Nuestro sistema legal no reconoce la naturaleza derivativa de la creatividad. En cambio, las ideas son consideradas propiedad, lotes únicos y originales con fronteras distintivas. Pero las ideas no son tan ordenadas. Tienen capas, estan tejidas entre sí, están enredadas. Y cuando el sistema entra en conflicto con la realidad… el sistema empieza a fallar.

Este conflicto con la realidad se llama propiedad intelectual. Un sistema que originalmente fue creado para incentivar la creación y la innovación a cambio de enriquecer el dominio público, es decir, beneficiar a los demás una vez que el privilegio de explotación expiraba. Originalmente era de 14 años, hoy en día es de 50, 75 o 100 años, después de la muerte del creador.

El cuarto y final episodio del documental “Eveything is a remix” de Kirby Ferguson aborda el problema que la propiedad intelectual representa hoy en día para la sociedad entera de una forma demasiado clara: copiar, transformar y combinar es la evolución misma, todas las ideas están hechas de otras ideas. Y quien te diga lo contrario simplemente miente.

Quienes mienten son aquellos que creen que las ideas son propiedad, específicamente propiedad intelectual. Quienes confunden la autoria con el privilegio de explotación de una obra, quienes muchas veces no son los autores. Quienes dicen que copiar es robar. Quienes piden que así como se bloquea la pornografía infantil se deben bloquear a los sitios que enlazan a material producido por grandes corporaciones. Quienes creen que su organización de lobbying tiene más razón que millones de ciudadanos en todo el mundo. Quienes creen que la cultura y la innovación son únicamente un negocio.

Fergurson lo describe perfectamente, la influencia del mercado es lo que transformó a las ideas en una unidad comercial que lo único que provoca es juicios que representan pérdidas millonarias que bien podrían ser invertidas en innovación y empleos. Sin mencionar la inmensa pérdida de tiempo.

El lenguaje de “robar propiedad intelectual” es un jargon que solo aquellos que creen que las ideas son propiedad y no parte de la evolución, utilizan. Un gran ejemplo que presenta el documental es Steve Jobs — quien alguna vez declaró que “todos robámos propiedad descaradamente” y años después decidió destruír a Android porque era un producto robado. El resultado de esta destructiva forma de pensamiento territorial, es que hoy en día la industria de los dispositivos móviles esta atrapada en un espiral de patentes que promueve todo, menos la innovación.

Afortunadamente, muchos de nosotros no vemos a las ideas como propiedad absoluta y valoramos otras prácticas culturales milenarias como el copiar, compartir y hasta respetar la atribución. Lo cual no significa que una idea es intocable, tampoco que tienes que demandar y fundir en la cárcel o extorsionar monetariamente a quién lo haga, como lo hacen las hipócritas empresas que promueven el la cultura de respeto a la propiedad intelectual.

Everything is a remix concluye haciendo a un invitación a que no dejemos que gobiernos, corporaciones o lobbystas decidan la dirección de la evolución social, como sucede con el ACTA. El hecho de que los privilegios de explotación de una idea tengan tanta protección hoy en día, no significa que es lo que necesitamos y nos beneficia.

La propiedad intelectual es hoy, un error en el sistema que se tiene que reparar urgentemente. Para hacerlo, también vamos a tener que compartir muchas ideas.

Cada día cerca trece mil taxis recorren Nueva York, se calcula que acumulan unos 805 millones de kilómetros recorridos cada año y que diariamente son usados por más de 600.000 pasajeros. El primer taxi de la ciudad bajó la bandera frente al Hotel Plaza el 1 de octubre de 1907. Desde entonces estos vehículos forman parte del paisaje urbano de Nueva York y de la cultura popular; son un símbolo de la ciudad que nunca duerme, un coche reconocible y característico que hemos pertenece al imaginario colectivo gracias a multitud de películas y series de televisión.

El vídeo que podemos ver a continuación es una hermosa visualización del trajín diario de taxis en la ciudad de Nueva York. Diez mil recorridos a lo largo de un día. La obra es fruto de la colaboración entre Tom McKeogh, Eliza Montgomery y Juan Francisco Saldarriaga, el video fue creado para un curso impartido en la Universidad de Columbia.

Taxi! from Juan Francisco Saldarriaga on Vimeo.

Taxi! se creo a partir de los datos de taxis que de forma pública se pueden consultar, con esta información y la ayuda de la API de Google Maps desarrollaron un mapa que muestra el continuo ir y venir de los taxis. La imagen, fondo negro y puntos luminosos, es altamente atractiva y muy funcional. Apreciamos los momentos álgidos, los lugares mas transitados, el espacio ocupado por Central Park… nos acercamos a conocer la magnitud de los desplazamientos en una ciudad con más de ocho millones de habitantes. Aún así este impresionante mapa solo muestra una parte del tráfico de Nueva York, ya que solo se limita a los viajes que empezaron o terminaron en Bryant Park y Lincoln Center.

Foto: Devianart

Petros Vrellis es un artista griego, también ingeniero eléctrico, que ha realizado una animada, interactiva y mágica versión de uno de los cuadros más famosos de Vincent Van Gogh. Se trata de un hermoso homenaje a La Noche Estrellada. El cuadro muestra la vista nocturna que el artista tenía desde su ventana del sanatorio mental de Saint-Rémy-de-Provence. La obra data de mediados de 1889 y desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Más de 120 años han pasado desde que “el loco del pelo rojo” plasmó un cielo arremolinado sobre un lienzo. Vrellis ha creado una obra interactiva en la cual los trazos se mueven siguiendo el trazo original del dibujo de Van Gogh, solo hay que usar los dedos para simular el movimiento. El sonido responde a los movimientos, creando una música que encaja perfectamente con esta experiencia.

Vrellis usó el openFrameworks para crear esta maravilla visual. La interacción con La Noche Estrellada es simple, fluida y elegante. La idea de darle vida al cuadro me parece fascinante y muy atractiva.

Starry Night (interactive animation) from Petros Vrellis on Vimeo.

Fantastic Fungi es un documental sobre el micólogo Paul Stamets, realizado por Louie Schwartzberg. El vídeo es un extracto de ese documental en el que podemos ver como crecen las setas en la naturaleza. Es un espectáculo hermoso, la naturaleza a pleno rendimiento, la vida brotando del suelo. Stamets es un apasionado defensor de la naturaleza y autor de varios libros sobre micología.

Stamets creó en 1980 Fungi Perfecti, una compañía familiar para vender kits de cultivos de setas, y suministros. También es impulsor de la Life Box o Caja de la Vida. Una propuesta a base de cajas de cartón reciclado con las que reforestar el mundo. En una caja normal de cartón van comprimidas semillas de diferentes tipos de árbol. Una vez se use la caja, se podrá enterrar en cualquier sitio y, con el tiempo y algo de cuidado, generar un pequeño bosque.

Hace unos años dio una charla en la que ilustraba 6 maneras de como los hongos pueden salvar al mundo; ya fuese limpiando suelos contaminados, tratando enfermedades, actuando como insecticidas …

Foto: The Bulletin

Esta hermosa y brillante catedral ha podido verse durante el Festival de la Luz (Light Festival) celebrado en Gante (Bélgica) entre el 26 y el 29 de enero. La estructura base se construyó usando madera y, posteriormente, fue recubierta con LEDs; la catedral se convirtió en la principal atracción de un festival en el que podías visitar exposiciones varias, ver espectaculares proyecciones en 3D sobre conocidos edificios de la ciudad y disfrutar de otras treinta instalaciones. El tema de la edición de este año era “Happiness and Music”.

