse, justo en el momento en el que comienza la película.

No sólo eso, algunos han llegado a ver en la mítica cubierta de Dark Side of the Moon un reflejo en trancisión blanca y negra de la Kansas de Oz. Incluso algunos investigadores y psicólogos hablan del efecto que se produce en muchas ocasiones en el cerebro humano, el fenómeno que da como resultado la tendencia de la mente a pensar que reconoce patrones en medio de un desorden descartando datos que no encajan. El psicólogo Carl Jung lo explica como un fenómeno en que se involucra la causalidad.

Igualmente, se da la misma circunstancia que en 2001. Hay momentos en el que la propia película cambia el ritmo al unísono que el disco, momentos casi idénticos. Les dejo con uno de los cientos de videos que podemos encontrar para que juzguen. En este caso se muestran los tres primeros temas Speak to me, Breathe y On the run…

¿Existe o no sincronización? Al igual que 2001, eso parece, aunque es muy probable que sea una coincidencia como afirma la misma banda. Les dejo como última “prueba” la tercera película de la que siempre se habló que existía sincronización. Alice de Disney con Dark Side of the Moon, o más conocida por los fans unidos a la causa, Alice Dark Side…