La espectacular catedral fue creada por Luminarie de Cagna, una empresa italiana nacida en 1930. Los cifras impresionan: 55.000 LEDs de varios colores y 28 metros de altura. Ahí es nada. El resultado es impresionante, aunque más sorprendente es saber que el gasto energético total de la obra fue de 20 kWh.

Michael Garnier fue médico y boina verde, tras dejar del ejército en 1974 decidió trasladarse a Takilma, Oregón para tratar de ganarse la vida en sus verdes bosques. Garnier puede sonreír con orgullo y decir que lo ha logrado, ya que hoy por hoy es propietario de una empresa líder en la construcción de casas-árbol y de un Treesort, serie de casas-árbol interconectadas entre si, que recuerda mucho a la aldea ewok que pudimos ver en Star Wars.

Siguiendo el modelo de una casa-árbol que había construido para sus hijos completó la primera construcción en 1990 y la convirtió en un Bed & Breakfast donde la gente podía disfrutar de una experiencia diferente. Por desgracia las autoridades de la zona le dijeron que su construcción no cumplía con las normas de seguridad y que debía derrumbarla. En vez de hacerles caso, Garnier, se propuso demostrarles que su casa-árbol era sólida, segura y habitable. ¿Cómo?. Invitando a 66 personas, 2 perros y un gato a la casa, la construcción soportó sin problemas 4.920 kilos; aún así los inspectores de seguridad no se convencieron. Eso no supuso un cambio en los planes de Michael quien siguió construyendo y alquilando casas-árbol. Tras diez años de litigios obtuvo los permisos. Hoy por hoy el complejo Out’N’About Treesort cuenta con más de una docena de casas en alquiler, veinte escaleras, seis puentes, varias plataformas y unas cuantas tirolinas y barras de bomberos para los descensos rápidos.

Con el paso de los años, Garnier se ha convertido en una especie de héroe dentro de esta industria ya que ayudó a mejorar los sistemas de construcción de casas-árbol gracias a las “Garnier Limbs”. Las GLs son unos tornillos de acero bastante gruesos que pueden soportar hasta 3.600 kilos y que sirven para dotar a las construcciones de estabilidad, a la vez que reducen la presión que se ejerce sobre los árboles.

Para él cada casa es diferente:

[…] cada casa-árbol es un caso único, al asentarse sobre un árbol, que es un organismo vivo.

En 1996 fundó el Instituto de la Cultura y Arte de Casas del Árbol una escuela donde aprender a construir casas-árbol. En los vídeos recorremos el treesort y se nos muestra el taller de Garnier, su casa y todo el complejo que ha creado a varios metros sobre el suelo.

La contaminación lumínica, es decir, el exceso de iluminación artificial de las zonas pobladas, provoca que cada vez sea más complicado poder realizar observaciones astronómicas tanto por investigadores como por aficionados. De hecho, los grandes telescopios y observatorios terrestres se sitúan en zonas alejadas de los núcleos poblados en los que, además, se protege mucho el espacio aéreo para mantener unas condiciones óptimas para la observación. Uno de los enclaves privilegiados para la observación astronómica son las Islas Canarias (España), concretamente la isla de Tenerife que es la que aloja el Instituto de Astrofísica de Canarias, con los observatorios de Roque de Los Muchachos (La Palma) y del Teide (Tenerife), que gracias a una estricta regulación se mantienen controladas las fuentes de contaminación lumínica. Precisamente, desde Tenerife nos llega un bello timelapse que cubre cerca de un año de observaciones astronómicas desde uno de los cielos más limpios del planeta.

Tenerife es un lugar privilegiado desde el que se puede observar el cielo sin apenas perturbación. En este timelapse podemos observar lluvias de estrellas fugaces, las cuadrántidas de enero de 2011, perseidas, geminidas, táuridas, úrsidas, leónidas y las cuadrántidas de enero de este año, un vídeo resumen de un año de observaciones que se ha realizado con unas cámaras Nikon d700 y Nikon d90 y objetivos Nikkor Fish Eye 10,5 mm f 2,8, Nikkor 50 mm f: 1,8 y Nikon 18-35 f:3,5-4.

El excepcional clima de las Islas Canarias y la transparencia de sus cielos hacen que sea un emplazamiento idóneo para realizar observaciones. En el caso de los observatorios del Instituto de Astrofísica de Canarias, éstos se encuentran a 2.400 metros de altitud, fuera del mar de nubes que suele formarse en las zonas altas de las islas. Además, en 1988 se desarrolló un marco legal que protege la calidad de los cielos de Canarias (la Ley para la Protección de la Calidad Astronómica de los Observatorios del IAC o Ley del Cielo) que afecta a las islas de Tenerife y La Palma y que evita cuatro tipos de contaminación: lumínica, radioeléctrica, atmosférica y la del tráfico aéreo. Concretamente, esta ley regula:

• El uso de un alumbrado adecuado en las zonas pobladas, reduciendo la intensidad de la iluminación a partir de las 0:00
• El control de las estaciones radioeléctricas para evitar que interfieran en los observatorios
• Prohibición de las actividades industriales que puedan contaminar la atmósfera a más de 1.500 metros de altitud
• Control de las rutas aéreas para que no transcurran en las zonas protegidas que quedan dentro del campo de observación del IAC

Con una protección tan celosa del cielo es normal que puedan grabarse timelapses como ese.

¿Qué pasaría si dejásemos una bicicleta encadenada en una calle transitada? Mi primer pensamiento es que no duraría ni una semana. ¿Y si la dejásemos en una calle de Nueva York? Supongo que muchos pensarán que la bicicleta en cuestión no aguantaría ni una noche. Ahora ya lo sabemos con seguridad: más de 200 días. ¿Y eso? Pues resulta que durante el año 2011 se llevó a cabo un experimento urbano promovido por Hudson Urban Bicycles y desarrollado por la empresa Red Peak al que pusieron por nombre “365 días en la vida de una bicicleta en Nueva York”.

El 1 de enero de 2011 dejaron una bicicleta con su timbre, su cesta, su botella de agua, sus luces y demás complementos, encadenada en una calle situada en el Soho. Diariamente volvían al lugar para sacarle una foto a la bicicleta y ver como estaba. Las imágenes nos muestran como poco a poco desaparece ante nuestros ojos. Admito que me sorprende lo mucho que duró en la calle. Primero desaparecieron los complementos más pequeños hasta que no quedó nada. Eso sí aguantó ** mas de 200 días en la calle**. ¿Cuánto duraría en vuestras ciudades?

Uno de los contenidos que más solemos compartir a través de redes sociales y blogs son algunos de los vídeos que nos pasan nuestros amigos o encontramos por la red. Vídeos podemos encontrar de todo tipo, temática y, sobre todo, calidad pero entre todo el material disponible lo que, personalmente, más me llaman la atención son los vídeos que giran alrededor de un timelapse, es decir, un vídeo construido a base de fotografías tomadas desde un lugar fijo con intervalo temporal de separación que luego reproducimos a mucha más velocidad que la velocidad original de captura. Estamos acostumbrados a ver timelapses muy bellos sobre fenómenos naturales (auroras boreales) o sobre astronomía (cometas o constelaciones) pero hay vídeos, como los relativos a la ingeniería civil, que vistos en un timelapse son impresionantes y demuestran a lo que es capaz de llegar el hombre. Entre todo el maremágnum de vídeos que hay por la red, hay uno relativo a la construcción de un puente para el ferrocarril cuyo visionado impacta puesto que, tras construir la base del puente, los obreros fueron capaces de culminar el puente (y ponerlo en marcha) en un plazo de ejecución de 6 meses.

Pues sí, aunque toda la obra del puente (que se llevó a cabo en 6 meses) fue capturada en más de un cuarto de millón de fotografías (que documentaron la evolución de la construcción), en los que vale la pena prestar atención a los últimos 4 días de construcción de este puente en Reading y observar los trabajos de los obreros entre el 24 de diciembre y el 28 de diciembre del pasado año. Concretamente, en esta obra, se realizó la sustitución del antiguo puente que existía para los ferrocarriles por uno totalmente nuevo, en el que podemos observar todo el proceso de construcción y preparación del terreno de alrededor del puente.

En cuanto a las características técnicas del vídeo, la compañía emplazó 3 cámaras resistentes al agua (estamos hablando de una ciudad de Inglaterra) en tres puntos distintos del terreno de la obra que han sacado fotos durante todos los turnos de la construcción porque, cuando el calendario se va haciendo más ajustado, la construcción debe entregarse en plazo y se termina trabajando por la noche.

Es posible que no sea imparcial y tenga una especial predilección por la ingeniería pero creo que vale la pena dedicar estos 4 minutos a ver cómo el hombre es capaz de levantar un puente.

En 1989 Neil Gaiman escribió una historia corta titulada Nicholas Was… esta historia está recogida en el libro Smoke and Mirrors, una colección de cuentos y poemas de Gaiman. Se trata de una recopilación de historias que aparecieron en revistas, antologías y colecciones varias. La que nos interesa hoy es Nicholas Was… una pequeña historia que se ha convertido en un clásico de culto y que propone una perspectiva menos amable de la Navidad. Un toque de humor negro Navideño muy en la línea de Gaiman.

En Vimeo podéis encontrar este vídeo donde la historia es contada a través de un libro pop-up. Son varias las adaptaciones que se han hecho de Nicholas Was… toda una vuelta de tuerca a la historia de Papa Noel.

Nicholas Was… from nomsa on Vimeo.

Nicholas Was…
older than sin, and his beard could grow no whiter. He wanted to die.
The dwarfish natives of the Arctic caverns did not speak his language, but conversed in their own, twittering tongue, conducted incomprehensible rituals, when they were not actually working in the factories.
Once every year they forced him, sobbing and protesting, into Endless Night. During the journey he would stand near every child in the world, leave one of the dwarves’ invisible gifts by its bedside. The children slept, frozen into time.
He envied Prometheus and Loki, Sisyphus and Judas. His punishment was harsher.

Ho.
Ho.
Ho.

Otro vídeo que adapta el poema de Gaiman es este ilustrado y animado por el estudio de diseño y animación 39 Degrees North (39ºN). Tiene un cierto toque Burton, el resultado es una pequeña delicia visual que atrapa. Tal fue el éxito del corto que el mismísimo Gaiman dijo a través de su Twitter:

Es la mejor adaptación no autorizada navideña de uno de mis trabajos

39 Degrees North Presents: Nicholas Was from 39 Degrees North on Vimeo.

“Lo logramos porque no sabíamos que era imposible”, es una frase que bien puede relacionarse a todo lo que consiguió Anonymous este año. Esa combinación de utopía, transgresión y sentido del humor, ha hecho del colectivo de hackers más mediático del mundo una entidad protagonista de este 2011 convulsionado. Para celebrar tanto agite, prepararon este video épico con destino de viral. Por cierto, al final incluye una amenaza dirigida a las corporaciones (quiero creer): Preparate para el 2012.

Se titula LulzXmas, y allí aparecen las “hazañas” del controversial grupo, tales como las “reflejó” la prensa; entre ellos las intrusiones a los sistemas de PlayStation Network, el ataque a la web de la CIA, y el caso Assange, tras la revelación de los cables diplomáticos en Wikileaks.

Para el cierre, eligieron incluir el discurso glorioso de “El Gran Dictador”, donde Charles Chaplin parece hablarnos, no desde 1940, sino desde el presente (ALT1040 incluyó un gran artículo sobre el tema). En ese monólogo sobre la autoridad, el pueblo y la unión, resuenan conceptos como éste:

Los dictadores se dan libertad a sí mismos, pero esclavizan al pueblo. Ahora, unámonos para liberar el mundo, para terminar con las barreras nacionales, para terminar con la codicia, con el odio y con la intolerancia. Luchemos por un mundo de la razón, un mundo en el que la ciencia y el progreso lleven la felicidad a todos nosotros. Soldados, en nombre de la democracia, unámonos.

Chaplin, con ese bigote que parece pintado con marcador, no deja de mover el mentón en cada oración, como si lograra así sacudir nuestras ideas con sus frases. Termina el discurso, se toma la cabeza. Fundido negro. Y aparece en el clip esta otra frase de Tomas Jefferson, el autor de la Declaración de Independencia y tercer presidente de Estados Unidos:

Cuando el gobierno le teme a la gente, hay democracia. Cuando la gente le teme al gobierno, tiranía.

Y aquí es cuando Anonymous no puede dejar de ser Anonymous y hace que el video, que había empezado con un tema musical navideño aggiornado, termine con una amenaza. Preparate para el 2012.

Es cierto que Anonymous anunció mucho más de lo que finalmente consiguió. Es verdad, también, que muchos no están de acuerdo con que un grupo se arrogue para sí las capacidades de “poder de policía” de las corporaciones. Pero también es cierto que han logrado, en poco tiempo, canalizar parte de los reclamos de cientos de personas que se sienten indefensas ante las grandes compañías… Y hacer que otros tantos (aquellos que decidieron lanzar su grito de indignación de una vez por todas) se sintieran identificados con la causa. (Más allá de los métodos, algo que será siempre objeto de debate)

Como sea, este video queda muy a tono con un año convulsionado. Un 2011 en el que, gracias a las “protestas” que se repartieron por todo el planeta, las “asimetrías de fuerzas” que siempre existieron entre el poder y el ciudadano parecen, de a poco, ir invirtiendo la carga.

La antigua Saigón, actualmente Ho Chi Minh, es la ciudad más grande de Vietnam. Se la conoce como la capital mundial de las motos ya que hay cerca de siete millones de ellas circulando por sus calles. El número de coches es mucho menos, en torno a los quinientos mil. La población ronda los nueve millones de personas y la situación de la ciudad, en la desembocadura del río Saigón y cerca del delta del río Mekong, la convierte en una de los enclaves mercantiles más importantes del país.

El fotógrafo británico Rob Whitworth ha creado un impactante time-lapse en el que podemos apreciar el caótico tráfico de la ciudad. El tráfico parece no tener fin, la gente se mueve de un sitio para otro, coches y motocicletas, barcos y lanchas, bicicletas y peatones. Siempre se dice que Nueva York es la ciudad que nunca duerme, voy a empezar a pensar que el Asia tienen la ciudad que nunca se detiene.

Traffic in Frenetic HCMC, Vietnam from Rob Whitworth on Vimeo.

Según Whitworth:

Todos los que han visitado Ho Chi Minh en Vietnam reconocen que parte de la magia del lugar (o se ama o se odia) está en el tráfico. Desde la primera vez que pisas Ho Chi Minh la energía de la ciudad te cautiva. Saigón es una ciudad con un movimiento diferente a todo lo que he visto antes, por eso quería capturarlo y compartirlo.

Seguro que para nosotros todo parece un caos, desorganizado y sin control, pero para la gente que vive en la ciudad y que se enfrenta cada día a esa marea continua de ciclomotores, coches y peatones debe ser lo más natural del mundo. Se nota que saben moverse por su entorno y lo hacen con comodidad y precisión. Para un visitante será complicado habituarse a ese vaivén constante pero con el tiempo y la experiencia acabarán acostumbrándose. Es más, seguro que alguno lo echará en falta cuando abandone Ho Chi Minh, la capital de las motos.

As Above, So Below es una vídeo proyección que se realizó el pasado septiembre sobre el puente de Manhattan durante el Festival de Artes de Dumbo. La animación se hizo con el galardón de “Best in Show”. Utilizando la tecnología de mapeo tridimensional se logró algo único.

El espectáculo fue realizado gracias a los equipos técnicos y el apoyo de Senovva, INC y Light Harvest Studio, ambos auspiciaron el ingenio creativo de un grupo de artistas de distintas procedencias entre los que se encontraban Simon Anaya, Farkas Fulop, Richard Jochum, Johnny Moreno, John Ensor Parker y Ryan Uzilevsky. El grupo parió una experiencia visual única que se proyectó sobre un lugar emblemático de la ciudad norteamericana.

Una impresionante proyección sobre un lugar espectacular. La obra fluye sobre la fría piedra, mostrando movimiento, vida. Se nota que la gente que pudo disfrutar en vivo de la experiencia quedó maravillada. El vídeo está muy bien pero no le hace justicia a la experiencia en primera persona.

La Historia de nuestro planeta es algo difícil de resumir, aunque en la cabecera de entrada de The Big Bang Theory se resuma rápidamente: la formación de la Tierra, la era de los dinosaurios, los primeros homínidos, el antiguo Egipto, el Imperio Romano, la Edad Media y, dando un gran salto, la carrera espacial entre Estados Unidos y la Antigua Unión Sovética. Millones de años de historia que ocupan volúmenes de libros en grandes bibliotecas y que, realmente, es complicado sintetizar. Un grupo de diseñadores y animadores decidió resumir toda la historia de la Tierra (y avanzar algo de su futuro) en un bello proyecto de animación de 3 minutos 30 segundos.

El equipo de 6 personas, formado por Kalle Mattson como guionista, Kevin Parry como animador y director del cortometraje, Carla Veldman como diseñadora y animadora, Andrew Wilson como diseñador y Andrea Nesbitt como especialista en vídeo, dedicaron 6 meses de trabajo a este proyecto de animación bajo stop-motion en que el recrearon la historia del mundo (con un sorprendente y geek final sobre su futuro) utilizando un escenario de fieltro y unas figuras de papel.

El vídeo vale la pena verlo porque, la verdad, está extremadamente bien montado y ejecutado, sobre todo, si tenemos en cuenta que las figuras que aparecen son recortes de papel y, precisamente, dado que son figuras de papel, la simulación del movimiento y la captura de las imágenes no creo que hayan sido extremadamente fáciles.

No es lo que se dice una revisión histórica extremadamente purista, de hecho se toman algunas licencias con el Antiguo Egipto o con la carrera espacial, pero en términos generales está muy bien realizado y podemos distinguir momentos como la Revolución Francesa o la Guerra Civil Americana.

Con Minecraft podemos hacer construcciones realmente increíbles. En este mundo tridimensional podemos ponernos a trabajar y crear ciudades de la nada. Lo cierto es que Minecraft es muy adictivo, en parte porque te permite desarrollar tu imaginación y tu creatividad; también porque es sencillo y porque, en teoría, es infinito. No hay límites. Dinamismo, creatividad y sencillez. Las tres claves del éxito.

Con los diferentes materiales que te vas encontrando puedes construir prácticamente cualquier cosa que te propongas. Y aquí va un ejemplo: las siete maravillas del mundo. En los vídeos que vemos a continuación se han recreado las antiguas siete maravillas que deslumbraron al mundo. De ellas solo se conserva la Gran Pirámide de Guiza en Egipto.

La Gran Pirámide de Guiza

El Coloso de Rodas

El Templo de Artemisa en Éfeso

Los Jardines Colgantes de Babilonia

La estatua de Zeus en Olimpia

El Faro de Alejandría

El Mausoleo de Halicarnaso

En la web Buzz Feed he encontrado este magnífico timelapse que de seguro gustará a todos aquellos que aman la Gran Manzana. El vídeo nos permite seguir el trepidante recorrido en bicicleta por Broadway una de las calles más emblemáticas de Nueva York. Desde Inwood en la zona norte de la isla de Manhattan hasta Bowling Green en el sur, podemos ver la ciudad desde una perspectiva única. En la zona del Bronx la avenida continúa para convertirse en una calle extraurbana. Si nos fijamos en la línea de metro de la ciudad podemos ver que siguieron la línea uno, que desde el Bronx recorre todo su trayecto por los túneles neoyorquinos hasta llegar al sur de la isla de Manhattan.

Sus orígenes se remontan a los asentamientos holandeses en la zona, recordemos que la ciudad en un principio fue bautizada como New Amsterdan, a comienzos del siglo XVII. Después pasó a manos inglesas y cambió de nombre. Desde entonces la avenida Broadway no ha dejado de crecer y actualmente mide cerca de 27 kilómetros de largo. Su recorrido permite visitar lugares emblemáticos de la ciudad, visitar multitud de tiendas y restaurantes y tomar el pulso a Nueva York.

La avenida Broadway es conocida a nivel mundial por ser el centro de la vida teatral de la ciudad. Un total de cuarenta y tres teatros, de los cuales únicamente seis se encuentran situados en la avenida, forman un circuito de lo más variado que acoge representaciones durante todo el año. El recorrido nos permite atravesar algunos de las plazas más importantes de la ciuda como Madison Square o Times Square, nos da la oportunidad de ver la universidad de Columbia y el Upper West Side, recorrer una parte del Soho, el City Hall y Wall Street. Una ruta que, para los más osados y deportistas, se puede realizar a pie.

Foto: Buzz Feed

Actualización 4:50 am: ELEAZAR en el área de comentarios, me da este link de Google en el que explica el contador de visitas congelado.

Aunque usted no lo crea, el vídeo del ataque de la polícia de Oakland a los ciudadanos que se demostraban pacíficamente en contra de las políticas económicas de su país, tiene más comentarios y likes, que visitas. ¿No sirve el algoritmo?

El vídeo en cuestión a estas alturas, difícilmente no es viral, como lo hace notar este comentario. Increíblemente a la 1:37 am, hora en la cual escribo este post, el vídeo según YouTube sigue teniendo tan solo 308 vistas, pero 1,618 likes y 1513 comentarios. Alguien explíqueme por favor. (Gracias por la explicación a ELEAZAR)

La noticia del uso de granadas “flash” por parte del cuerpo policiaco de Oakland en contra de aquellos que pretendían ayudar a un ciudadano herido, está ahora en todas partes gracias a este vídeo. The Guardian ha reportado detalladamente al respecto de la vergonzosa situación.

Xeni Xardin informó en Boing Boing que el ciudadano herido, Scott Olsen, es un veterano de la guerra de Iraq. Xeni, atinadamente, también agradece a la policía de Oakland su especial forma de retribuír a este militar el servicio que prestó a su país.

Olsen se encuentra en condición crítica.

Mientras tanto, en Sillicon Valley, San Francisco (a unos pasos de Oakland) se celebra la conferencia de Derechos Humanos y Tecnología. El día de hoy ha dado la vuelta la gran noticia de que Google se negó a retirar vídeos de brutalidad policial a petición de un agencia federal. Lo mejor sería que YouTube explicara en algún momento cómo funciona su contador de visitas para entender un poco más este posible ¿bug?. (Actualización: No es un bug, se trata de un error común).

Twitter lo ha tratado de hacer algunas veces en relación a sus trend topics. En fin, con suerte, YouTube hasta arregla este evidente error, en verdad confío en que no se han dado ni cuenta que ni siquiera la opción de estadísticas del vídeo funciona.

Tal vez no es tan importante que un vídeo de esta magnitud no sea contabilizado de forma correcta más rápida por You Tube, debido a su relevancia política y contundente significado. Tal vez sí. ¿Qué opinan?

Ya que ando en esto de las estadísticas de YouTube, y un poco demasiado intrigada acerca del extraño fenómeno de más comentarios que visitas… les dejo un gran vídeo con cerca de 800,000 visitas, en el cual por cierto la opción para ver las gráficas sí está disponible.

Google nos ofrece hoy con este vídeo un sentido homenaje a una de las figuras más grandes de la música. Lo hace a través de lo que ya se ha convertido en el vehículo marca de la casa con el que recordar a aquellas personalidades únicas, con un don especial y que dejaron huella. Empezando por Nueva Zelanda como el primer lugar en el planeta en llegar al día de hoy, el Doodle es posiblemente la mejor recreación hasta la fecha de la compañía. Un vídeo que según cuenta la NBC es obra de Jennifer Hom, dibujante y fanática de la figura legendaria de uno de los grandes mitos de nuestro tiempo, Freddie Mercury.

Al parecer, Hom estuvo elaborando el doodle junto a un equipo de dibujantes durante tres meses en los que recopilaron y seleccionaron aquellos clips más especiales para el diseño del vídeo (se encuentran fragmentos de Bicycle, A Crazy Little Thing Called Love, I Want to Break Free o Flash). La decisión de Don´t stop me now como tema para el corto tiene que ver con que la pieza fuera seleccionada como uno de los 10 hits más grandes de la historia por muchos medios.

Teniendo en cuenta el colorido que ha tenido la carrera de Freddie, hemos querido crear dibujos similares. Estamos realmente emocionados porque finalmente es un gran trabajo. Definitivamente no es un doodle normal.

Tal día como hoy, hace 65 años, nacía esa estrella. Con toda seguridad una de las voces más grandes que ha dado la historia del rock. Era un 5 de septiembre de 1946 y nacía en la isla de Zanzíbar (Tanzania). Mercury moriría 45 años después, un 24 de noviembre de 1991 en su casa de Londres por una bronconeumonía complicada por el sida. El líder de Queen nos dejó por el camino decenas de temas inolvidables a través de una voz irrepetible. Resultaría tremendamente complicado y casi imposible ponernos de acuerdo sobre cual fue su mejor composición entre tanta excelencia, los discos de la banda se cuentan prácticamente en su totalidad como joyas y obras maestras.

Google ha acabado eligiendo Don´t stop me now para conmemorar la figura de Mercury posiblemente porque se trata de una canción cuya autoría y escenificación tienen a la estrella como único protagonista. Lanzado dentro del LP Jazz en 1978, don´t stop me now sería publicado como single el 26 de enero de 1979. Mercury contaría con el tiempo que la escribió durante unas vacaciones en Montreux (Suiza). La composición, sencilla en la forma, nos muestra toda la fuerza del cantante al piano y al resto de la banda en un segundo plano. El single no llegaría al número uno, en las listas británicas ascendió hasta la novena posición y en Estados Unidos ni siquiera pasaría del 86. Sería el tiempo y la utilización del tema en anuncios, programas de televisión y las versiones que se hicieron las que colocaron la canción como uno de los grandes clásicos de la banda.

Highlander y Flash Gordon

A Freddie Mercury y Queen le debemos dos de las bandas sonoras más grandes de todos los tiempos. Tanto Highlander como Flash Gordon no serían ni la mitad de lo que fueron sin la voz de Mercury y la banda detrás de cada de una de las escenas.

En 1980, mientras la banda estaba en el estudio para grabar el álbum The Game reciben la llamada del productor Dino Delaurentis. El productor les pide que sean la banda sonora de su próximo filme Flash Gordon. El resto es parte de la historia de la música y el cine. En noviembre de 1980 se lanza la BSO de la película. A diferencia de Highlander, el álbum estaría compuesto por temas instrumentales a excepción de las inmensas Flash y The Hero.

Quizá en el caso de Highlander se llegó a la excelencia, ya que se trataba de la primera vez que se lograba una conjunción única entre las escenas de la película con los temas de una banda de rock (en conjunto con el compositor Michael Kamen). En 1986 lanzarían el LP A Kind of Magic, en cuyo interior estarían las canciones de la película alcanzando el número durante varias semanas. Princes of The Universe, Gimme the Price, One Year of Love y la mítica Who Wants to Live Forever son parte indivisible de la historia de la música y del cine, y eso es un logro que muy pocas bandas han conseguido en la historia.

En mi opinión, que Google haya elegido el tema don´t stop me now es todo un acierto (se trata del segundo doodle más largo tras el de Chaplin), aunque estarán conmigo en que cualquier elección con Mercury podría haber quedado bien. Hoy Mercury tendría 65 años y cada año se podría celebrar su nacimiento. Una estrella que nunca ha dejado de brillar.

Para acabar este pequeño homenaje les dejo con dos vídeos. El primero es una de las actuaciones más memorables que dio Mercury interpretando Bohemian Rhapsody. El segundo es precisamente un homenaje geek del tema a través de la banda más peculiar de la historia: un Atari 800XL, una Texas Instruments TI-99/4a, un scanner, un disco rígido de 3.5 y una unidad de disco de 8 pulgadas.

Algunas personas se pierden cuando van hacia la luz y necesitan que alguien les guíe, les ayude a entrar en el camino. Por eso algunas personas se enfadan y tiran cosas como en tu cuarto…
Es como el colegio, algunos niños son buenos contigo y otros son malos…

Hoy toca una de esas películas que literalmente dan “mucho miedo” cuando eres niño. Poltergeist venía a cambiar un poco el tipo de género de terror que triunfaba por aquella década de los 80, el del asesino psicópata lleno de clichés que abundaba en las salas, cine slasher que se acercaba más a un subgénero de la propia temática.

Haciendo caso a la propia definición del título de la película, la cinta tocaba varios temas dentro de la trama, un poco de fantástico, otro de terror y algo de ciencia-ficción bien llevada. Spielberg y Lucas (en labores de FX) se arriesgaban dándole el trabajo a Tobe Hooper, el director del clásico del género The Texas Chain Saw Massacre (Matanza de Texas). El resultado no pudo ser más brillante.

Casi dos horas de cine de suspense y terror que jugaba con el espectador ante aquello que podía ocurrir. Hooper dejaba de lado toda la sangre y violencia de sus anteriores trabajos para regalarnos una película única dentro del género fantástico, donde el miedo a lo desconocido era más importante que la causa del mismo y donde los fenómenos paranormales y los espíritus eran igual de importantes que los protagonistas.

El próximo año se cumplirán 30 años de su estreno. Casi tres décadas desde que Hopper y su famoso productor y co-guionista lanzaran esta primera película de la saga (posteriormente hubieron dos partes más). Tiempo suficiente para elevar a la obra y muchas de sus escenas como parte de nuestra cultura popular ya que después de Poltergeist hubieron muchísimas otras películas que trataban de buscar el mismo clímax. Por si fuera poco, esta es una de las grandes películas catalogadas en la historia del cine como malditas, así que a continuación vamos con las anécdotas y curiosidades que rodearon con el tiempo a la familia Freelings…

Una familia americana de clase media se traslada a vivir a una nueva casa en un aparentemente idílico barrio, pero dentro de la casa comienzan a suceder cosas extrañas, fenómenos paranormales para los que no hay explicación posible…

• Spielberg se debatía tras acabar la primera película de Indiana Jones entre el proyecto de Poltergeist y ET, afortunadamente parece que escogió la opción adecuada, ya que el director se quedó con el extraterrestre y dejó en manos de Hooper a los fenómenos paranormales.
• El director fue co-guionista del filme junto a Michael Grais y Mark Victor y según cuentan la trama estaba basada en las propias pesadillas de Spielberg en su niñez.
• Aunque el propio director lo niega, son muchas las voces que se encontraban en el set de rodaje que afirman que prácticamente la dirigía él, ya que no paraba de darle consejos a Hooper.
• De hecho, se cuenta que debido al tipo de cine de donde venía Hopper, más sangriento y violento, Spielberg tuvo que reducir en postproducción varias escenas.
• La famosa escena de la mano saliendo del televisor fue uno de esos ejemplos. En principio se pensó que en vez de una mano saliera una cara llena de sangre que escupía a Carol Anne.
• Cuando la película fue lanzada en DVD añadieron abundantes extras. El siguiente fue un making of sobre la cinta:

• Si hay una frase en la película que marcó época esa fue sin ninguna duda “Ya están aquí!!”, Carol Anne pronunciaba estas palabras entre gritos y apariciones.
• Este año Herve Attia se recorrió los parajes donde se rodó Poltergeist, un trabajo espectacular de 13 minutos donde podemos observar las localizaciones de la cinta:

¿Era Poltergeist una película maldita?

No, aunque todo depende de si crees en algún tipo de fuerza del más allá. La película finalizó y a partir de ahí se desencadenaron una serie de circunstancias trágicas, aumentadas todas por la leyenda de muchos medios que le dieron al filme esa categoría. Realidad y ficción porque entre las muertes y los testimonios no se sabía a ciencia cierta qué era cierto y qué era mentira.

Al finalizar el rodaje de las dos primeras partes comenzaron a producirse una serie de desgraciados accidentes. Dominique Dunne, Dana la hermana mayor de Carol en la película, muere estrangulada por su novio. Julian Beck, el reverendo Kane en la segunda parte, muere en 1985 por un cáncer de estómago. Por último Will Sampson, el brujo Taylor de la segunda parte, muere en 1987 por un problema en el corazón.

La historia finaliza con la propia protagonista. Tras el éxito de la primera película, Heather O´Rourke aparecería también en la segunda (1986) y tercera parte (1988). Tras el éxito en el cine la joven actriz se pasó a la televisión. Ese mismo año, en 1988, Heather moría con doce años a causa de un infarto asociado a una enfermedad congénita y con ella la leyenda de la película maldita cobraba más vida. Tampoco ayudó que parte del rodaje llegara a afirmar que en el set existían apariciones y situaciones extrañas. Aquí un documental sobre el tema:

• Siguiendo con la lista de datos y curiosidades sobre el filme, la relación entre Spielberg y Hooper acabó en los tribunales. Al parecer el director denunció que Spielberg había colocado su nombre más pequeño en los pósters promocionales.
• Antes de darle el papel a Heather se pensó en Drew Barrymore como Carol Anne. Finalmente Spielberg la utilizaría para ET.
• El propio Stephen King aportó muchas ideas para la construcción de la trama aunque finalmente no apareciera en los títulos de crédito.
• La película estuvo nominada a 3 oscar: mejores efectos sonoros, visuales y mejor música.
• Jerry Goldsmith fue el encargado de transportarnos a ese clímax de tensión con la banda sonora.
• Para finalizar les dejo con el trailer de la película y una recomendación a todos aquellos que no la hayan disfrutado todavía. Si les gusta el género fantástico y el ahora denominado terror psicológico, no se la pierdan, tiene un poco de ambas con el sello de los mejores blockbusters que solía hacer Spielberg en la época.

• Les recuerdo que para el siguiente Retrogeek pueden aportar sugerencias sobre sus películas favoritas. Lo podéis hacer a través de los comentarios o vía mi cuenta de Twitter @iblogblog.

Pues bien, Lucas, al igual que hiciera en ocasiones anteriores con los “re-lanzamientos” en DVD o en el cine, ha querido volver a “modificar” algunas partes que al hombre le parecían adecuadas… y en apenas unas horas los fans han entrado en cólera ante lo que consideran una agresión a los clásicos. Cuatro son los principales cambios y motivos de controversia:

Obi-Wan Kenobi y “su grito”

En la siguiente escena Lucas ha considerado que a Obi-Wan le hacía falta un grito más realista. El hombre ha modificado la escena añadiéndole a Obi-Wan el siguiente “estruendo” para ahuyentar a los moradores de arena…

Los Ewoks, nuevos “ojos”

El director le ha aplicado CGI a los ojos de los Ewoks, por lo que ahora parpadean y se ven nítidamente las pupilas donde antes sólo había un ojo sin definición clara. Los fans se quejan de que los Ewoks no son humanos y por lo tanto estas escenas están fuera de lugar. Este es el vídeo:

Yoda en CGI

Otro de los motivos de crítica tiene que ver con la “transformación” y sustitución del Yoda original de The Phantom Menace (Frank Oz) por un Yoda digital como el de las siguientes entregas. La diferencia entre ambas resalta a la vista entre la nueva…

… y la original

Darth Vader y su terrorífico alarido

Alarido puede encajar perfectamente con el término que define la, a juicio de los fans, aberración que ha cometido el señor Lucas. Uno de los momentos claves, icónicos de la saga, se produce en The Return of the Jedi. Me refiero al momento en el que Darth Vader arroja al emperador que está electrocutando a Luke. Pues bien, en esta nueva re-edición, Lucas le ha añadido a Vader un doble y sonoro “Nooooo! Noooo!” que ha desatado todo tipo de críticas en la red. La idea según el director era la de darle mayor conjunción a Return of the Jedi con Revenge of the Sith. Esta es la escena:

El vídeo comenzó a circular por la red con todo tipo de improperios ante la modificación de Lucas. La misma página de Amazon, una de las más activas a la espera del lanzamiento, contiene decenas de críticas y comentarios negativos hacia los cambios. Principalmente se quejan de que con el mismo se destruye el impacto y el drama de una de las escenas más famosas de la historia del cine. Incluso en YouTube comienzan a aparecer los primeros vídeos donde se parodia al “nuevo” Darth Vader modificándole la voz con todo tipo de personajes.

No sólo eso, algunos medios van mucho más allá. Bloggers famosos como Germain Lussier de Slashfilm o la web Saving Star Wars vuelven a recordar la carta que firmó el mismo Lucas en 1988 defendiendo la autoría de las obras de los directores sobre las productoras. En los 80s la industria cinematográfica estadounidense se debatía entre la idea de colorear los grandes clásicos del cine con el fin de darles un nuevo empujón.

Los primeros filmes traspasados obtuvieron un gran éxito por lo que varios directores como Spielberg, Woody Allen o el mismo George Lucas fueron hasta Washington con el fin de promulgar una legislación que protegiera a los artistas de la desfiguración de su trabajo. Lo que se pretendía con una larga carta era concienciar a la gente y garantizar los “clásicos” del cine como patrimonio cultural para que permanecieran en su forma original. Finalmente se consiguió un consenso a medias. Estados Unidos reconocería el Tratado de Berna con una excepción. No se extendería a las imágenes en movimiento por su naturaleza compleja. Precisamente hoy George Lucas, el que hace 23 años defendía el discurso en contra de las ediciones especiales, vuelve a retocar una y otra vez una obra que para la mayoría de fans significa un atropello.

El resto de cambios anunciados en la saga son principalmente retoques, lavados de cara tanto en las pistas de sonido como en la imagen con respecto a la edición en DVD. Además llegarán con las siguientes novedades:

• En el Episodio I: Nuevo master que arregla defectos de transferencia con el DVD, más imagen en los laterales con un nuevo encuadre, imagen más nítida y limpia.
• En la trilogía clásica: Limpieza de todas las imágenes con respecto al DVD y se corrige pequeños defectos en el color de los sables ya que en su edición en DVD se mostraban saturados.
• También se corrige la leve imagen donde se veía parte de la mano que portaba el Wampa en The Empire Strikes Back.

En fin, que ahora sólo queda esperar y ver si finalmente Lucas acaba introduciendo los cambios anunciados. En mi opinión una obra tan grande no debería ser modificada, ni ahora ni anteriormente. El cambio drástico introducido en la escena de Darth Vader es sin duda el lunar más grande de este lanzamiento apoteósico que no debería desmerecer el conjunto completo. Para finalizar les dejo el trailer oficial de este brutal pack, imprescindible para fans de la saga, y les lanzo una pregunta. A vosotros, ¿qué os parecen las modificaciones?

El astrónomo Patrick Hartigan ha conseguido tras 14 años de trabajo la reconstrucción en vídeo del nacimiento de una estrella. Dos décadas desde el año 1994 hasta el 2008 a través del Telescopio Espacial Hubble. La recolección de imágenes fijas desde entonces nos permiten en el día de hoy poder observar con el ojo humano el origen de una estrella, el nacimiento a través de esos grandes chorros de gas incandescente a 1.350 años luz de la Tierra, muy cerca de la Nebulosa de Orion.

Para la obtención en primera instancia de las imágenes, los investigadores han estado recolectando las observaciones de Hubble, imágenes en alta resolución fijas que mostraban como los chorros de gas expulsaban las estrellas jóvenes y se expandían disparadas en direcciones opuestas a velocidades supersónicas, llegando a más de 700.000 kilómetros hora.

Para entender de la complejidad de lo conseguido hoy y de la tremenda importancia en el futuro, el proyecto ofrece nuevas pistas sobre cómo podría haber nacido el Sol, también nos permite visualizar con todo lujo de detalles las colisiones o el esparcimiento de los nudos de gas. Hartigan, director del proyecto en el que han trabajado diversos científicos de varios países, lo explicaba así:

Hemos tratado de estudiar cómo se forman las estrellas. Si nos fijamos sólo en el proceso no podríamos obtener un cuadro completo. El resultado es tremendamente importante porque así es como se formo el Sol y así es como se forman los sistemas planetarios, y esto es básicamente lo que vemos en el vídeo. Con esta película, a partir de ahora se podrá comparar las observaciones directas con las simulaciones por ordenador para entender todo el proceso

Y es que hasta ahora se tenían pocas pistas tan detalladas que nos indicaran datos sobre del nacimiento del Sol hace 4.500 millones de años. La nitidez de las imágenes del Hubble permitirá a los investigadores a partir de ahora seguir las evoluciones de estas estrellas en el tiempo.

El concepto de Inteligencia Artificial en la ciencia-ficción trata acerca de la posibilidad de que se puedan programar ordenadores capaces de emular los procesos y capacidades de la inteligencia humana o de que, debido a su cada vez mayor complejidad, alcancen por sí mismos dichas capacidades

Quizá ya no estamos tan alejados de tal concepción. Pensemos en HAL 9000 o Skynet. Probablemente sean dos de las Inteligencias Artificiales más famosas de la historia del cine. Ambas tenían en común haber sido creadas por el hombre para ayudarle. Skynet inicialmente iba a defender a Estados Unidos controlando la seguridad en defensa. HAL en cambio estaba destinado al mantenimiento interno de la nave. No fue así claro. Finalmente ambas máquinas se rebelan contra el hombre y se convierten en enemigos de sus propios creadores. Volviendo a la realidad, pensemos en los avances de los programas informáticos que emulan conversaciones o pensamientos humanos, ¿hasta dónde se ha llegado actualmente? Pues a tenor del último experimento realizado en la Universidad de Cornell, no sólo asustan por su locuacidad, sino que llegan a debatir sobre el existencialismo y la religión.

El experimento se realizó entro dos chatbot, programas de simulación de conversación humana. Su objetivo no es otro que generar respuestas lo más naturales con el fin de acercarse lo más posible a los pensamientos de un ser humano.

Sí, siempre les faltará la consciencia, pero el resultado que podemos ver en el vídeo resulta tremendamente inquietante. Lo que comienza como una conversación más o menos atropellada entre ambos va adquiriendo un tono cada vez más serio y casi diría que real. El hombre quizá con un tono más arrogante frente a la mujer, que se muestra más alerta, como a la defensiva.

El inicio de la conversación, totalmente surrealista donde uno dice ser un unicornio, acaba como muchas de las grandes obras de la literatura y el cine del género. Llegan hablar de religión, Dios o incluso que desean un cuerpo humano.

Haber colocado a estos dos chatbots frente a frente y obtener está conversación de ambos es brillante. Quizá como decía al comienzo no estamos tan lejos de la concepción de la Inteligencia Artificial de la ficción. De hecho, es muy probable que el experimento sea presentado en la 2011 Loebner Prize Competition in Artificial Intelligence.

Desde hace 20 años existe un premio de 100.000 dólares para aquel programa que pueda mantener una conversación con un ser humano ante la atenta mirada de los jueces. El formato de la competición sigue el estándar establecido en el Test de Turing. Un juez humano se enfrenta a dos pantallas de ordenador, una de ellas que se encuentra bajo el control de un ordenador, y la otra bajo el control de un humano. El juez plantea preguntas a las dos pantallas y recibe respuestas. En base a las respuestas, el juez debe decidir qué pantalla es la controlada por el ser humano y cual es la controlada por el programa de ordenador. El día que se consiga superar la prueba el concurso desaparecerá. Podría ser que estos dos chatbots se encuentren muy cerca de conseguirlo.

El fotógrafo Randy Halverson ha conseguido recientemente uno de los Time Lapse más impresionantes y épicos que se recuerden. El hombre se planteó el reto de realizar una pieza a campo abierto que recogiera la majestuosidad de la vía láctea con la inclusión de una tormenta que se acercara por la pantalla de la cámara.

La dificultad viene dada por la propia complejidad de una tormenta. El fenómeno está definido científicamente como aquella nube capaz de producir un trueno audible, un fenómeno atmosférico violento capaz de transportar partículas en suspensión y que se caracteriza por llevar lluvias, vientos, relámpagos, truenos o incluso granizo.

Halverson filmó la pieza en un entorno alejado de cualquier urbe, en Dakota del Sur. A campo abierto, las posibilidades de conseguir el gran contraste entre un cielo abierto y despejado lleno de estrellas con la rápida llegada de una tormenta eran mayores.

El trabajó finalmente le ha llevado tres meses, desde junio hasta hace unos días que colgó el trabajo. Tres meses y un vídeo preliminar filmado en mayo donde nos muestra la calma antes de la tempestad. Él mismo lo explicaba así:

El mayor reto de esta pieza fue encontrar las noches despejadas sin viento. La gran mayoría de los días el viento soplaba muy fuerte y complicaba el Time Lapse. Al final realicé prácticamente toda la pieza desde el suelo, de esta manera el viento no se siente ni movía la cámara. Todos los momentos donde parece que se hace de día son debidos a la luz que irradiaba la Luna.

De la calma pasamos a la tempestad. Hace unos días finalizó la obra con esta otra pieza simplemente espectacular. Casi cuatro minutos de vídeo donde se mezclan la llegada de la fuerza de la naturaleza con la calma tensa. Fijaos en varios fragmentos donde los rayos se acercan a la cámara y luego trazan otra trayectoria o incluso la aparición de pequeños meteoros en el cielo.

El vídeo fue disparado con una Canon 5D Mark II acompañado de una pieza musical creada para la ocasión por Simon Wilkinson. Halverson lo explicaba así:

Uno de los grandes retos del trabajo fue conseguir una buena tormenta en un cielo lleno de estrellas. La oportunidad no llega a menudo ya que la tormenta no se mueve en una dirección y los rayos pueden sobreexponer las exposiciones largas.

Aunque no lo creamos y repitamos una y otra vez cada uno de los siguientes vídeos, estamos completamente equivocados y es prácticamente imposible que aquello que creéis ver sea la realidad. La propia definición de una ilusión óptica nos da la clave:

Entendemos por ilusión óptica cualquier ilusión del sentido de la vista que nos lleva a percibir la realidad erróneamente. Éstas pueden ser de carácter psicológico asociados a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el el cerebro —brillo, color, movimiento… como el encandilamiento tras ver una luz potente— o cognitivo en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Las ilusiones cognitivas se dividen habitualmente en ilusiones de ambigüedad, ilusiones de distorsión, ilusiones paradójicas e ilusiones ficticias (alucinaciones)…

Es decir, que cada ilusión óptica es un error. Un error que creamos nosotros mismos en nuestro cerebro porque debemos o queremos interpretar así la realidad. Ocurren durante la conexión del hemisferio derecho y el izquierdo, gracias a esto tenemos la capacidad de percepción.

Dicen que llegar a comprender las ilusiones ópticas ayuda a entender las limitaciones que tenemos en la vista humana y la distorsión que ejercemos, así que les propongo una serie de vídeos con los que poner en práctica la teoría:

Ilusión Óptica 1

Por mucho que lo intentemos, seguiremos viendo los dos cuadros que mueve de distinto color, cuando en realidad son exactamente iguales. La razón es siempre la misma, nuestro cerebro modifica el sistema visual y lo ajusta con ligeras variaciones para diferenciar la forma y los límites de los objetos dejando de lado la percepción de los colores. Si no me creéis, mirad en la Wikipedia.

Ilusión Óptica 2

Este otro caso es más simple, sobre todo porque lo estamos viendo a través del ordenador. El fotógrafo Erik Johansson lleva la ilusión óptica a la calle a través de un trabajo de retoque fotográfico, previo paso por el ordenador, donde calculó milimétricamente las medidas de la plaza para luego insertar las imágenes a escala real.

Ilusión Óptica 3

La siguiente ilusión está enmarcada dentro de lo que se ha llamado Flashed Face Distortion Effect. Sin ningún tipo de alteración en las caras de las chicas y fijando la vista en el punto donde nos indican, da la sensación de percibir la distorsión de unas caras sobre otras, cuando realmente tampoco es así. Esto es producto de los efectos de luz que producen nuestros rostros a los demás, es decir, al alinearlas en el vídeo y presentarlas de manera rápida, las diferencias entre los rostros son más extremas, de esta manera, si alguien tiene una mandíbula más grande de lo normal o una frente prominente, al compararlos a cámara rápida nuestra percepción nos muestra una imagen grotesca o deforme. El científico Matthew B. Thomson los explica perfectamente en una tesis.

Ilusión Óptica 4

El artista Francois Abelanet juega con los visitantes en un jardín de París. En este caso utiliza la técnica conocida como anamorfis para dar la impresión de relieve. Una anamorfis es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procesamiento óptico. Se suele utilizar como efecto de perspectiva en el arte para forzar así al espectador a mantenerse sobre un determinado punto de vista preestablecido.

Ilusión Óptica 5

Exactamente igual al primer vídeo pero variando las formas geométricas. La explicación es la misma, nuestro cerebro genera este error para poder definir los límites y las formas geométricas dejando de lado el color. Al final del vídeo, cuando coloca la figura en cada fila, podemos observar que lo que veíamos era incorrecto.

Ilusión Óptica 6

Esta pieza fue premiada a finales del año pasado en la edición 2010 del Best Illusion of the Year Contest. Kokichi Sugihara. ¿Cómo lo consigue? Perspectiva. El autor consigue orientar cada uno de los espacios de manera que los percibamos al revés, así cuando realmente tienen un movimiento de descenso, nuestro cerebro lo interpreta en ascenso.

Ilusión Óptica 7

Este caso es similar al utilizado en muchas de las escenas de la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Cómo en todos los vídeos anteriores, nuestra vista y nuestro cerebro nos juegan una mala pasada. Aquí hay truco y es que la casa donde se rueda no es una casa “normal”. A parte de utilizar en cada toma una perspectiva que llega a deformar la estancias y los muebles, la casa no tienen formas rectas comunes. Ligeras pendientes y unos extremos más grandes que otros logran que nuestro cerebro perciba todo de manera completamente distinta.

Ilusión Óptica 8

Podríamos resumir el vídeo como la explicación del anterior. Sin ningún elemento decorativo, nuestra visión sigue generando la misma percepción, aún cambiándose los dos sujetos.

Ilusión Óptica 9

El final del vídeo nos acaba dando la clave. La perspectiva.

Ilusión Óptica 10

Existen también ilusiones ópticas tan sencillas como esta última. Basta con que nuestro cerebro quiera que este chico se encuentre levitando …

Creo recordar que la primera vez que me hablaron de Patrick Boivin fue hace unos años en uno de los vídeos donde luchaban Bruce Lee contra Iron-Man. Al verlo me quedé impresionado por la calidad del trabajo y quise saber algo más de él. Resultó que Boivin no era un video aficionado más, sino que es una figura reputada en el mundo de la animación que lleva años trabajando de manera independiente.

Boivin, canadiense nacido en 1975, se define como un autodidacta en todas las materias donde ha estado involucrado estos años. Sus comienzos pasaron por el cómic hasta que descubrió el mundo de la animación y la edición en vídeo. Un mundo que a su juicio “parece que se me da bien”, y no está falto de razón. Cada una de las piezas que ha ido realizando y colgado en la red son auténticas joyas, obras de arte en las que los mismísimos genios de Pixar se han fijado embarcándole en su último proyecto.

Aunque entre sus influencias se encuentren figuras tan alejadas como Tom Waits, Fellini o Roy Andersson, a este canadiense lo podríamos tildar de ser uno de los video-artistas geek de nuestro tiempo. Las temáticas utilizadas en la mayoría de sus trabajos nos muestran a un creador que ha elevado el concepto de Stop-Motion a un nuevo nivel. Dosis de ingenio y toneladas de creatividad.

Tras obtener el Quebec de Oro por su primer cortometraje Ça tout l’reste, el artista pasó a producir la serie de televisión experimental Phylactere Cola en Canadá para finalmente convertirse en un outsider del medio, trabajando como autónomo y presentando sus obras en diferentes certámenes.

El universo de Boivin está lleno de referencias a la cultura popular. Personajes que van desde Bruce Lee, Michael Jackson o Iron-Man hasta su homenajeada pasión en varias ocasiones al mundo de Star Wars con figuras como Boba Fett o los AT-AT. Incluso Google forma parte de sus trabajos.

Cada vídeo de Boivin en YouTube es sinónimo de viralidad. El portal de Google le ha premiado en multitud de ocasiones y ha liderado el rankings de los más vistos y con más suscripciones en los últimos tiempos.

Con esta carta de presentación sólo me queda ofrecerles una recopilación de sus diez trabajos más sonados (del más antiguo al más nuevo en el tiempo). Atentos al último de los vídeos, ya que se trata de la última obra del artista. Un trabajo titánico que le ofreció Pixar donde Boivin recrea el trailer de Cars 2 en una versión LEGO. Imprescindible.

Transformers-Jazz with a General problem

Bruce Lee vs Iron Man

Black Ox Skateboard

Mandalorian Dance

Bumblebee boy

Michael Jackson vs Bean

Transformers Stop-Motion Bumblebee beats Optimus Prime

Iron Baby

AT-AT day afternoon

Patrick Boivin

Cars 2 in LEGO